28.3.13

Cincuenta años mirando al cielo


Hace un par de meses se estrenó en nuestro país la película Hitchcock, que aprovechando la excusa de un biopic sobre el director británico, el maestro del suspense, centraba gran parte de su trama en el rodaje de uno de sus grandes éxitos, Psicosis. Pero no es la única cinta que sobre el autor hemos podido ver este año, ya que además nos ha llegado The girl, una TV-movie realizada por las poderosas HBO y BBC en las que se nos cuenta la relación entre el director y la actriz Tippi Hedren, sobre todo durante el rodaje de la gran obra que es Los pájaros, y en la que el realizador no sale precisamente bien parado.



Basada en una breve novela de Daphne du Maurier, Los pájaros fue uno de los mayores éxitos de la carrera de Alfred Hitchcock. La película, supuso el descubrimiento de Nathalie Hedren, actriz y modelo americana de ascendencia sueca a la que llamaban Tippi (diminutivo de 'tupsa', que en sueco significa 'cariño'), y a la que el realizador descubrió en un anuncio de refrescos en televisión. Por aquel entonces, andaba a la búsqueda de nueva musa, ya que acababa de 'perder' a su musa Grace Kelly, que había dejado el cine para convertirse en Princesa de Mónaco, y buscaba a una nueva rubia que protagonizara sus películas. En la primera cita, según cuenta la propia Hedren, hablaron de todo menos de películas, pero sirvió para que Hitchcok y su mujer, Alma, mano derecha del realizador, confirmaran que era a ella a quien estaba buscando.













La relación entre el director y la actriz ha hecho correr ríos de tinta, ya que su eterna obsesión con las actrices rubias llegó aquí a cotas extremas, tanto que los rumores sobre peticiones sexuales y un supuesto ataque hacia Hedren, a la que (dicen) torturó durante el rodaje en su afán de que los planos de los ataques de las aves quedasen perfectos. La actriz, después de rodar dos películas con Hitchcock, no ha vuelto a tener un papel importante en el cine, según cuentan porque el realizador arruinó su carrera al negarse ella a sus insinuaciones.
Pero vayamos a lo que nos interesa, a la película. Melanie Daniels (Tippi Hedren) es la hija de un magnate de la prensa de San Francisco. Es una chica consentida y está acostumbrada a tener todo lo que quiere. Un día, en una tienda de animales, conoce al abogado Mitch Brenner (Rod Taylor) por el que se siente atraída al instante. Tras conseguir la dirección de Mitch gracias a sus contactos en el periódico de su padre, y con la excusa de regalarle una pareja de agapornis a su hermana pequeña, Melanie se traslada a Bodega Bay para darle una sorpresa. Al llegar, decide que, en vez de usar la carretera que bordea toda la costa, se acercará a su casa con un pequeño bote, para que la llegada sea más inesperada. Poco después, una gaviota la ataca y la hiere. No será más que el comienzo de una rebelión de las aves, que comenzarán a reunirse en enormes grupos y atacar a la población.

Pero, ¿por qué atacan los pájaros? Lo verdaderamente inquietante de la cinta es que Hitchcock no da ninguna explicación. No hay ningún motivo, evidente o no. No hay mayor miedo que el miedo a lo desconocido, a lo que no se puede explicar. Y Hitchcock logró crear la angustia, el desasosiego en el espectador porque las aves atacaban sin razón. En un principio, los habitantes del pueblo culpan a Melanie, la visitante, la extraña, ya que los ataques comenzaron con su llegada, ergo ella es la propulsora de todas las desdichas del pequeño y tranquilo pueblo, la que ha traído el mal a Bodega Bay. Y durante mucho tiempo, incluso nosotros, simples espectadores podemos creer que, de algún extraño y desconocido modo, en realidad es así. Pero cuando Mitch enciende la radio del coche antes de la huida final, descubrimos a través de las noticias que los ataques también están ocurriendo en otros lugares.
Hitchcock consiguió que el público sintiera verdadero pavor de muy diversos modos: por ejemplo, no hay ni una sola nota de banda sonora a lo largo del filme, y las escenas cumbre únicamente están acompañadas de los graznidos de los cuervos y los chíos de las gaviotas, que están coordinadas-dirigidas por el gran Bernard Herrmann (autor de casi todas las bandas sonoras de las cintas del realizador británico); también por el hecho de que sean animales comunes y corrientes los que ataquen, en lugar de especies extrañas, que estén fuera de su habitat habitual, lo que hubiera podido tener alguna lógica; por no dar explicaciones, por que realmente no las hay; porque subvertía los papeles, encerrando a los humanos en sus 'jaulas', mientras los pájaros permanecen en libertad, en el exterior; y, sobre todo, porque la película termina y no aparece el consabido “The end”, dando la sensación de que no ha terminado, y puede que a la salida de la sala, la historia continúe.
Los pájaros, una de las mejores obras de uno de los mayores genios del cine, cumple hoy, 28 de marzo, 50 años desde su estreno.

20.11.12

HOLY MOTORS

(Aviso: Esta crítica contiene spoilers!! Lo cual no elimina ni un ápice la intensidad, ni recorta la experiencia sensorial que supone ver esta película a posteriori)

Mil películas en una

francia-alemania, 2012.
título original: holy motors. director: leos carax. producción: martine marignac, maurice tinchant, albert prevost. guion: leos carax. fotografía: caroline champetier. música: neil hannon. montaje: nelly quettier. intérpretes: denis lavant, edith scob, eva mendes, kylie minogue, elise lhomeau, michel piccoli, jeanne disson, leos carax, nastya golubeva carax, zlata, jeffrey carey, annabelle dexter-jones.


Triunfadora absoluta en el reciente Sitges, la nueva película de Leos Carax es una joya que era esperada desde hacía mucho tiempo. Y es que, el que en otro tiempo fue el enfant terrible del cine francés ha tardado trece años en presentarnos su nuevo largometraje, esta magnífica, soberbia, inmensa, Holy motors
Todo lo que se diga de ella es poco. La película puede provovar el más absoluto de los rechazos. O el más profundo de los enamoramientos. Sin término medio. Estamos ante una cinta inclasificable, que trasciende los géneros, que fluctúa entre ellos, y que es más una experiencia sensorial apabullante, que resulta hipnótica desde el primer momento. Es difícil de explicar de qué va, qué quiere contar. Bizarra absoluta entre las más bizarras, la cinta tiene infinitos meandros y mensajes subterráneos por los que perderse. Hay tantas interpretaciones como espectadores, y aunque a lo largo del metraje se van dando pistas que nos pueden ayudar a comprenderla mejor, hay que recurrir también a elementos externos para entender al menos una pequeña parte de todo lo que se incluye dentro de Holy motorsPuede epatar o enamorar, pero no deja indiferente a nadie.
La cinta comienza con el propio director (Leos Carax en persona) despertando (o no) de un mal sueño en una extraña habitación de hotel con vistas a la noche de París. Explorando la habitación encuentra una cerradura oculta en la pared, que abre con su dedo, ahora reconvertido en llave. Llega a una sala de cine repleta de espectadores aborregados, inexpresivos, dormidos, sin mirar a la pantalla. Y entonces entramos en la película, y seguimos un día en la vida de Monsieur Oscar, un ser con múltiples vidas que viaja de una a otra como si fuesen citas. Lo mismo es un rico banquero, que una anciana que mendiga unas monedas, que un padre que abronca a su hija adolescente, que una criatura monstruosa que vive en las alcantarillas... 
Lo que vemos en pantalla es una serie de representaciones, un hombre (impresionante Denis Lavant, habitual compañero de Carax) que realiza una serie de performances a lo largo de la ciudad. Cada día nuevos personajes (once en la jornada que vemos en esta película), que no conoce hasta justo el momento de hacerlos; trasladándose de una a otra en una lujosa limusina que hace las veces de vestidor. ¿Quién está detrás, para quién representa esos personajes? Ni idea. Lo único que sabemos es que Oscar, ya no disfruta como antes, porque echa de menos las cámaras, que ya son tan pequeñas que apenas pueden verse. Sólo lo sigue haciendo por “la belleza del acto”. "La belleza está en el ojo del que mira", le dice una especie de jefe. "¿Y si ya no hay nadie que mire?"
Pero, ¿qué es lo que quiere contarnos Holy Motors? Es una película autorreferencial, no sólo en lo que al cine de Carax se refiere (M. Merde, la criatura de las alcantarillas, ya aparecía en el fragmento que dirigió para la película Tokyo!; los protagonistas se pasean por unos abandonados almacenes Samaritaine, que eran escenario clave en Los amantes del Pont Neuf, obra cumbre (hasta ahora) de Carax...); sino incluso consigo misma: uno de los personajes que interpreta Oscar asesina a otro de ellos. Pero va más allá: es un canto al cine (sobre todo, aunque no sólo, francés), un homenaje a un arte en el que los franceses son maestros; desde las cronofotografìas de Etienne-Jules Marey, a La belle et la bête de Jean Cocteau; de Les yeux sans visage de Georges Franju, al cripticismo de David Lynch, o la japonesa Godzilla, cuya banda sonora se usa en el filme.
Holy Motors es una película valiente y arriesgada, diferente, cinéfila, con numerosos momentos brillantes: el entreacto musical en la iglesia, la canción de Kylie Minogue, el capítulo de M. Merde, la (falsa) muerte del sr. Tovan junto a la joven Lèa.... Puede ser un canto al cine; o puede que no sea más que un sueño (y que Leos Carax siga dormido en esa sórdida habitación de hotel en la que comienza el filme); o puede que sea la visión del actor-total que vive (puede vivir) mil vidas, y a veces no sabe cuál es la verdadera, frente a los pobres mortales (los espectadores del cine del principio, ¿nosotros?) que sólo pueden vivir una; o a lo mejor es un grito de dolor de Carax (cuya mujer, Yekaterina Golubeva, murió trágicamente pocos días antes de comenzar el rodaje, y a la que está dedicada la película (además, la hija de ambos también aparece, interpretando a la hija adolescente de uno de los personajes), y que llegaría a su momento culmen cuando se grita destrozado al encontrar el cadáver (¿real, parte de una interpretación?) de una antigua amante y compañera de trabajo)... O puede que sea todo ello. Y mucho más. 
Es una película que debe vivirse, que debe experimentarse. Hay que aceptar las reglas y dejarse llevar. Y, simplemente, disfrutar.

5.11.12

SEFF'12. SECCIÓN OFICIAL --- REALITY

Darse de bruces con la vida real

italia, francia, 2012,
título original: reality. director: matteo garrone. producción: matteo garrone, domenico procacci. guion: matteo garrone, mauricio braucci, ugo chiti, massimo gaudioso. fotografía: marco onorato. música: alexandre desplat. montaje: marco spoletini. intérpretes: aniello arena, loredana simioli, nando paone, raffele ferrante.


Después de triunfar con Gomorra, película que también pasó por el Fetival de Cine Europeo de Sevilla, y que incluso recibió premio aquí, Matteo Garrone,  nos trae Reality, una cinta muy diferente a la que le dio la fama, acercándose aquí mucho a la comedia, aunque sin abandonar los tintes dramáticos.
El protagonista es Luciano, un pescadero de Napoles, parlanchín y con algún que  otro chanchullo con el que se saca un dinero extra. A pesar de que no entraba en sus planes, cuando le surge la oportunidad su mayor deseo será participar en el programa Gran Hermano. Incluso llega a pasar algún casting. Pero poco a poco su obsesión llega a hacerse enfermiza. Cuando todo el mundo da por hecho que le llamarán, y que se hará conocido, se hace famoso por el simple hecho de que va a ser famoso. Espera una llamada que no llega y empieza a ver fantasmas por todos lados, pensando que le espían para ver cómo se comporta.
Excelentemente interpretada (los personajes son físicamente creibles, son vecinos de cualquiera de nosotros), sobre todo por su protagonista principal, debutante en el cine, y con un gran trabajo de la imagen, Garrone hace una crítica brutal, mordaz, a la telebasura, a esos famosillos del tres al cuarto que sólo son conocidos por aparecer en televisión pero que no tienen ni oficio ni beneficio. Hay momentos que rozan el esperpento.
El único problema de la cinta es que, después de, y a pesar de, todo, alarga en exceso el final, se regodea con la misma situación, y no sabe cómo cerrar la historia.

3.11.12

SEFF'12. SPECIAL SCREENING --- THE SUICIDE SHOP

Humor muy negro (en principio)

francia, bélgica, canadá, 2012.
título original: le magasin des suicides. director: patrice leconte. producción: thomas langmann, emmanuel montamat, gillers podesta, andré rouleau. guion: patrice leconte, basado en una novela de jean teulé. música: etienne perruchon. montaje: rodolphe ploquint. intérpretes (voces): bernard alance, isabel spade, kacey mottet klein, isabelle miami.





Patrice Leconte, director de películas emblemáticas como El marido de la peluquera, Monsieur Hire, El perfume de Yvonne, Ridicule, La chica del puente, La viuda de Saint-Pierre o El hombre del tren, debuta en el cine de animación. Sí, estáis leyendo bien. Animación. En 3D además. Y musical.
No os asustéis (al menos en principio). El punto de partida es negro. Negrísimo. Hay incluso quien se sentirá ofendido, molesto. Porque la idea que sustenta toda la cinta no puede ser más políticamente incorrecta en los tiempos que corren. La crisis hace que la gente esté hundida, deprimida, agobiada hasta el extremo. Tanto que los suicidios son comunes. Muy comunes. Y existe una ley que los prohibe, penandolo con una sustanciosa multa (que en caso de que el hecho sea exitoso, recae sobre los descendientes vivos). En este contexto, la familia Tuvache regenta La Tienda de los Suicidas, un comercio en el que se vende todo para ayudar a los depresivos a pasar al otro mundo con el mayor de los éxitos: venenos, sogas, cuchillas, espadas, pistolas... Todo les marcha muy bien (siempre hay quien tiene éxito cuando todo va mal), hasta que tienen un hijo (el tercero) que siempre está sonriendo y feliz, y que, cuando crece, se propone acabar con tanta tristeza imperante a su alrededor.
La primera parte de la historia es divertida, a pesar de su negrura. Engancha sin objeción. Pero hacia la mitad del metraje, los números musicales se antojan más largos, llegan a aburrir, a exasperar, a desesperar. Hay situaciones que empiezan a volverse más y más infantiles, y en el tramo final toda la negrura acaba por tornarse en blancura, en buenos sentimientos. Y la película acaba desinflándose casi por completo.

2.11.12

SEFF'12. SPECIAL SCREENING --- EVERYBODY IN OUR FAMILY

Una historia mínima

rumania, holanda, 2012.
título original: toata lumea din familia noastra. director: radu jude. producción: ada solomon, stienette bosklopper, gabi antal. guion: radu jude, corina sabău. fotografía: andrei butică. montaje: cătălin f. cristuţiu. intérpretes: serban pavlu, sofia nicolaescu, mihaela sîrbu tyndyk.






El cine rumano de los últimos años nos ha dado un grupo de películas imprescindibles. Desde La muerte del señor Lazarescu a 4 meses, 3 semanas, 2 días. Esta película es una más de esa muestra de cine social que tanto les gusta hacer a los rumanos y que tan buenos resultados les suele dar. Aunque, si bien es cierto que es igualmente cruda (a pesar de que no faltaba quien se reía en la sala en los momentos más inoportunos) no lo es menos que es bastante menor que las anteriores.
Un hombre acude a casa de su ex-mujer a recoger a su hija, para marchar de vacaciones a la playa. Pero recibe una negativa por respuesta, motivada por que la pequeña está enferma. Él no lo cree, e intenta llevársela de todos modos. Pero al no conseguir su propósito, estalla en un arrebato violento que va en aumento poco a poco.
Estamos ante una historia mínima, cotidiana, un fragmento de vida. Los personajes transpiran verdad, credibilidad, en todo momento. La ambientación es prácticamente teatral, desarrollándose la historia, al menos en un 95% en un único decorado (la casa de la madre). A veces te coge un pellizco en el estómago, y pasas un mal rato considerable.
La pequeña Sofía Nicolaescu es todo un descubrimiento.
Una cinta recomendable, aunque no llega a las cintas anteriormente mencionadas. No es agradable, pero ocasionará un debate a la salida de la proyección. Lo cual siempre es bueno.

SEFF'12. SECCIÓN OFICIAL --- FIN

El apocalipsis entre amigos

españa, 2012
director: jorge torregrossa. guion: jorge guerricaechevarría, sergio g. sánchez, basada en la novela de david monteagudo. fotografía: josé david montero. música: lucio godoy. montaje: carolina martínez. producción: fernando bovaria, enrique lópez-lavigne, belén atienza, mikel lejarza, mercedes gomero. intérpretes: maribel verdú, daniel grao, clara lago, blanca romero, andrés velencoso, carmen ruiz, antonio garrido.



Resulta curioso y algo contradictorio (aunque también puede ser una broma interna) que la película que inaugura el IX Festival de Cine Europeo de Sevilla sea Fin. La  cinta supone el debut en el largometraje del cortometrajista Jorge Torregrosa, y está basada en la primera y exitosa novela de David Monteagudo.
La película cuenta la historia de un grupo de amigos que, después de muchos años sin verse, se reúne en una casa de campo alejada de todo para pasar un fin de semana y recordar los buenos tiempos. Pero pronto empiezan a aflorar los trapos sucios entre ellos, las rencillas que (precisamente) les llevaron a estar tantos años sin verse. Hasta que de noche, junto a una fogata, algo ilumina el cielo, se oye un terrible estruendo y todo deja de funcionar (móviles, relojes, coches, electricidad...) dejándolos aislados. A la mañana siguiente, cuando salen a buscar ayuda descubren que el mundo que conocían ya no es el mismo. Un nuevo orden va a reordenar el planeta.
La intención es buena, la idea también, pero lamentablemente no funciona. El arranque es flojo, desalentador, pero después coge ritmo y llegas a meterte de lleno en el berenjenal que se monta. Sientes la tensión que se masca en el ambiente (a pesar de que lo que hay entre ellos puede sonar a folletín). El problem es que pronto te sales de la historia. Incluso hay momentos de tensión (mucha, supuestamente) que resultan hilarantes. El ejemplo más claro es cuando los protagonistas (los que quedan en ese momento) son perseguidos por una manada de perros. Sientes la necesidad de carcajearte. A pesar de que los personajes lo están pasando verdaderamente mal. Porque se nota la falsedad. Ni ellos ni los perros corren al máximo. Están paseando, y se nota, y canta. Mucho, además. 
Algunas interpretaciones (o mejor dicho, todas, en algún momento) resultan impostadas, forzadas hasta el extremo y para nada creíbles. Carmen Ruiz nunca ha estado peor (lo siento por ella). 
Incluso hay algunos errores de bulto en la (en teoría) explicación del origen de ese apocalipsis que viven los protagonistas. Si es que hay una explicación posible (que ya os digo yo que no). Una verdadera lástima.

30.10.12

RUBY SPARKS

El amor está escrito
 
estados unidos, 2012
título original: ruby sparks. directores: jonathan dayton y valerie faris. producción: albert berger, ron yerxa. guion: zoe kazan. fotografía: matthew libatique. música: nick urata. montaje: pamela martin. intérpretes: paul dano, zoe kazan, chris messina, annette bening, antonio banderas, toni trucks, aasif mandvi, steve coogan, deborah ann woll, elliott gould, alia shawkat
 
 
 

Hija de guionistas y nieta del cuasi mítico y doblemente oscarizado Elia Kazan, la joven Zoe Kazan debuta como autora del libreto de una película después de un puñado de papeles secundarios y unos pocos protagonistas en películas más o menos conocidas (La vida privada de Pippa Lee, Revolutionary Road, Happythanktoumoreplease, Fracture...). Casi casi lo mismo que recientemente ha hecho Brit Marling, escribir las historias que le gustaría protagonizar e interpretarlas. Así nació Ruby Sparks, una comedia romántica algo diferente (es la pretensión), que ahonda en los temas de los problemas de las relaciones con un controlador, a la vez que recurre a la metaficción, a las historias dentro de historias.
Calvin Weir-Fields tuvo un éxito rotundo con su primera novela siendo aún casi un adolescente. Desde entonces sufre un bloqueo creativo y es incapaz de crear nada. Además, acaba de salir de modo doloroso de una relación y está bastante hundido. Un día sueña con una chica de la que se enamora, y surge la chispa que le hace volver a crear, con una voracidad increible, una buena historia en la que él es el protagonista junto a la chica de sus sueños, a la que le crea una vida, una historia, y a la que llama Ruby Sparks. Hasta que una mañana, Ruby aparece en carne y hueso en su cocina.
El tema del personaje que sale la ficción y se pasea por el mundo real no es nuevo. Ni siquiera el hecho de que el personaje no se percate de que su existencia no es real. Tampoco que el creador, consciente de su poder, controle al personaje cuando las cosas no salen como quiere. Ejemplos de las opciones anteriores los hay (casi) a patadas: Más extraño que la ficción, la holandesa Öber, o la mítica La rosa púrpura del Cairo, una de las obras maestras de Woody Allen. Lo que Zoe Kazan hace aquí es mezclarlo todo con la comedia romántica. Presenta la tesis de una pareja en la que amor y control van de la mano, y lo hace con frescura y cierto tono ácido. También habla del miedo al papel en blanco del creador, de la presión ante el trabajo tras un triunfo en un primer trabajo,
Aunque tiene ciertos momentos de lucidez, algunos toques de comedia ciertamente simpáticos, y otros tantos emotivos, aunque el tratamiento de la historia se aleja de la clásica comedia romántica, a pesar de que los personajes (sobre todo los secundarios) tienen enjundia, lo cierto es que Ruby Sparks termina cayendo en los mismos clichés de los que pretende burlarse. Tras un buen arranque y un apetecible desarrollo, al término cierra con un final arquetípico que ya hemos visto en otras nuchas ocasiones.

24.10.12

SEEKING A FRIEND FOR THE END OF THE WORLD

Una pareja improbable

estados unidos, 2012.
título original: seeking a friend for the end of the world. escrita y dirigida por: lorene scafaria. producción: steve golin, jay gorman, steven m.rales, mark roybal. fotografía: tim orr. música: jonathan sadoff, rob simonsen. montaje: zene baker. intérpretes: steve carell, keira knightley, adam brody, william petersen, rob corddry, derek luke, patton oswalt, gillian jacobs, natalie galt, connie britton, melanie lynskey, martin sheen.




Hay ocasiones en las que uno puede preguntarse, ¿cómo leches es posible que se estrenen en salas determinadas películas que son tan malas que nadie sabe por qué se han hecho, mientras otras, mucho mejores, permanecen guardadas en cajones? Os contaré el motivo. Las productoras venden sus películas a las distribuidoras, y éstas a las exhibidoras, pero no lo hacen individualmente, sino por paquetes. 'Si quieres comprarme esta cinta (que te va a dar un montón de dinero) te costará X y tienes que llevarte además estas otras 3 (o 5, o 10) y comprometerte a que se distribuirán/proyectarán.' Es ahí donde aprovechan para colarnos esas bazofias que son tan comunes en nuestras salas, y que de otro modo nadie sería capaz de vender porque nadie compraría. 
Eso explica que veamos lo que veamos. Lo que no tiene explicación (convincente) es la segunda parte de la pregunta, ¿por qué hay películas, incluso con un reparto conocido y con tirón, que jamás llegan a estrenarse? Ejemplos los hay a patadas. La francesa Siempre quise ser un gangster, o las americana Sound of my voice, Rabbit hole (que incluso contaba con un reparto potente, con Aaron Eckhart y Nicole Kidman, que llegó a estar nominada al Oscar por el papel, que finalmente se llevó Natalie Portman) o esta Seeking a friend for the end of the world, que también tiene una pareja (aunque harto improbable) con tirón en taquilla.
Un meteorito de inmenso tamaño va a caer en la Tierra y va a acabar con todo tipo de vida. La última opción que nos quedaba, una nave que portaba una bomba del tamaño de Manhattan, ha fracasado. Dodge se queda solo después de que su mujer le haya abandonado en semejante situación. Así que decide ir en búsqueda de su primer amor. Para ello contará con la ayuda de Penny, una joven vecina que también acaba de sufrir un deseñgaño amoroso, y que sólo quiere volver a ver a su familia una última vez.
Que nadie espere una cinta con explosiones, edificios que se derrumban, naves espaciales que despegan... aunque el apocalipsis está ahí, sólo es como telón de fondo, como mero marco para hablar de otras cosas. De relaciones, sobre todo. Es una película inteligente, emocional, tierna, emotiva... De esas que te cogen un pellizco en el estómago. Porque son personajes anclados a la realidad, de los que uno puede cruzarse cada día en cualquier calle de cualquier ciudad. En una palabra, una película bonita.

SOUND OF MY VOICE

Otro gran papel de Brit Marling

estados unidos, 2011.
título original: sound of my voice. director: zal batmanglij. producción: hans ritter, brit marling, shelley surpin. guion: brit marling, zal batmanglij. fotografía: rachel morrison. música: rostam batmanglij. montaje: tamara meem. intérpretes: christopher denham, nicole vicius, brit marling, davenia mcfadden, kandice stroh, richard wharton, christy meyers, alvin lamconstance wu, avery pohl.




Cuentan las biografías de Brit Marling que se licenció en Económicas siendo una de las primeras de su promoción, que incluso rechazó una importante oferta de Goldman Sachs (chica lista y con visión de futuro), y que se marchó a Los Ángeles para intentar triunfar como actriz. Cuentan que allí, los papeles que le ofrecían no iban más allá de la típica rubia que aparece en todas las películas de terror, y que eso no le gustaba. Motivo por el cuál se decidió a escribir ella misma las películas y los papeles que verdaderamente le gustaría interpretar. Así nacieron dos historias: Another Earth y esta Sound of my voice.
Peter y Lorna son una pareja que está realizando una investigación sobre las sectas. Tras haber superado varias pruebas y cribas, consiguen ser aceptados en una de ellas, que dirige Maggie, una mujer que dice venir del futuro. Su pretensión es grabar las reuniones y destruir el grupo desde dentro. Pero las suspicacias iniciales empiezan a desmoronarse ante el magnetismo la líder. Ello conlleva que sea la relación de la pareja la que corre serio peligro de romperse.
La cinta está rodada con un presupuesto mínimo, sin alardes. Es una película pequeña, sin grandes pretensiones. Pero el director sabe sacar partido a esa escasez y consigue atraparnos con un buen guion que nos lleva por diferentes derroteros, desde el deseo de que descubran la falsedad de esa vendedora de humo que los tiene a todos engañados a dudar de la posibilidad de que todo sea verdad. 
Cuenta además con unos buenos personajes, en especial una portentosa Brit Marling, que hace un verdadero alarde de entrega a un papel, dándolo todo por su personaje.
Una película que te mantiene atrapado desde el principio, y que con un final ambiguo te deja con ganas de más.