cineando

CABALLO DE BATALLA

2012-02-15T00:26:00.000+01:00

Spielberg es Spielberg

estados unidos, 2011.

título original: war horse. director: steven spielberg. producción: kathleen kennedy, steven spielberg. guion: lee hall, richard curtis, basado en la novela de michael morpurgo. fotografía: janusz kaminski. música: john williams. montaje: michael kahn. intérpretes: jeremy irvine, peter mullan, emily watson, niels arestrup, david thewlis, tom hiddleston, benedict cumberbatch, celine buckens, david kross, matt milne, robert emms.

Apenas unos meses después del estreno de su anterior película, Spielberg nos entrega una nueva muestra de su trabajo. Y Spielberg es Spielberg, quiero decir, que hace lo que le da la gana cuando le viene en gana. Si su anterior cinta (Las aventuras de Tintín) planteaba un nuevo modo de hacer cine, con una animación basada en la captura del movimiento de actores reales, con esta Caballo de batalla vuelve a un cine más clásico, tanto en su concepción como en su puesta en escena y creación. Eso sí, como aquella, esta presenta resultados desiguales.

Creada con la intención de contar una gran historia, de hacer y narrar una gran historia, la película tiene momentos verdaderamente mágicos que son innegables, momentos de gran cine, y en casi todos ellos está presente ese bello y noble animal que es el caballo protagonista de la historia (la fantástica huída furiosa y desbocada a través de las alambradas en tierra de nadie, o esa amistad entre el animal y su homónimo en el frente, o -con alguna salvedad- el fragmento con la niña que los encuentra en el molino), pero también tiene otros en los que el director recurre sin importarle lo más mínimo a la lágrima fácil, a lo extremadamente cursi, llegando a rozar el ridículo.

La historia cuenta la amistad entre un muchacho y su caballo hasta que la guerra los acaba separando al llevarse el ejército al animal para que les sirva de ayuda en el frente. A partir de ahí, vivimos las vicisitudes del equino, sus cambios forzados de bando, sus huidas, sus amos, sus esfuerzos, su visión del horror de la guerra al fin.

Caballo de batalla nos muestra al Spielberg más puro. Recurre a temas y tratamientos que ya ha usado a lo largo de su carrera. La guerra es tan cruenta o más como en Salvar al soldado Ryan, hay escenas de tanta acción como en su reciente Tintín (o, evidentemente, la trilogía de Indiana Jones), y tanta sensiblería como en E.T. El problema es que todo resulta demasiado obvio, y no se le da al espectador la posibilidad de reflexionar, de sacar sus propias conclusiones.

Ninguno de los personajes humanos termina de calar en el espectador, todos tienen algo que acaba repeliendo de algún modo. Incluso hay alguno que resulta tan típico que llega a exasperar del mismo modo que exasperaba aquel ser insoportable que era Jar Jar Binks (el del episodio I de La Guerra de las Galaxias).

Película saturada de sentimentalismo, a veces extremo, con algún que otro momento mágico, creada por la sabiduría de un Spielberg que sabe mejor que nadie cómo va esto del cine, y que sabe cómo mantener al espectador enganchado a una historia (que en el fondo es demasiado) sencilla durante más de dos horas para que, al final, no cuente (en realidad) nada nuevo, y pese a ello no salgamos defraudados de la sala.

KATMANDÚ, UN LUGAR EN EL CIELO

2012-02-15T00:15:00.001+01:00

Verónica en el paraíso

españa, 2011
escrita y dirigida por: icíar bollaín. producción: luis del val, larry levene. fotografía: antonio riestra. música: pascal gaigne. montaje: nacho ruiz capillas. intérpretes: verónica echegui, saumyata bhattarai, norbu tsering gurung

Icíar Bollaín es uno de los exponentes más claros del cine español donde la conciencia social es más clara. Si nos olvidamos de su ópera prima, aquella Hola, ¿estás sola?, el resto de su filmografía está claramente orientada en ese sentido. Podríamos considerarla (salvando ciertas distancias) como la Ken Loach española (y de hecho, ambos tienen en común los guiones de Paul Laverty). Desde el retrato del maltratador y su víctima de Te doy mis ojos, a la guerra del agua en Cochabamba junto a la barbarie de los conquistadores españoles en América de También la lluvia, pasando por las vicisitudes y las dificultades para sobrevivir de los inmigrantes en España de Flores de otro mundo. En esta ocasión, Bollaín se ha basado en las experiencias de la profesora catalana Victoria Subirana en Nepal para mostrarnos las difíciles condiones de vida del país, la imposibilidad de acceder a la educación de ciertos sectores de la población y el abuso y ventas de niñas a burdeles.

Laia es una joven maestra que llega a principios de los noventa a Katmandú como voluntaria en una escuela local. Allí descubrirá la pobreza y el desolador panorama que deja fuera del sistema a los más necesitados. Tras contraer un matrimonio de conveniencia que le permita legalizar su situación, Laia se embarca en el ambicioso proyecto de crear una escuela en un barrio de chabolas de la ciudad.

La cinta está repleta de buenas intenciones, pero no termina de convencer. La historia huele a melodrama barato telenovela, los flash-backs son aburridos y sonrojantes y las secuencias dobladas son verdaderamente lamentables. Únicamente la tripleta de intérpretes, con una fantástica Verónica Echegui a la cabeza, una actriz que en pantalla queda de lo más natural y fresca, y que crece más y más a cada película que hace.

Cierto que la puesta en escena está muy lograda, y que los paisajes son impresionantes, situando a Laia en decorados paradisíacos; cierto que la música tampoco está mal. Pero lo fundamental, la historia, no acompaña. Y el modo en que está contado tampoco. La mayoría de elipsis (alguna demasiado larga) son muy bruscas, demasiado abruptas; algunas situaciones resultan forzadas. Y lo que es peor, el final, con esa mirada y esa media sonrisa de la protagonista, suena mal, suena muy mal, parece un “a rey muerto, rey puesto”. Y eso deja en muy mal lugar al personaje que hasta entonces nos ha llevado hasta allí, al personaje que nos ha enamorado.

J. EDGAR

2012-02-03T20:11:00.000+01:00

Casi una hagiografía

estados unidos, 2011

título original: j. edgar. director: clint eastwood. producción: clint eastwood, brian grazer, ron howard, robert lorenz. guion: dustin lance black. fotografía: tom stern. música: clint eastwood. montaje: joel cox, gary roach. intérpretes: leonardo dicaprio, naomi watts, josh hamilton, judi dench, armie hammer, ed westwick, dermot mulroney, josh lucas, lea thompson, jeffrey donovan, stephen root.

El Clint Eastwood director está muy lejos de las maneras rudas del Clint Eastwood actor más conocido (aunque también tiene papeles más sensibles). Con su última película, esta J. Edgar, lo demuestra una vez más. El veterano director, que en esta ocasión se queda detrás de la cámara, es fiel a su estilo, y a pesar de que el personaje no es precisamente de los que despiertan las simpatías de todo el mundo, se muestra respetuoso con un tema que podría resultar potencialmente escandaloso.

John Edgar Hoover es una de las figuras claves de la historia del siglo XX. Durante casi medio siglo dirigió el FBI, sobreviviendo en su puesto a ocho presidentes del país, y a tres guerras, utilizando métodos despiadados en ocasiones, y aprovechando todo el poder del que disponía para luchar contra amenazas reales o no, saltándose las reglas en muchas ocasiones para lograr sus objetivos. A pesar de que persiguió a muchos, con métodos poco aceptables, su vida privada siempre fue un misterio, y estuvo rodeado de rumores que nunca se pudieron confirmar.

Eastwood ha tomado el camino más difícil. Lo fácil hubiera sido hacer un retrato furibundo de un personaje oscuro, que lo fue, mostrando todas sus 'maldades', pero se decide a darle la voz principal a él, y que sea el propio Hoover el que cuente su historia, cómo llegó desde ser un simple ayudante en una oficina federal, a conseguir crear la mayor y principal sede del poder del planeta, un lugar donde se conocían y guardaban los secretos de los poderosos, que el mismísimo Hoover utilizaba para lograr sus objetivos.

La prepotencia y megalomanía de Hoover queda, a veces, eclipsada por unos hechos que parecen ensalzarlo como un visionario. Sin embargo, es en los momentos de intimidad, donde se nos muestra lo que el personaje no cuenta, donde la película gana interés y donde posee su punto fuerte.

J. Edgar es una cinta con muchas capas, una película extremadamente ambiciosa y compleja, quizás por eso también fallida. A pesar de su poderosa presencia, del interés de lo que se cuenta, de las portentosas interpretaciones de sus protagonistas (Judi Dench, como siempre, además de Naomi Watts y un sorprendente Leonardo DiCaprio, aunque sufre un exceso de maquillaje que en ocasiones perjudica más que beneficia, porque es tan evidente que te saca de la historia), la película termina, en muchos momentos, por agotar, por resultar excesivamente morosa, y la inmensa cantidad de datos que se dan tampoco ayuda.

Pese a todo, uno tiene la sensación de que Eastwood ha hecho la mejor película que se podía hacer sobre el personaje, ya que en otras manos el resultado hubiera sido muy distinto, y (por supuesto) bastante peor.

LOS DESCENDIENTES

2012-02-03T19:56:00.001+01:00

Clooney va tirando

estados unidos, 2011.

título original: the descendants. director: alexander payne. producción: jim burke, alexander payne, jim taylor. guion: alexander payne, nat faxon, jim rash, basado en la novela de kaui hart hemming. fotografía: phedon papamichael. música: dondi bastone. montaje: kevin tent. intérpretes: george clooney, shailene woodley, beau bridges, robert forster, judy greer, matthew lillard, nick krause, amara miller, mary birdsong, rob huebel, patricia hastie

A pesar de que es uno de los intérpretes que más éxito obtienen en taquilla, a pesar de que no sólo hace filmes tópicos y rentables sino que también se embarca en proyectos menos ambiciosos y más serios, y a pesar de que es también un director comprometido, que dirige cintas de hondo calado, a pesar de todo ello digo, todavía hay muchos que no soportan a George Clooney, que creen que está sobrevalorado, y que simplemente es una cara, que no tiene nada que aportar como actor o como director. O mejor dicho, había. Porque casi todos los que así pensaban han tenido que claudicar, y terminar reconociendo que el papel del intérprete en esta fantástica historia que nos ha regalado el también gran director (y también infravalorado) Alexander Payne.

Y es que esta cinta está consiguiendo una casi total unanimidad, y ya lleva casi cuarenta premios, incluyendo dos Globos de Oro, al mejor actor y a la mejor película dramática. Y lo que es mejor es que son merecidos.

Payne mezcla drama con comedia sin que nos suene a algo extraño, consiguiendo que todo sea verosímil, que nos lo creamos. La historia se sitúa en un Hawaii alejado de la imagen de paraíso idílico al que estamos acostumbrados, con una luz melancólica y las piscinas llenas de las hojas muertas del otoño. Y esa melancolía se traslada a los protagonistas, que están sencillamente increíbles.

Matt King es un padre de familia que se ve obligado a cambiar su vida y ocuparse de sus dos hijas, Scottie y Alexandra, con las que hasta entonces no tenía demasiado trato, tras un grave accidente de su mujer que la deja en coma. Todo ello a la vez que se enfrenta a la complicada decisión de vender unos terrenos pertenecientes a su familia y que son el último vestigio de lo que de naturaleza virgen queda en las islas. Mientras intenta encauzar su relación con la rebelde Alexandra, esta le suelta una noticia bomba que hará que Matt empiece a ver con ojos nuevos su vida.

El personaje que interpreta George Clooney, que aunque ha tenido buenos trabajos nunca ha estado mejor que en este, sigue en la senda de los que hasta la fecha han protagonizado las películas de Alexander Payne. Tiene mucho del Paul Giamatti de Entre copas, y del Matthew Broderick de la gran Election. Es un hombre desconcertado que busca su lugar en un mundo enloquecido, con sus altibajos, sus alegrías y sus desgracias.
Clooney está soberbio, creíble. Pero no es el único, el verdadero descubrimiento de la cinta es la joven Shailene Woodley, una actriz que ya ha conseguido una nominación a los Globos de Oro, tendrá una a los Oscar, y dará que hablar en los próximos años.
Es una comedia madura, un estudio del carácter cordial de la gente común, una disección del hombre varado (que viene de atrás, de películas anteriores, ya mencionadas). Ha merecido la espera de siete años para ver lo último de este gran director, este regalo que nos ha hecho Payne, una película sobre la pérdida, la confusión y el ir tirando.

LA CHISPA DE LA VIDA

2012-01-18T17:06:00.001+01:00

Un drama de trazo grueso

españa, 2011

director: álex de la iglesia. producción: franck ribière, verane frediani. guion: randy feldman. fotografía: kiko de la rica. música: joan valent. montaje: pablo blanco. intérpretes: josé mota, salma hayek, blanca portillo, juan juis galiardo, fernando tejero, manuel tallafé, antonio garrido, carolina bang, eduardo casanova, joaquín climent, santiago segura, nacho vigalondo, juanjo puigcorbé, antonio de la torre, nerea camacho.

Lo normal es que Álex de la Iglesia haga películas potentes, tanto en el apartado visual como en el temático. Pero a veces se sale de la norma, de lo habitual. Le ocurrió con Perdita Durango, le ocurrió con Los crímenes de Oxford, y le ocurre, si bien es cierto que en menos medida, con esta La chispa de la vida, una película que despierta más expectativas de las que finalmente acaba cumpliendo. No en vano, aunque se ha metido de lleno en el proyecto y lo está defendiendo con uñas y dientes, este no es un proyecto propio, sino un encargo. Y eso se nota.

La cinta nos cuenta la historia de Roberto Gómez, un creativo publicitario que en el pasado vivió buenos tiempos, gracias a ser el creador del eslogan más famoso de la bebida más famosa, ‘la chispa de la vida’, pero que ahora, tras un par de años en el paro deambula por los despachos buscando trabajo, sufriendo el rechazo y hundiéndose cada vez más en la miseria y en la sensación de derrota. Desesperado, escapa buscando un recuerdo, el hotel de su luna de miel, pero encuentra un museo, en el que se cuela sin ser visto, cuando están a punto de inaugurarlo. Un accidente hace que acabe con una barra de hierro incrustada en la cabeza, y los medios y cámaras que esperaban la fiesta se encuentran con esta nueva noticia.

De la Iglesia pretende hacer una película de denuncia, no sólo de la crisis y de la situación de desempleo que vive tantísima gente, de la desazón y del dolor con el que deben sobrevivir día a día, sino también acerca de la crisis de valores de la sociedad, que espera con ansia y devora el mal ajeno en televisión, y de los medios (algunos más que otros) que acuden a la desgracia como hienas a la carroña. El problema es que llega un momento en que no te lo crees. Hay situaciones que son demasiado suaves, la realidad ya ha demostrado que la cosa es mucho peor; y hay otros momentos que son tan exagerados que resultan ridículos e inverosímiles. Pero lo peor es que de la Iglesia utiliza trazos demasiado gruesos, pinta con brocha gorda y demuestra que se ha olvidado la sutileza en casa, mostrando a los buenos como almas bondadosas, caritativas, y a los malos como seres malignos, malvados, sin ningún sentimiento (el personaje que interpreta Puigcorbé, y la situación en la que lo encontramos en su casa, es sencillamente imposible de creer).

Entre los intérpretes, José Mota sorprende en un papel completamente distinto al que nos tiene acostumbrados. Salma Hayek está un pelín insulsa. Y entre el resto de secundarios, un poco de cal y un poco de arena. Y con contadísimas excepciones, personajes planos, sin evolución.

La sátira con la que empieza y parece que va a explotar, se va diluyendo poco a poco, y la historia termina convertida en un drama convencional, con algunos planos y situaciones ridículas, en una de las cintas más flojas del director bilbaíno.

LA DAMA DE HIERRO

2012-01-12T09:57:00.000+01:00

Streep se luce, de nuevo

reino unido-francia, 2011

título original: the iron lady. directora: phillida lloyd. producción: damian jones. guión: abi morgan. fotografía: elliot davis. música: thomas newman. montaje: justine wright. intérpretes: meryl streep, jim broadbent, alexandra roach, harry lloyd, olivia colman, anthony head, richard e. grant, roger allam, julian wadham, michael pennington, iain glen.

Meryl Streep es, no interpreta, sino que ES, Margaret Thatcher, la primera mujer que dirigió un gobierno en la Europa occidental, en una época como la Guerra Fría, tan difícil políticamente para todos, y que gobernó con mano tan dura, con medidas tan dolorosas y dañinas para muchos de sus conciudadanos (muchos músicos le dedicaron canciones en las que le daban palos sin parar, sobre todo destacando a Morrisey, que le preguntaba sin medias tintas '¿Cuándo te vas a morir?'), que fue conocida como La Dama de Hierro del título, en esta película que no termina de despegar nunca, que no engancha a nadie, y que te mantiene fuera de ella en todo momento. También el trabajo de Jim Broadbent, como el fantasma de su marido fallecido, es destacable en esta cinta en la que poco más es digno de mención.

El guión de Abi Morgan, basado libremente en el libro de memorias escrito por la hija de la dignataria, y por tanto la película que ha dirigida Phillida Lloyd, adolecen de un defecto que salta a la vista y que resulta más que evidente hasta para el que no conozca la historia del personaje. Y es que se han esforzado tanto en no resultar hirientes, en no causar daño en la imagen de una persona como Margaret Thatcher (que en la actualidad es una mujer enferma de más de ochenta años) que han pasado casi de puntillas por los temas más delicados, casi ni mencionan los aspectos más conflictivos de sus mandatos, y prácticamente le rinden una devoción no demasiado oculta. Hay momentos en que parece que el filme va a ser más crítico, pero se escuda en la necesidad que tiene el personaje de ser dura en un mundo de hombres que la descuartizarían políticamente si se muestra más débil.

En el único punto en el que funciona la película es en el tratamiento del aspecto íntimo de la vida de la dirigente, en el trato con sus hijos (tanto en el pasado, cuando estaba en la cima de la política y del poder, como en la actualidad, ya avejentada, viviendo de recuerdos del pasado que se le hacen vívidos). Es como si quisiera humanizar al personaje, hacerlo más accesible y dotarle de una ternura que (evidentemente) no tenía en el aspecto político (muchos fueron los horrores que causaron en sus conciudadanos sus decisiones económicas, y la mayoría de ellas se pueden extrapolar a la actualidad, con un país en recesión y en graves problemas, con un gobierno que decide que hay que ahorrar, no gastar y subir los impuestos). La gran actriz que es Streep conseguirá el Oscar por esta cinta. Será el tercero en su carrera. Pero nada más se llevará este filme, sensiblero y blando con un personaje tan duro. Sin ella la película sería imposible de ver.

DRIVE

2012-01-03T16:19:00.002+01:00

El placer de conducir

estados unidos, 2011.
título original: drive. director: nicolas winding refn. producción: michael litvak, gigi pritzker, adam siegel, john palermo. guion: hossein amini, james sallis. fotografía: newton thomas siegel. música: cliff martinez. montaje: matthew newman. intérpretes: ryan gosling, carey mulligan, bryan cranston, albert brooks, oscar isaac, christina hendricks, ron perlman, kaden leos, james biberi, russ tamblyn, tiara parker.

Hay pocas películas que logran alcanzar una unanimidad tal a la hora de ser evaluadas por la crítica internacional. Y lo que es aún más extraño es que prácticamente todo el mundo coincida en declararla una película de culto. Pero Drive lo es. Desde el mismo momento en que comienza, con una secuencia de inusitada potencia visual, presentándonos a un personaje al que, en realidad, no llegamos a conocer bien nunca, y sobre todo con la apertura musical y esos créditos rosa totalmente ochenteros.

El director danés Nicolas Winding Refn da el salto definitivo a la industria norteamericana con esta película, de ritmo casi hipnótico, y que está atrapando prácticamente a todo aquel que la ve. Aunque gran parte de la culpa de ello la tiene el portentoso papel de Ryan Gosling, una especie de samurai moderno, un vaquero lacónico, un hombre de pasado desconocido aunque (intuimos) turbio. Él es el que lleva todo el peso de una historia que nos lleva en un in crescendo de violencia demoledora, seca y brutal.

El protagonista es un joven de doble vida. De día trabaja en un taller, y ocasionalmente como especialista de cine. De noche, alquila su talento al volante a atracadores y delincuentes varios para ayudarles en su huida. Sus normas son claras: nunca va armado y su trabajo dura sólo cinco minutos, pasado este tiempo, el cliente debe arreglárselas por su cuenta. Una propuesta de su jefe y el encuentro con una vecina y su hijo trastocarán sus planes vitales.

Drive es una película mucho más introspectiva, más intimista e inteligente, artística y reflexiva de lo que pudiera parecer a simple vista (no es una cinta de persecuciones, aunque hay un par de ellas fantásticas, ni una historia de violencia, a pesar de que esta haga acto de presencia en un par de escenas de manera terrorífica e inesperada). Es más parecido a una 'bella y bestia', en la que ella siente la atracción pero no se atreve a dar el paso; y él también, pero trata de evitarla, porque se conoce, sabe el mal que puede despertar, la furia que oculta en su interior y que quiere impedir que salga a la luz (ahí está la fuerza de la secuencia del ascensor, el rostro de él, desbocado, y el de ella, absolutamente aterrado).

La banda sonora (con ritmos muy ochenteros), la puesta en escena, los decorados (las calles nocturnas e iluminadas de Los Ángeles se convierten en un personaje más), los secundarios (sobre todo Albert Brooks), y el modo en que Winding Refn lleva la historia, con sus deliberados cambios de ritmo, su sabia combinación de momentos adrenalínicos con otros mucho más pausados, repletos de silencios y miradas, de calma, de paz, de sosiego (que algunos, sin mucho criterio, están utilizando para decir que la película es aburrida) convierten a Drive en un filme de culto automático.

Además, el Ryan Gosling de Drive pasará desde ya a la historia, además de por su inmenso trabajo, por esa chaqueta dorada con el escorpión, que (junto a la ropa morada de Jesús Quintana en El gran Lebowski, o el mono amarillo de Beatrix Kiddo en Kill Bill), están ya en la lista de vestuarios míticos.

EL TOPO

2011-12-30T11:24:00.001+01:00

Atrapa a un traidor

francia-reino unido-alemania, 2011.

título original: tinker taylor soldier spy. director: tomas alfredson. producción: tim bevan, eric fellner, robyn slovo. guión: bridget o'connor, peter straughan, basado en la novela de john le carré. fotografía: hoyte van hoytema. música: alberto iglesias. montaje: dino jonsäter. intérpretes: gary oldman, colin firth, tom hardy, john hurt, toby jones, mark strong, benedict cumberbatch, david dencik, ciarán hinds, kathy burke, stephen graham, simon mcburney, amanda fairbanks-hynes, svetlana khodchenkova.

Si hay alguien que ha sabido reflejar a la perfección el mundo y la vida del espía (hablamos del espía clásico, no de un moderno Bourne, que pelea, realiza persecuciones en coche a alta velocidad y se ve inmerso en tiroteos día sí día también), ese ha sido John Le Carré. Aunque claro, sabe perfectamente de lo que habla, ya que se dedicó a ello gran parte de su vida.

El topo, para muchos su mejor novela, ya había sido adaptada por la BBC en una miniserie de siete capítulos, con Sir Alec Guiness como protagonista. Pero los tiempos han cambiado desde entonces, y en una Europa que se desmorona, como aquella de la Guerra Fría que Le Carré mostraba en su obra, no resulta innecesaria un nuevo revisionado de la misma, y revisitar cómo el lacónico George Smiley, ese ser inteligente, introvertido, reflexivo y atormentado por las infidelidades de su mujer (por cierto, magnífica la idea de hacer sentir su presencia, su peso en la vida del protagonista, pero no mostrar nunca su rostro) vuelve a investigar en los bajos fondos del espionaje, y a jugar al ajedrez estratégico con su 'rival' soviético, Karla, para cumplir sus objetivos.

El sueco Tomas Alfredson, que ya nos cautivó con la magnífica Déjame entrar, se pone al mando de esta nave, y rodea la escena, al igual que en aquella, de una bruma ambiental que, aunque invisible, se percibe rodeando a los personajes. Nos mete de lleno en un mundo de traiciones, de agentes dobles, donde todo puede ser mentira, en una trama muy compleja llena de dobleces y de recovecos, y de sombras entre las cuales se nos pueden escapar detalles importantes si no estamos atentos. La historia está muy bien contada, y la atmósfera de secretos y engaños entre la élite es realista y emocionante, y lo que es mejor, verosímil, totalmente creíble.

El guión ha sabido captar la esencia de la historia (era extremadamente difícil reducir a dos horas un libro que tenía tal densidad de datos y personajes. El topo es una película fría y calmada, sobre unos personajes fríos y calmados, que bajo esa superficie de paz esconden una vida frenética.

A una dirección magnífica y un guión fantástico se unen unos intérpretes soberbios. El normalmente extralimitado Gary Oldman se muestra aquí muy pausado, sin mover un sólo músculo de su rostro, tal como pedía su personaje, al que uno siente como real. Además, está rodeado de secundarios de lujo, de todo un elenco de actores británicos que siempre son buenos (Colin Firth, John Hurt, Toby Jones...)

Y una banda sonora de calidad extraordinaria, creada por el español Alberto Iglesias, que Alfredson sabe utilizar en los momentos adecuados...

Sólo un pero: la identidad del topo es más que evidente a medida que la historia va avanzando, pero ello no empaña el buen rato que nos hace pasar esta cinta, magnífica muestra del cine de espías de verdad, de los buenos.

THE ARTIST

2011-12-30T11:08:00.000+01:00

La película del año

francia-bélgica, 2011.

título original: the artist. escrita y dirigida por: michel hazanavicius. producción: thomas langmann, emmanuel montamat. fotografía: guillaume schiffman. música: ludovic bource. montaje: anne-sophie bion, michel hazanavicius. intérpretes: jean dujardin, bérénice bejo, john goodman, james cromwell, penelope ann miller, missi pyle, beth grant, ed lauter, bitsie tulloch, malcolm mcdowell.

Que a estas alturas alguien tenga la ocurrencia, el atrevimiento, la osadía, la locura, de realizar una película en blanco y negro es de aplaudir. Pero si además es una película muda, en el más estricto sentido de la palabra, como veíamos las películas mudas antes de que el cine adquiriese el don de la palabra (esto es, acompañada exclusivamente de música, y con intertítulos que explican la situación o nos muestran lo que los personajes dicen) estamos ya ante algo que roza la demencia. El riesgo es grande, enorme, y mucho más que por la propuesta en sí, por los prejuicios que la mayoría tiene ante propuestas que se salgan de la norma del cine espectáculo americano, con historias basadas en multitud de efectos especiales.

Pero no se engañen. The artist es pura magia. Es una película que lo tiene todo: tragedia, amor, comedia, emoción... Una película que nos muestra una profunda historia de amor por el cine mientras nos cuenta otra historia de amor. Nada nuevo en realidad. Pero Hazanavicius consigue que no te importe, incluso que te suene a nuevo.

La historia es sencilla: George Valentin es una estrella del cine de los años veinte. Todas sus películas son éxitos. Él es un galán, seductor, aventurero, que hechiza a todos con su simple mirada y sonrisa. Pero los tiempos cambian, y el sonoro empieza a hacer acto de presencia. Él no cree que tenga futuro, el público está acostumbrado al cine como es y desestima las posibilidades de éxito. Y cuando la realidad se impone, él sucumbe, y cae en el olvido, mientras nuevas estrellas ocupan su lugar.

La cinta, clarísimo homenaje a una época de la historia del cine que muchos ya han olvidado, está cautivando a todos, recogiendo premios allá donde va, y es una de las claras favoritas para los Globos de Oro (tiene seis candidaturas) y los Oscar. Y se merece todos los premios que le den. Es una historia fantástica, te enamoras de ella irremediablemente, y consigue lo que no consiguen muchas: que entres de lleno, que te emociones, que rías, que llores, y que salgas de la sala con una sonrisa de oreja a oreja.

Todo encaja y todo funciona como un reloj en esta fantástica obra. La gran dirección de Hazanavicius, el magnífico guión del mismo director, la estupendísima banda sonora de Ludovic Bource, la soberbia puesta en escena, la increíble fotografía de Guillaume Schiffman, y el talento interpretativo de un grupo de estrellas (John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, Malcolm McDowell o Missi Pyle) comandados por unos espectaculares Bérénice Bejo y Jean Dujardin. Una película recomendabilísima, una de las mejores cintas del año, por no decir directamente la mejor. Dejen los prejuicios en casa, olviden que es una película muda; la verdad, cuando estén inmersos en ella, ni se darán cuenta.

LA CONSPIRACIÓN

2011-12-30T10:58:00.004+01:00

Caza de brujas

estados unidos, 2010.
título original: the conspirator. director: robert redford. producción: brian falk, bill holderman, robert redford, greg shapiro, robert stone. guión: james d. solomon. fotografía: newton thomas sigel. música: mark isham. montaje: craig mccay. intérpretes: james mcavoy, robin wright, kevin kline, evan rachel wood, tom wilkinson, justin long, danny huston, james badge dale, colm meaney, alexis bledel, johnny simmons, toby kebbell.

Con bastante retraso, como en tantas otras ocasiones (es incomprensible, por ejemplo, cómo la cinta por la que una estrella taquillera como Nicole Kidman estuvo nominada al Oscar en este 2011 que ya acaba siga sin fecha de estreno en nuestro país), se estrena la última cinta de Robert Redford como director, una película que parte de un hecho conocido (el asesinato de Abraham Lincoln, el primer magnicidio de un país que estaba saliendo de una guerra civil) para narrar el proceso judicial contra los acusados de conspirar para llevar a cabo el crimen.

Tras la muerte del presidente, la mecánica policial se pone en marcha y el asesino es abatido pronto, y varias personas más son después capturadas y acusadas de conspirar para cometer el crimen. Entre ellas, Mary Surratt, la dueña de una pensión en la que se reunían los detenidos y que también es acusada. La cinta de Redford se centra en el proceso judicial y en las irregularidades de un juicio donde lo que imperaba, por encima del derecho a la justicia de los acusados, era la sed de venganza de un jurado formado por militares del bando vencedor en la guerra que estaba a punto de concluir.

Redford es fiel a su estilo. Sobrio y elegante, como siempre, pero plano y previsible, con momentos en los que no es nada difícil aburrirse. Más que como película histórica (a pesar de que el hecho sea poco conocido, más allá del asesinato en sí, ¿cuántos sabían lo que ocurrió en el juicio que le siguió y que aquí se cuenta?), incluso más que como película de abogados y juicios, La conspiración funciona como película política, como muestra de los entresijos y de aquella caza de brujas, de aquella búsqueda de unos culpables para calmar los ánimos de una población desgarrada y desesperada por curar heridas, temerosa de que la paz se volviera a romper. Y sobre todo funciona como traslación a la actualidad de los últimos años: el asesinato del presidente es el golpe a la nación del 11-S; el Secretario de Guerra Stanton es Dick Cheney defendiendo la razón de Estado por encima de la Constitución; y en ambas la idea de venganza está por encima del respeto de los derechos civiles de los que fueron acusados (en muchas ocasiones con pruebas circunstanciales y nada firmes).

En ocasiones es previsible, en otras la realización es plana, convencional, pero uno no puede evitar sentirse atrapado por la historia. Por el hecho de que (más allá de ideologías) La conspiración sea un alegato contra la injusticia, contra la caza de brujas y a favor de los derechos civiles. Y, sobre todo, porque cuenta con un elenco en estado de gracia, en el que destacan unos convincentes Colm Meaney, Kevin Kline, Tom Wilkinson y la siempre magnética RobinWright.

Una historia interesante, digna, aunque (ciertamente) podría haber dado más de sí.

RESTLESS

2011-12-30T10:45:00.001+01:00

Amores y fantasmas

estados unidos, 2011.
título original: restless. director: gus van sant. producción: brian grazer, bryce dallas howard, ron howard. guión: jason lew. fotografía: harris savides. música: danny elfman. montaje: elliot graham. intérpretes: henry hooper, mia wasikowska, ryo kase, schuyler fisk, lusia strus, jane adams, paul parson, chin han.

Gus Van Sant cierra su Trilogía de la Muerte con esta Restless. Y, contra las dos anteriores, Elephant y Last days, esta es la menos oscura, la más limpia, casi ingenua, y (aunque ciertamente, la muerte es tema fundamental en la historia, y marca el devenir de sus protagonistas) casi se podría decir que lo fundamental aquí es el primer amor. Y es que a Restless le falta poco para convertirse en una ñoña historia romántica.

Enoch es un adolescente obsesionado con la muerte desde que perdió a sus padres en un accidente de coche. Tiene por amigo al fantasma de un piloto kamikaze japonés que murió al principio de la Segunda Guerra Mundial. Le gusta colarse en los funerales de desconocidos. En uno de ellos conoce a Annabel, una chica con un cáncer terminal, y comienzan una relación que saben que tiene los días contados.

La última cinta de Van Sant se ve con facilidad, es una tierna (demasiado, a veces) historia de amor, del primer amor, que por momentos es tan dulce que empalaga, y las complicaciones que concurren en dicha relación no hacen más que acercarla a los melodramas televisivos que tanto daño hacen a tanta gente. Aunque, también es cierto, tiene momentos mágicos, incluso algunas notas divertidas (ese fantasma japonés que es el mejor amigo del protagonista y que tan poco gusta a muchos es uno de las mejores bazas de la historia).

Eso sí, es más hermosa que profunda. El argumento no interioriza demasiado, y se recrea en los momentos de la joven pareja juntos, las miradas, las sonrisas, etc, etc. Demasiado romance, y todo pintado de tonos demasiado cálidos cuando la protagonista está realmente enferma (no se percibe tal enfermedad casi en ningún instante, ni siquiera en los inevitables momentos finales).

Cierto que Van Sant es un director que ya ha demostrado que sabe hacer su trabajo a la perfección, que sabe componer planos de gran belleza y que sabe moverse por la problemática existencia juvenil como si él mismo fuese un jovencito, pero la historia no termina de convencer porque no está bien escrita, y porque, como ya he mencionado, recuerda más,en demasiados momentos, a un telefilme barato de esos de los que llenan pañuelos y pañuelos de lágrimas, a pesar de que también se nota su intento por evitar el sentimentalismo.

Mia Wasikowska (que esta semana ha estrenado, además de esta Restless, la nueva y más gótica versión de Jane Eyre) destaca en un reparto en el que simplemente se mantiene el nivel justo para no parecer malo.

Una película que cierra una etapa en la trayectoria de Van Sant, y que no llega al nivel de sus grands obras, que entraría en ese grupo que se agrupan con ese nombre tan extraño de 'obras menores', y que, casi con total seguridad, pasará desapercibido cuando llegue el momento de recordar su filmografía.

UN DIOS SALVAJE

2011-12-30T10:26:00.003+01:00

Apariencias y realidad

francia-alemania-polonia-españa, 2011.

título original: carnage. director: roman polanski. producción: saïd ben saïd. guión: yasmina reza y roman polanski, basado en la obra teatral homónima de yasmina reza. fotografía: pawel edelman. música: alexandre desplat. montaje: hervé de luze. intérpretes: jodie foster, kate winslet, christoph waltz, john c. reilly.

Que ese ser de pequeño tamaño y aspecto extraño que es Roman Polanski es todo un maestro del cine es algo que pocos deberían dudar, aunque en ocasiones se preste más atención a los aspectos privados (y ciertamente oscuros) de su pasado. Pero aquí hablamos de cine, y no de los gustos y perversiones de cada uno (si así fuera, con seguridad muchas de las estrellas de hoy no serían tan apreciadas), y Un dios salvaje es una cinta fabulosa, cine del bueno, del que se disfruta de principio a fin.

Basada en la obra teatral homónima de Yasmina Reza, la última creación de Polanski encierra en un piso de Nueva York a dos matrimonios que intentan arreglar la situación después de que el hijo de unos haya agredido al de los otros. Lo que en un principio son buenas formas, modales, educación, poco a poco va degenerando en insultos, en malos modos, en enfrentamientos brutales, sin llegar en ningún momento (eso sí) a las manos.

La película muestra a la maravilla lo que pretende, que todos somos de una forma, pero que lo ocultamos con infinidad de capas. Aquí, las máscaras caen, y las apariencias dejan paso a las realidades en cuanto unas copas de alcohol liberan de los corsés de falsa educación y respeto que se sienten unos por otros. Aparecen las miserias, la frustración, las acusaciones, la violencia soterrada, la lucha de clases, hasta llegar a una catártica resolución... en un enfrentamiento que no tiene fin, ya que (como si fuera El ángel exterminador, de Buñuel) los visitantes se despiden una y otra vez, pero la separación no se produce, y la reunión sigue y sigue y sigue...

Polanski muestra una mala leche, una comicidad y una inteligencia sin límites. Son numerosos los momentos en los que remata una frase con algo que nos hace sonreír, es una cinta furiosa, pero divertida a la vez, una de las más cómicas (si no la más) de las que jamás haya dirigido el director polaco.

Un guión soberbio, que supera con creces la obra de teatro de la que procede (según dicen los que han visto sobre las tablas la obra de Reza), una muestra del enorme talento y sobrehumano genio de Polanski para el cine, con planos medidos al milímetro, incluso con la decoración de la casa y ese juego de espejos que mantiene el enfrentamiento de los personajes en todo momento.

Y, por supuesto, un póquer de intérpretes que roza la perfección. Todos ellos son destacables, todos están magníficos, desde Jodie Foster y Kate Winslet, dos estrellas de la pantalla con un don, a Christoph Waltz y John C. Reilly, dos de los mejores actores de reparto de la actualidad. Todos ellos están fantásticos y ayudan a que la película alcance los niveles que alcanza.

SEFF 2011 - SECCIÓN OFICIAL

2011-12-26T06:14:00.000+01:00

Comenzó, el viernes pasado, una nueva edición del SEFF, la octava. Una edición algo más corta (un día menos), pero con más películas en la Sección Oficial a concurso. Algo que a priori podría resultar problemático en cuanto a horarios, y que (efectivamente) así resultó. Una edición con menos presupuesto (bastante menos) de un certamen que lucha por mantenerse, ya que pese al éxito de público, no las tiene todas consigo para que continúe su existencia. Crisis, maldita crisis.

Para que no nos extendamos demasiado, hablemos sólo de la sección oficial. La primera cinta en participar a concurso fue la española Los muertos no se tocan, nene. Era una película esperada por muchos. Homenaje al gran Rafael Azcona (está basada en su obra homónima), la cinta se pretendía que continuase con la 'saga' iniciada por El pisito y El cochecito, años ha, y se nota bastante que pretende acercarse al universo de Ferreri, incluso de Berlanga, pero no lo logra. Es una cinta con demasiados personajes, algunos intérpretes no llegan al nivel mínimo exigible. Y cuando tiene que recurrir al chiste escatológico para hacer reír, mal vamos.

El molino del tiempo, del polaco Lech Majewski utiliza la monumental obra de Pieter Brueghel el Viejo El camino del Calvario para narrar el proceso de su creación y la historia de los muchos (muchísimos) personajes que aparecen en el cuadro. Visualmente es fantástica, de hecho se basa en su poderío visual, y hasta pasada la media hora de metraje no se pronuncian las primeras palabras. Es un prodigio técnico, y una maravilla el modo en que se construye la historia; preciosista, una película que se gusta a sí misma y se regodea en ella, pero que puede abrumar, puede agotar y cansar al espectador medio.

La hija del director Costa Gavras, Julie, dirige a William Hurt y a Isabella Rosellini en una comedia agridulce, Tres veces 20 años. Los intérpretes son una pareja que se ve obligada a enfrentarse al inevitable paso del tiempo, y al peso que ello conlleva. La cinta tiene humor, ciertas dosis de amargura, y diálogos inteligentes (a ratos). Se ve con facilidad, y se agradece, pero quizás sea demasiado comercial para la sección oficial de un festival.

Las olas es la segunda cinta española del concurso. Película que podía haber sido interesante, por su temática, pero que en manos de Alberto Marais se convierte en una cinta difícil de digerir, repleta de tiempos muertos, con un tempo lentísimo (a veces inexistente), y con numerosos huecos que agotan al espectador. Carlos Álvarez está fantástico y es el que mantiene el tirón de la cinta, pero él sólo no se basta para lograr que la película se mantenga a flote antes de hundirse del todo.

Del mismo modo, Heart´s boomerang, la primera de las cintas rusas del concurso, en un año en el que la homenajeada es la cinematografía de ese país, es una película extremadamente morosa, incluso más que la anterior, con continuos planos estáticos alargados hasta el extremo en los que ni pasa nada ni ayudan a explicar ni al desarrollo de una trama ya de por sí bastante exigua. Más de esto no, por favor.

Si no nosotros, ¿quién? es una interesante cinta alemana sobre el germen de la Fracción del Ejército Rojo, el origen de sus fundadores, y un paseo político y social por la Alemania, la Europa y el resto del planeta de aquellos años sesenta. Basada en hechos reales, en ocasiones puede resultar un terreno arduo, bastante denso por todo lo que se trata, todos los personajes reales a los que se alude y lo extenso de su metraje, pero es ciertamente interesante.

De Code blue esperábamos bastante, en especial por quién está detrás de ella, Urszula Antoniak, la directora de Nothing personal, la que fue la mejor película del concurso hace dos años. Y la película es sorprendente. Es mucho más oscura en su temática, puede repeler a más de uno y a más de una, en especial por su secuencia final, aunque las atmósferas y los personajes recuerdan a la mencionada, aquí se va más allá, bastante más.

Dos cintas, que además se proyectaron el mismo día, comparten temática y paisajes. Concretamente los del continente africano. Blue bird nos cuenta la historia de dos pequeños hermanos, chico y chica, de una pequeña aldea de la África más pobre, y un día de su vida mientras buscan el pájaro del título que un amigo les prestó y que se ha escapado. Podría parecer que es un retrato de la sociedad, costumbres y creencias, pero no, sólo leves trazos, muy sutiles, que no van a ningún lado. A veces aparecen toques del fantástico, pero es una historia intrascendente, que ni aporta ni convence. Pero claro, es superior a Kënu, cinta que (por desgracia) es española y que presenta todos los clichés y tópicos imaginables sobre el continente africano, con una Leticia Dolera en muy baja forma, como una joven voluntaria que va a un poblado perdido para ayudar, y (como era de esperar) no tiene facilidades y se encuentra con mil y un problemas (y por supuesto, con el amor). La película aburre y cabrea a partes iguales.

La danesa Siempre feliz, que se acabaría alzando con el premio gordo del concurso, mezcla la comedia y el drama en una historia sobre las relaciones de parejas (momentos muy divertidos se entremezclan con otros algo más dolorosos). Bien rodada, mejor interpretada, es una película que no disgusta a nadie, que se disfruta de principio a fin, pero a la que (quizás) el primer premio que recibió le quede algo grande.

Mercado de futuros, la cuarta cinta española de la sección oficial, es un documental (no comprenderé nunca cómo, existiendo una sección especialmente dedicada a ellos, haya uno en el concurso) sobre la crisis, acudiendo a una feria inmobiliaria, a un rastro, o a una oficina donde se compran y venden valores. Tiene un personaje (un anciano que vende de todo en un mercadillo) que, por sí solo, merecería otra película. Muy dispersa, se pierde en numerosas ocasiones y a veces no se sabe a dónde va. Aunque a muchos les encantó.

Holidays by the sea es una cinta divertida que sirve de homenaje a Jacques Tati. Un reparto que reúne diversas caras conocidas del cine europeo (Dominique Pinon, Maria de Medeiros...), y que evita a toda costa los diálogos (como hacía Tati). Tiene situaciones carcajeantes y gags geniales, y otros más tópicos y vistos. Pero también tiene un problema fundamental e importantísimo: que no es Tati. Hubo a quien gustó y a quien directamente repelió.

La inglesa Shame era la cinta más esperada (había causado sensación en varios festivales, entre ellos San Sebastián), y no defraudó. Película fantástica y demoledora, sobre las adicciones y su peligro. Recibió los premios al mejor director (Steve McQueen) y al mejor actor (Michael Fassbender, ex-aequo con August Diehl, de Si no nosotros, ¿quién?). Fue una de las pocas cintas verdaderamente buenas de la sección oficial.

La cinta rusa Elena fue de lo mejor que se vio en el concurso. La película es un drama familiar muy bien rodado e interpretado; cuesta entrar en el juego, pero una vez dentro es una historia fantástica. Cuenta la historia de un matrimonio ya mayor casado en segundas nupcias, y ambos con hijos de sus parejas pasadas, él con bastante dinero, ella de clase baja y la lucha de ella (la Elena del título) por hacer lo imposible porque ayudar a su hijo frente a la hija de él. Podía haber recibido más premios, e incluso habría sido justo, pero se quedó únicamente con el de mejor actriz para una sobria Nadezhda Markina (que también fue compartido, en esta ocasión con Bien de Moor, por Code blue).

Alps es una película marciana. Dirigida por Yorgos Lanthimos, el mismo de Canino (que también repite con la actriz Aggeliki Papoulia). La cinta sigue la senda de las historias transgresoras, que se salen de la norma (en este caso, un grupo de personas que se dedican a alquilarse para hacerse pasar por personas que han muerto ante sus familiares y amigos), que ya inició con la anterior. Pero no llega al nivel de aquella, aunque es bastante interesante y (en ocasiones) se pasa, y mucho, de rosca.

Por último, Love in the medina, es un culebrón marroquí, sobre un pareja que intenta mantener una relación a pesar de la oposición de sus familias, y de la sociedad, en un estado que no permite el adulterio. Aburrida. Y mucho. Lo único en lo que destaca es en el atrevimiento de mostrar sexo y desnudos viniendo de donce viene (es otra más de esas cintas no europeas, pero que cuentan con una mínima participación de algún país que la hace pasar como tal).

Para acabar con el palmarés, a parte de los ya mencionados en los apartados de dirección e interpretación, y el premio gordo, hay que mencionar el Giraldillo de Plata para Si no nosotros, ¿quién?, y la mención especial del jurado a El molino del tiempo. Un palmarés que no escandaliza a nadie, pero que tampoco cumple con lo que se esperaba. Como todos los años, vamos.

LAS AVENTURAS DE TINTIN: EL SECRETO DEL UNICORNIO

2011-12-25T19:39:00.001+01:00

Y el héroe se hizo carne... animada
estados unidos-nueva zelanda, 2011.
título original: the adventures of tintin. director: steven spielberg. producción: peter jackson, kathleen kennedy, s. spielberg. guión: steven moffat, edgar wright, joe cornish, basado en los comics de hergé. fotografía: janusz kaminski. música: john williams. montaje: michael kahn. intérpretes: jamie bell, daniel craig, andy serkis, simon pegg, nick frost, toby jones, sebastian roché, mackenzie crook, tony curran, daniel mays, gad elmaleh, kim stengel, sonje fortag, joe starr.

Steven Spielberg siempre ha sido un genio del cine, un director que ha sabido contentar al público con sus películas, darle al espectador lo que éste quiere, y ello le ha servido para ser uno de los más taquilleros de la historia. Y por ello, desde hace un tiempo hace lo que le da la gana, como le da la gana y cuando le da la gana, sin tener en cuenta modas, ni considerar lo que el público solicita en ese momento. Su última película es esta Las aventuras de Tintín, producida por otro director que también rompe las taquillas en los últimos años, Peter Jackson; la idea es que en un par de años nos llegue la segunda entrega, donde los papeles de Spielberg y Jackson se intercambien.

La película utiliza y adapta tres de los cómics de Hergé, de los primeros de la serie que creó el autor belga con las aventuras del joven reportero, en las que conoce al que sería posteriormente su compañero de andanzas, el capitán Haddock. A partir de ahí, los responsables han utilizado las más avanzadas tecnicas de captura de movimiento de los actores para transformarlos después en seres animados. El resultado visual es, como era de prever, magnífico, impactante, y el espectador disfruta durante la proyección. Era lo esperado, y, como ya decía, Spielberg y Jackson saben hacer el trabajo a la perfección. El problema es que después no deja huella.

Tintín es un joven y curioso periodista de investigación. En un mercadillo queda prendado de una maqueta del barco Unicornio, del que descubre que hay mucha gente interesada en conseguir. Entre ellos Ivan Ivanovitch Sakharine, un villano que está convencido de que Tintín ha robado un tesoro vinculado a Francis Hadoque y al pirata Rackam el Rojo. Junto a su perro Milú iniciará una búsqueda por medio mundo siguiendo las pistas para encontrar dónde reposan los restos del Unicornio original, y su valioso tesoro.

La película se inicia con una secuencia de créditos que recuerda horrores a la de Atrápame si puedes, también de Spielberg, y las aventuras del reportero nos hacen pensar en muchos momentos en las de Indiana Jones (algo que le dijeron más de una vez al director cuando estrenó las cintas del famoso arqueólogo), y no son los únicos guiños a su cine (el tupé de Tintín sobre el agua, cual aleta de Tiburón, por ejemplo). Tiene un par de secuencias impactantes, fantásticas, que demuestran el talento del director detrás de la cámara (la primera en el mercadillo y la memorable persecución en sidecar por las empinadas calles de Baggharg), pero en su conjunto es una película que no deja una huella profunda.

Se disfruta mientras se está viendo, a pesar de una insistente banda sonora que apenas guarda silencio durante todo el metraje, llegando a momentos en los que verdaderamente molesta, pero no deja huella.

OTRA TIERRA

2011-12-25T19:19:00.002+01:00

La culpa y la redención
estados unidos, 2011.
título original: another earth. director: mike cahill. producción: mike cahill, hunter gray, brit marling, nicholas shumaker. guión: mike cahill y brit marling. fotografïa: mike cahill. música: fall on your sword. montaje: mike cahill. intérpretes: william mapother, brit marling, matthew-lee erlbach, meggan lennon, jordan baker, flint beverage, robin taylor, rupert reid, kumar pallana, ana kayne, diane ciesla.

Tras ganar un par de premios en uno de los más prestigiosos (sino el que más) festivales de cine independiente del mundo, el de Sundance, llega esta película, interesante, emotiva, y que sorprende por su inmensa calidad, sobre todo cuando la premisa de la que parte es una sencilla historia de ciencia ficción, o incluso una historia romántica de las que ya hemos visto miles.

Pero sobre todo, Otra Tierra sirve para dar a conocer dos nombres que seguramente darán que hablar en el futuro, el de Mike Cahill (director, guionista, productor, director de fotografía y montador) y el de Brit Marling (guionista, productora y protagonista principal) con una presencia en la pantalla que aporta aire fresco y una mirada que ilumina cada plano en el que aparece.

Rhoda es una joven brillante que sueña con convertirse en astrofísica. La noche que aparece un extraño planeta en el cielo, un planeta que parece ser una copia exacta del nuestro, Rhoda tiene un accidente de coche y mueren dos personas. Años después, al salir de prisión, sigue perdida. Su vida ha cambiado para siempre. Quiere pedir perdón al hombre cuya vida rompió tiempo atrás, pero no se atreve y le miente. Poco después, surge su última esperanza: viajar al planeta (bautizado como Tierra 2), y comenzar allí una nueva vida, lejos de su pasado, de sus errores.

La película toma la parte de ciencia ficción como premisa para contar más cosas, pero no la abandona en ningún momento. A partir de ese arranque, Otra Tierra va por otros derroteros, y se convierte en un filme sobre el peso de la culpa, la búsqueda del perdón y de la redención, sin dejar nunca de lado (como hemos dicho) la existencia de ese otro planeta, espejo, copia o reflejo del nuestro, (¿será una copia del nuestro, o será nuestro original?). Otra Tierra tiene momentos mágicos, brillantes, y que sencillamente ponen la piel de gallina: el primer contacto por radio con el planeta, la historia del cosmonauta ruso, el desenlace de ese personaje secundario que es Purdeep,... Pero no son los únicos y ya desde el comienzo, con la danza de Júpiter, uno puede quedar hipnotizado por esta cinta, que nos descubre además a una Brit Marling, que apenas habíamos visto hasta la fecha, y que soporta el peso de toda la cinta, una actriz que llena la pantalla y que irradia luz hasta en sus momentos más bajos.

MELANCOLÍA

2011-10-25T18:41:00.005+02:00

La tristeza que acaba con todo

dinamarca-suecia-francia-alemania, 2011.
título original: melancholia. escrita y dirigida: lars von trier. producción: meta louise foldager, louise vesth. fotografía: manuel alberto claro. montaje: molly marlene stensgaard, morten hoejbjerg. intérpretes: kirsten dunst, charlotte gainsbourg, kiefer sutherland, charlotte rampling, john hurt, alexander skarsgaard, stellan skarsgaard, brady corbet, udo kier, cameron spurr.

Hay directores polémicos más allá de su trabajo cinematográfico. Directores que cada vez que abren la boca para expresar alguna opinión personal, más allá de sus películas, levantan escándalos. Y Lars Von Trier es uno de ellos, quizás el que más. Cierto que también hay gente que se escandaliza con cualquier cosa, y que le presta demasiada atención a asuntos a los que habría que considerar con la importancia justa. Pero las declaraciones del director danés muchas veces (aunque no debería ser así) no hacen más que enturbiar su trabajo fílmico.

Su último trabajo, después de aquel Anticristo que tuvo tantos detractores (o quizás más) como defensores es esta esperada Melancolía, en la que vuelve a contar con Charlotte Gainsbourg, aunque en esta ocasión (casi) todo el peso de la cinta recae en una fantástica (nunca creí que diría esto) Kirsten Dunst, su protagonista absoluta e indiscutible .

Justine acaba de casarse con Michael, y celebran la boda en una enorme mansión con campo de golf propio, propiedad de John, marido de su hermana Claire. Mientras, un enorme planeta errante aparece en el cielo. Aunque su trayectoria parece indicar que se estrellará contra la Tierra, los científicos afirman que pasará de largo. Sin embargo, lo que debería ser una celebración llena de alegría no lo es para Justine, a la que una profunda tristeza la abate, arrastrando con ella a todos los miembros de su familia.

Melancolía comienza ya de modo brutal, con unas imágenes poéticas, bellísimas, y Von Trier consigue que ya desde ese mismo momento caigas rendido ante su película. Después, la larga secuencia de la boda te atrapa, consigue que estemos en tensión ante los sucesos, los conflictos a los que asistimos, y que no podamos despegarnos de la silla hasta el final.

La cinta está llena de momentos dolorosamente divertidos, incluso solo dolorosos, pero Von Trier en ningún momento demuestra que no se preocupe por sus personajes. El danés es un provocador nato, y lo ha demostrado en numerosas ocasiones, pero aquí estamos ante una cinta bella, quizás la más bella y dulce representación de la aniquilación de la humanidad que hayamos visto en una pantalla. Porque Melancolía es eso, una historia sobre el apocalipsis. Aunque reducirla a esa sencilla frase sería demasiado simplista.

Habrá quien eche en falta una explicación acerca del origen de la tristeza de la protagonista (fantástica Kirsten Dunst, que recibió el premio a la mejor actriz en el pasado Festival de Cannes), ya se han dejado oír voces al respecto, pero la depresión, la melancolía, muchas veces no tiene un origen claro, un motivo que la sustente, simplemente está ahí, aparece.

La Melancolía de Von Trier es una experiencia poderosa que hay que disfrutar, cine en estado puro, de mano de uno de los creadores más imaginativos y polémicos del panorama actual. Más allá de una historia sobre la desaparición del mundo, esta no es más que una metáfora, y la cinta sería más bien una indagación, una meditación sobre el poder de la depresión como enfermedad en la sociedad actual.

CONTAGIO

2011-10-25T18:11:00.001+02:00

Vuelve el mejor Soderbergh

estados unidos, 2011.
título original: contagion. dirección: steven soderbergh. producción: gregory jacobs, michael shamberg, stacey sher. guión: scott z. burns. fotografía: steven soderbergh. música: cliff martinez. montaje: stephen mirrione. intérpretes: marion cotillard, matt damon, laurece fishburne, jude law, gwyneth paltrow, kate winslet, enrico colantoni, bryan cranston, griffin kane, jennifer ehle, sanaa lathan, demetri martin, elliott gould, chi han, john hawkes, amr waked, daria strokous, dr sanjay gupta, chui-tien-you, josephine ho chui-yi.

Cuando todavía tiene pendiente de estreno Haywire y The last time I saw Michael Gregg (y no estoy del todo seguro de que The girlfriend experience (la primera película de cine convencional que protagonizaba la estrella del porno Sasha Grey, se estrenara comercialmente en nuestras salas), llega a las pantallas esta Contagio, una de las tres películas que Steven Soderbergh ha dirigido en este 2011.

Estamos ante el mejor Soderbergh, el mismo que dirigió Traffic, el mismo que estuvo al mando de Erin Brockovich, de Sexo, mentiras y cintas de vídeo, y de otras tantas cintas, infravaloradas unas (Un romance peligroso), desconocidas otras (Full frontal) que este prolífico cineasta nos ha regalado con el paso de los años, aunque también haya tenido algún que otro tropiezo, evidentemente.

Soderbergh cuenta con un reparto de lujo, encabezado por un grupo de caras conocidas (Jude Law, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, Kate Winslet, Matt Damon y Gwyneth Paltrow) y se permite el lujo (como hacía Hitchcock en Psicosis) de 'matar' a dos de ellos a las primeras de cambio. Éstos están secundados por unos secundarios que no le van a la zaga en cuanto a sus interpretaciones.

Pero es que, además, el guión es brillante, consigue pegarnos al sillón desde el primer momento y nos mantiene hundidos en él una vez que concluye, incapaces de levantarnos. Además la comunidad científica ha aplaudido la cinta por su realismo y su verismo, declarando que lo que se muestra en ella podría ocurrir en la realidad, aunque hay pocas posibilidades de ello. No obstante lo cual, sólo pensarlo es terrorífico.

Una mujer de negocios americana regresa a casa tras una breve estancia en Hong Kong por motivos de trabajo. Está enferma, constipada. Un par de días después sufre unas convulsiones y es trasladada al hospital, donde muere a las pocas horas. Mientras, en el país asiático, varias personas han fallecido con los mismos síntomas.

Las autoridades pronto comienzan a investigar el origen de esta enfermedad desconocida, intentando descifrar cómo y cuándo comenzó todo, y tratando de encontrar una cura, sin decir más de lo necesario para no desatar el pánico en la población, mientras la cifra de fallecidos va aumentando inexorablemente.

Es un mundo cuasiapocalíptico, que provoca el miedo en las masas, lo que lleva a los ataques, a los saqueos, al pánico. Pero aunque sabes que estás viendo una película, te lo crees, resulta real, aterrador.

Fantástica película, donde todo funciona a la perfección, y que nos devuelve al mejor Steven Soderbergh, a la espera de que nos llegue Haywire, cinta de acción, que también reúne un plantel de lujo y que, igualmente, se prevé que sea otra joya de este gran director.

LARRY CROWNE, NUNCA ES TARDE

2011-10-10T00:15:00.008+02:00

Oportunidad perdida

estados unidos, 2011.
título original: larry crowne. director: tom hanks. producción: gary goetzman, tom hanks. guión: tom hanks, nia vardalos. fotografía: philippe rousselot. música: james newton howard. montaje: alan cody. intérpretes: tom hanks, julia roberts, bryan cranston, cedric the entertainer, taraji p. henson, gugu mbatha-raw, wilmer valderrama, pam grier, rita wilson, george takei, ian gomez, holmes osborne, grace gummers, maria canals-barrera, rami malek.

Tom Hanks ha perdido una ocasión de oro para hacer una película de esas que calasen, que dejasen huella, y que perduraran en el tiempo por los siglos de los siglos. Y es que, que en estos tiempos de crisis, de paro, se embarque en una película protagonizada por un hombre entrado en la cincuentena al que, de pronto e inesperadamente, despiden de su trabajo después de años de entrega, dejándole sin dinero, sin casa, y en vez de hacer un duro drama social (¿recuerdan Los lunes al sol?), o al menos tomárselo en serio, se dedique a realizar una insulsa y llena de tópicos comedieta romántica...

Pues sí, una comedia. Romántica, para más señas. Y con Julia Roberts. Todo gira en torno a ellos. Hay más personajes, pero sin apenas vida propia. Todos ellos están entorno a la pareja protagonista, los vemos y los conocemos cuando uno de ellos está por medio y lo que hacen tiene que ver con ellos.

Larry es un cincuentón que vive feliz y tranquilo hasta que un día, inesperadamente, le despiden y se ve en la calle, sin dinero con el que mantenerse y con el que pagar la casa en la que vive. Pero no se deprime, sino que se decide a matricularse en la Universidad, donde conoce a una profesora aburrida de su trabajo y de su vida y se enamora de ella.

Poco o nada más. Una chica, compañera de estudios en una clase, y a la que conoce nada más llegar el primer día, parece que le coge cariño y se lo lleva para su pandilla, que también (todos) parecen congeniar con él enseguida (a pesar de que son de generaciones completamente distintas y no tienen nada que ver). ¿Por qué? No se sabe, no se explica. Los compañeros de la clase que imparte Julia Roberts son de los más planos que se recuerdan, aparte de tener una simpleza que estremece, algo que es común a todos y cada uno de los caracteres. Del primero al último, son personajes lineales, sin evolución, simplísimos (el de la 'novia de América' quizás cambia algo, pero no se explica el motivo, que le lleva a ello...)

El guión está repleto de tópicos y clichés del género. No hay novedad alguna y se sabe cómo va a terminar incluso antes de que empiece. Y lo que es peor, se sabe todo lo que va a pasar en el camino. Larry Crowne es una película fácil, que no se arriesga, que no se atreve a dar el paso (en cualquier dirección, hubiera valido cualquier cosa, pero no esa apatía, ese ir a lo fácil) y criticar la economía actual, o alabarla (y castigar al protagonista por no haberse preparado para este día), pero no hace nada de eso. Utiliza el despido de una persona que no tiene apenas posibilidades de recuperarse como una simple excusa para contar una historia de amor absurda (que no todas lo son) que no tiene ni pies de cabeza, en una cinta que está llena de incongruencias, de huecos y de cosas sin explicar.

La segunda película como director de Tom Hanks es demasiado suave, repleta de buenas intenciones, pero alejada de la realidad. Definitivamente, esperábamos más de ella.

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS

2011-09-27T00:02:00.000+02:00

Cine negro en estado puro

españa, 2011.
director: enrique urbizu. producción: gonzalo salazar-simpson, ignacio salazar-simpson, álvaro augustín. guión: enrique urbizu, michel gaztambide. fotografía: unax mendía. música: mario de benito. montaje: pablo blanco. intérpretes: josé coronado, rodolfo sancho, helena miquel, juanjo artero, maría blanco-fafián, nadia casado, ricardo dávila.

Presentada en el recientemente finalizado Festival de San Sebastián, la nueva colaboracón entre Enrique Urbizu y José Coronado (que ya habían estado juntos en La caja 507 y La vida mancha), es un thriller policíaco contundente, una película negra, negrísima, que despertó entusiasmos y que sonó como favorita a diversos premios, pero que finalmente no se llevó ninguno, posiblemente de forma inmerecida.

Santos Trinidad es un inspector de policía que, a pesar de un pasado brillante, ahora es violento y alcohólico. Una noche de borrachera, ya de regreso a casa, se ve inmerso en un tiroteo y mata a tres personas, aunque un cuarto escapa. Mientras intenta localizar al testigo, la jueza Chacón investiga el caso de los crímenes, que según los indicios están mezclados con asuntos de drogas. Aunque poco a poco, Santos y Chacón, cada uno por su lado. Descubrirán que no es tan simple, y que detrás de todo hay asuntos aún más serios.

Urbizu es un director que sabe narrar con imágenes poderosas; lo demuestra con cada proyecto en el que se embarca, y en esta ocasión la cosa no es diferente. Aunque la ayuda de su coguionista habitual y de unos personajes en estado de gracia (en especial el descubrimiento de Helena Miquel y un espectacular José Coronado, presente en todo momento en la pantalla, que impresiona con su sola presencia, y que es el alma que mueve este filme) aportan gran parte dela calidad.

No habrá paz para los malvados es cine negro en estado puro. Tiene un arranque demoledor, potentísimo, brillante, su primer cuarto de hora es de lo mejor que ha dado el cine español en los últimos años. Después decae, en parte por la imposibilidad de mantener tal nivel durante todo el metraje, aunque sigue manteniendo un nivel bastante alto. Urbizu consigue que su obra destile realidad, verosimilitud, al despojarla de adornos innecesarios. Los diálogos son los justos, no hay palabras de más, lo cual hace aún mayor el logro de contar una trama difícil y dura como ésta, manteniendo a su vez la tensión, el suspense.

Gran película, espectacular y aterrador Coronado, de lo mejor que ha dado el cine español este año. Una cinta que, apunten, se llevará un buen puñado de Goyas el próximo mes de febrero.

LA CARA OCULTA

2011-09-19T15:57:00.002+02:00

La voyeur y los celos

españa-colombia, 2011.
director: andrés baiz. producción: christian conti, andrés calderona, rodrigo guerrero. guión: andrés baiz, hatem khraiche ruiz-zorrilla. fotografía: josep m civit. música: federico jusid. montaje: roberto otero. intérpretes: quim gutiérrez, martina garcía, clara lago, alexandra stewart.

El director colombiano Andrés Baiz demuestra que sabe moverse como pez en el agua en el género del thriller con este su primer largometraje, que también está coescrito por él. La historia es correcta, y consigue lo que pretende, crear desasosiego, angustia, tensión. Casi siempre. Pero deja lagunas sin rellenar, agujeros por los que el argumento se despeña y cae en picado.

La cara oculta nos cuenta la historia de Adrián, un joven director de orquesta español que, tras ser contratado para dirigir la filarmónica de Colombia, se desplaza a Bogotá con Belén, su novia. Lo que se presentaba, en un principio, como una vida fácil y rodeados de lujos se empaña pronto por los presuntos devaneos de Adrián y los celos y sospechas de Belén. Cuando ella ya no puede soportarlo más desaparece y sólo le deja un vídeo de despedida. Mientras la policía investiga la desaparición de la chica (nadie sabe nada de ella desde que se fue, y no hay indicios de que haya salido del país), él encuentra consuelo en Fabiana, una bella camarera que se traslada a la mansión del músico. Pronto Fabiana empieza a sentir que una presencia la persigue en la casa.

La película, que se vehicula en torno al daño que pueden provocar la obsesión y los celos adolece de numerosas lagunas en un guión que entretiene, pero que no termina de convencer. Gran parte de la culpa la tiene una primera parte en la que toda la tensión que se pretende crear se pierde por elementos externos al argumento en sí: las interpretaciones del español Quim Gutiérrez y la colombiana Martina García no son para nada creíbles, resultan forzadas; y por otro lado, el tiempo atmosférico que rodea cada noche a la mansión (clave en la historia), es de chiste, con unos truenos que provocan la carcajada más de una vez. No es hasta que no aparece Clara Lago cuando la trama comienza a ganar interés. Ella es la única que te cree, la única que te transmite todo lo que su personaje sufre, siente, padece en su desdichada existencia.

El montaje de la cinta tiene el acierto de narrar las historias desde tres perspectivas: primero desde el dolor por la pérdida de Adrián, después desde los ojos de Fabiana y, finalmente, la de Belén. Ello conlleva viajes atrás en el tiempo, que añaden datos a la información que hasta entonces teníamos y que ayudan a comprender mejor toda la historia.

Pero claro, todo se viene abajo si esto no se tiene en consideración a la hora de la promoción. Lo mejor para una película como La cara oculta hubiera sido no contar demasiado del argumento, no saber prácticamente nada antes de verla. Pero si en el mismo trailer que publicita el filme se destripan partes indispensables del mismo, escenas que en la cinta suceden bastante avanzado el metraje y que no deberíamos conocer con antelación, de poco sirve todo el cuidado al contar lo preciso en el momento oportuno.

La cara oculta es una cinta que se pretendía interesante, pero que sólo entretiene. Una historia con lagunas, que empieza bastante mal, que va mejorando poco a poco, pero que no termina por convencer. Correctamente dirigida, no tan bien contada, con elementos que se podrían pulir sin problemas y con unas interpretaciones (si exceptuamos a Clara Lago, que es la única que destaca) que dejan bastante que desear. Baiz apunta maneras, pero aún tiene cosas que aprender.

LA DEUDA

2011-09-15T17:26:00.005+02:00

La mentira por bandera

estados unidos, 2010.
título original: the debt. director: john madden. producción: eitan evan, eduardo rossoff, kris thykier, matthew vaughn. guión: matthew vaughn, jane goldman, peter straughan, basado en la película ha-hov. fotografía: ben davis. música: thomas newman. montaje: alexander berner. intérpretes: helen mirren, tom wilkinson, ciarán hinds, jessica chastain, marton csokas, sam worthington, romi aboulafia, jesper christensen, brigitte kren.

Dicen que antes se pilla a un mentiroso que a un cojo. Aunque también hay mentiras que, de tanto repetirse, llegan a convertirse en verdades. Ese es el tema principal de esta película, remake de otra de origen israelí e inédita en nuestro país (no será necesario hablar, otra vez, de la falta de ideas originales y la necesidad, pues, de reciclar viejas historias). Y ningún género mejor que una cinta de espías (casi al modo clásico) para hablar de ello, de las falsedades, de las medias verdades, de lo que se oculta, y de lo que ello puede acarrear a los que callan, a los que guardan secretos.

La cinta cuenta una historia a dos tiempos, de un lado nos sitúa en el Berlín de la segunda mitad de los años sesenta. Allí, Rachel, Stephan y David son agentes del Mossad israelí, cuya misión es capturar a un conocido criminal nazi y llevarlo a su país para que sea juzgado. De otro, en los años noventa, Sara, hija de Rachel y Stephan, es una periodista que ha escrito un libro sobre la historia, con la ayuda de sus progenitores, que siguen siendo considerados unos héroes por lo ocurrido treinta años atrás.

La deuda se apoya fundamentalmente en dos pilares: su historia y sus personajes. La trama, a pesar de algunas carencias, es ciertamente potente, logra plasmar la confrontación del pasado con el presente, a través de una estructura fragmentada, y mostrando los estragos que el paso del tiempo, y cómo lo que ocurrió entonces, ha dejado marcas profundas en los personajes que vivieron aquello. Por otro lado, los siete personajes principales, los tres agentes de las dos épocas, y sobre todo Jesper Christensen como el viejo y sádico oficial nazi, reciclado en doctor, levantan una película que, tras dos primeras partes de gran viveza y fuerza, se diluye en su tramo final, en una larga secuencia en la que nada resulta creíble y que, en algunos momentos, llega a resultar casi risible.

Y es una pena que una buena historia termine estropeándose de esta manera. Porque el mensaje, lo que da vida a esta cinta desde el principio, es claro a lo largo del metraje: la mentira hace daño, incluso al que la profiere, que termina cansado de mantener oculta la realidad, luchando contra el remordimiento que le causa no dar a conocer la verdad, manteniendo unas apariencias que no le corresponden. Pero, como decimos, se desinfla con una conclusión risible, absurda, que termina por reventar una película con alguna que otra carencia, y bastantes virtudes.

COWBOYS & ALIENS

2011-09-12T01:41:00.000+02:00

Del infinito desierto y del espacio infinito

estados unidos, 2011.
título original: cowboys & aliens. director: jon favreau. producción: johnny dodge, brian grazer, ron howard, alex kurtzman, damon lindelof, roberto orci, scott mitchell rosenberg. guión: roberto orci, alex kurtzman, damon lindelof, mark fergus y hawk ostby, basado en el cómic de scott mitchell rosenberg. fotografía: matthew libatique. música: harry gregson-wagner. montaje: dan lebental, jim may. intérpretes: daniel craig, harrison ford, olivia wilde, sam rockwell, buck taylor, matthew taylor, paul dano, adam beach, ana de la reguera, noah ringer, abigail spencer.

A estas alturas, posiblemente todo el mundo sepa ya que el origen del argumento de esta historia está en un chiste gráfico para un periódico de hace ya bastantes años. De ahí surgió un cómic (bastante mediocre, según cuentan los que lo han leído), y después esta cinta, que muchos llevábamos meses esperando.

A priori podría parecer que estamos ante una cinta paródica, ya que la mezcla de géneros no puede ser más extraña. Pero Jon Favreau se lo toma en serio, y nos plantea una ferrea historia de aventuras, con buenas escenas de acción, y toques casi místicos en algunos momentos (la resurrección gracias al fuego), a la que quizás pueda achacársele una secuencia final demasiado larga.

1873, Arizona. El protagonista de la historia se despierta en medio del desierto, sin saber dónde está, qué le ha ocurrido ni cuál es su nombre. La única pista de su desconocido pasado es una especie de grillete en su muñeca. Caminando sin rumbo llega a Absolution, una pequeña villa en la que nadie se mueve sin que lo ordene Dolarhyde, un autoritario cacique que domina hasta al sheriff del lugar. Él sigue sin recordar nada, ni siquiera a la bella misteriosa que se le acerca, aunque parece que la policía le busca y es capturado. Es entonces cuando unas extrañas naves aparecen en el cielo disparando y destrozándolo todo.

Favreau, actor que se pasó a la dirección hace algunos años (y que está detrás de grandes éxitos como las dos Iron Man) no tiene un estilo propio visible, pero sabe crear una historia con fuerza, ayudado por un guión solvente, y unas buenas interpretaciones del duo protagonista, en especial de un Harrison Ford al que no se le recordaba tan bien. En cambio, Olivia Wilde (bella entre las bellas) no está a la altura en el nivel artístico.

Cierto que hay algún parón en el ritmo, y que alguna escena se alarga innecesariamente, pero este western inverosímil ofrece más de lo que en un principio se podía esperar para ser lo que es: el último gran taquillazo del verano. Hay quien le achaca que no es divertida, pero es que no pretende serlo; la mezcla bizarra llevó a muchos a pensar que Favreau nos presentaría una película más centrada en el humor. ¿Que podía haber sido mejor? Por supuesto, pero también mucho peor.

Es una muy buena idea la de mezclar géneros que nunca se habían mezclado y que son tan diferentes entre sí (Wilder ya hizo lo mismo al unir comedia y cine de gángsters en Con faldas y a lo loco). Es un camino a seguir, en una época en la que el cine convencional nos ofrece tan poco con lo que contentar a los cinéfilos.

PRINCIPIANTES

2011-09-12T01:18:00.000+02:00

Novatos en el arte de vivir

estados unidos, 2011.
título original: beginners. escrita y dirigida por: mike mills. producción: miranda de percier, lars knudsen, leslie urdang, jay van hoy, dean vanech. fotografía: kasper tuxen. música: roger neil, dave palmer, brian reitzell. montaje: olivier bugge coutté. intérpretes: ewan mcgregor, christopher plummer, mélanie laurent, goran visnjic, kai lennox, mary page keller, keegan boos, china shavers, melissa tang.

La segunda película como director de Mike Mills no puede estar más alejada de aquella que le sirvió de debut. Si Thumbsucker (2005) era una comedieta a ratos absurda a ratos inmadura y casi siempre irritante, con esta Principiantes nos situamos en una cinta más sincera, una comedia agridulce sobre el amor y la felicidad, con elevadas dosis de autobiografía por parte de su creador.

Oliver conoce a Anna en una fiesta pocos meses después de la muerte de su padre, Hal, quien tras la muerte de su mujer, con la que había estado casado cuarenta y cuatro años, salió del armario para disfrutar plenamente de la vida. La honradez de Hal hizo que padre e hijo se sintieran mucho más próximos que antes. Y ahora, Oliver se esfuerza por amar a Anna con el valor, la esperanza y el humor que su padre le legó.

Aunque la muerte tenga una presencia permanente, Principiantes es una película vitalista, divertida y emotiva. Sin ser una cinta de humor, no hay nadie que no pueda evitar sonreír en muchos momentos; sin ser un drama, hay ocasiones que emocionan; y (casi) siempre hace sentirse bien.

El trabajo del trío protagonista es fantástico: aunque no termina de estar claro el origen de la tristeza de Oliver (se intuye que pueda ser por la muerte de sus progenitores, pero en las imágenes del pasado, con ambos vivos, tampoco era precisamente un ser alegre), Ewan McGregor hace que resulte creíble y convincente en todo momento; a pesar de que no tenemos prácticamente ninguna información sobre Anna más que lo (poco) que ella cuenta, la sola presencia de Mélanie Laurent (inolvidable Shosanna de Malditos bastardos) ilumina la pantalla; pero es Christopher Plummer el que se lleva la palma dando toda una lección de impresionante talento. Aunque la verdad (todo hay que decirlo) es que la sorpresa de la película, en este apartado, la tenemos en el perro que persigue permanentemente al protagonista, y que ofrece los momentos más hilarantes de la cinta.

La película comienza siendo muy floja, aunque va subiendo su nivel progresivamente y sin descanso. Mills se apoya en algunos juegos de montaje, mezclando varios momentos temporales, e incluso realidades alternativas de cómo sucedieron los hechos que nos cuenta, aunque visualmente no aporta ningún nuevo descubrimiento.

Principiantes es una película extraña y hermosa, una bella historia, que rinde tributo a unos personajes que, pese a todo, se levantan cada mañana con en firme convencimiento de renacer, de que va a ser un gran día.

BLACKTHORN

2011-09-12T00:56:00.000+02:00

Un western de los de antes

españa-francia-bolivia, 2011.
director: mateo gil. producción: andrés santana, ibon comenzana, jerome vidal, paolo agazzi. guion: miguel barros. fotografía: j. a. ruiz anchía. música: lucio godoy. montaje: david gallart. intérpretes: sam shepard, eduardo noriega, stephen rea, magaly solier, nicolak coster-waldau, padraic delaney, dominique mcelligot.

El cine español hace tiempo que dejó de hacer cine típicamente patrio. Antes, aunque uno no conociera a ninguno de los intérpretes ni responsables técnicos de una película concreta, aunque no viera los créditos ni hubiese elemento alguno (geográfico o de otro tipo) que identificara la cinta como española, era fácilmente discernible que la obra en cuestión se había hecho en, y sobre todo por profesionales de, España. Ahora ya no; desde hace unos años, las historias son más universales, y, en ocasiones, algunas películas podrían pasar por estadounidenses. Ello de por sí no es bueno. Quiero decir, que una película sea norteamericana no implica que tenga calidad artística, pero aquí hablamos de la técnica, del modo de hacer cine, y de la posibilidad de que una determinada obra pueda venderse, verse, en un mayor número de países. Y esto sí que es bueno para nuestra cinematografía.

Tras haber escapado de los Estados Unidos, el legendario Butch Cassidy murió tiroteado junto a su amigo Sundance Kid en Bolivia, en 1908. Al menos, esa era la versión oficial. La verdad es que ha pasado los últimos veinte años viviendo oculto, y ahora quiere volver a casa. En su camino de vuelta se encontrará con un joven ingeniero español que huye perseguido después de robar una mina propiedad del hombre más rico del país.

Mateo Gil, que no se había puesto tras las cámaras para dirigir un largometraje desde que en 1999 debutara con Nadie conoce a nadie, nos trae una muestra de que es posible hacer buen cine en España, basándonos en géneros que no nos son propios. Recientemente también disfrutamos del Enterrado de Rodrigo Cortés, que podría calificarse del mismo modo.

Blackthorn tiene la estética y los personajes del western más clásico, el universo típico de sus historias, aunque ni el apartado temporal (se desarrolla a finales de la década de los años 20 del siglo pasado), ni los decorados (la acción tiene lugar en Bolivia) coincidan con lo que nos acostumbramos a ver en el género cuando estaba en boga. Pero todo nos parece verdadero. Quiero decir, la estética, el espíritu del (buen) western clásico, de 'las películas del oeste', está ahí.

La película, rodada sin grandes alharacas, sin parecer demasiado espectacular, hace que mantengas la atención en todo momento, que no quieras perderte ni un sólo segundo. El guion de Miguel Barros no tiene una fisura, y las interpretaciones de Sam Shepard (brillante), y un Eduardo Nriega que mantene el tipo (que ya es bastante), ayudan a ello. Aunque el peso debería llevárselo Mateo Gil, que sabe manejar con extraordinaria brillantez todos los elementos de la película, darle el alma que necesita. Estamos ante una gratísima sorpresa que no deberían perderse.

SÓLO UNA NOCHE

2011-09-11T12:31:00.000+02:00

Enfrentarse a la tentación

estados unidos-francia, 2010.

título original: Last night. escrita y dirigida por: massy tadjedin. producción: christophe riandee, massy tadjedin, nick weschler. fotografía: peter deming. música: clint mansell. montaje: susan e. morse. intérpretes: keira knightley, sam worthington, eva mendes, guillaume canet, anson mount, stephanie romanov, griffin dunne, justine cotsonas

La directora estadounidense de origen iraní Massy Tadjedin debuta con esta cinta, un drama romántico sobre las relaciones, los celos, el adulterio y la (des)confianza. No es la primera vez que se hace una película con esta temática, ni mucho menos. Pero lo que sí hay son algunas diferencias, algo que no es común en este tipo de cintas.

Joanna y Michael forman un matrimonio aparentemente feliz, estable, pero también rutinario. Tras una cena de trabajo, ella cree presenciar algo entre su marido y una compañera de trabajo, con la que al día siguiente tiene que realizar un viaje para presentar un proyecto. La semilla de la duda crece en ella cuando, ya con su marido fuera, se encuentra con Alex, un amor del pasado, y empezará a replanteárselo todo.

La historia, que transcurre en poco más de una noche, está narrada en paralelo, mezclando las historias de las dos partes del matrimonio con un buen trabajo de montaje que tiene detalles bastante buenos. Todo se centra en los cuatro personajes principales, incluso los pocos secundarios parecen estar únicamente como apoyo, explicativo o aclaratorio de las actuaciones o decisiones que toman, de ellos. Aunque lo cierto es que no todo está al mismo nivel: si por un lado, la historia de Keira Knightley está bastante bien, engancha y convence, por otro, la de su 'marido' Sam Worthington con Eva Mendes, es mucho más típica y convencional.

Tadjedin rueda con elegancia y con madurez una historia sobre las tentaciones, la dificultad de escapar de ellas, y confronta las diferencias entre el adulterio de pensamiento y el real. Logra que los personajes jueguen con los silencios que dicen más de lo que ocultan, con las miradas que lo cuentan todo, con sonrisas y lágrimas. Pero su mayor logro es que no juzga. No hay buenos ni malos, sólo tentaciones, flirteos, a los que los personajes (con los que el espectador puede identificarse con mucha facilidad) se enfrentan, teniendo distintos resultados, diferentes reacciones. Y que en ocasiones, pensar en la infidelidad puede ser más peligroso que llevarla a cabo. Sería algo así como una tensión sexual no resuelta, que queda enquistada, y permanece presente hasta que se resuelve de uno u otro modo.

Y sobre todo, que Tadjedin consigue crear debate, que después de la proyección los espectadores hablen, discutan, comenten, qué harían, qué piensan, qué les ha pasado...

UN CUENTO CHINO

2011-09-11T11:53:00.000+02:00

La extraña pareja

argentina-españa, 2011.
escrita y dirigida por: sebastián borensztein. producción: gerardo herrero, juan pablo buscarini, pablo bossi, isabel garcia peralta. fotografía: rodrigo pulpeiro. música: lucio godoy. montaje: fernando pardo. intérpretes: ricardo darín, huang sheng huang, muriel santa ana, enric rodríguez, ivan romanelli.

Hay actores que ya de por sí garantizan que te lo vas a pasar bien con una película. Puede ocurrir que la cinta es cuestión sea mala de narices, pero simplemente por verle trabajar, por verle en acción, merece la pena ir al cine y ver la película. Y no son demasiados los que lo consiguen. El argentino Ricardo Darín entra en este reducido grupo. Todo ello a pesar de que el papel que interpreta aquí está lejos del tipo al que nos tiene acostumbrados.

Roberto es un huraño, solitario, metódico y extremadamente obsesivo ferretero de Buenos Aires. Un día ve como, desde un taxi, arrojan a Jun, un chino al que el taxista y sus secuaces han desvalijado. Jun no tiene un solo peso, y no habla mas que chino, con lo que la comunicación entre ambos se torna imposible. Así, tras intentar llevarlo a una comisaría y a la embajada de su país sin éxito, se ve obligado a llevárselo a su casa y tratar desde allí de solucionar el asunto, porque el dejarlo en la calle tirado no entra en su carácter. Pero todo lo que Roberto intenta no resulta y tiene que convivir con alguien a quien no conoce, con una cultura distinta y con quien no se puede comunicar durante más tiempo del esperado.

Un cuento chino es una película amable, a ratos divertida, a ratos surrealista (las imágenes de esas noticias de muertes absurdas que el protagonista recopila de los periódicos y que resulta ser el punto de unión entre dos seres en principio tan alejados), con algunos leves retazos de tristeza, que resulta creíble, aunque al final se deja llevar y termina con un desenlace demasiado previsible, que se amolda a las convenciones más tópicas, quizás para contentar a la mayoría de público.

Pese a todo, la cinta está dirigida con solvencia, no hay estridencias, y es fácilmente disfrutable. Una película divertida, que hace gozar de un buen rato de cine, y que nos viene a decir que, en realidad, el mundo es un pañuelo, que no son tantas las diferencias que separan como los sentimientos que nos unen. Se agradece que no se decante (a pesar de todo, y aunque el tema se prestaba con facilidad a ello) por una sensiblería que lo estropearía todo.

Y sobre todo, destaca el enorme trabajo de Ricardo Darín, capaz de expresar con una simple mirada mucho más de lo que cualquier otro intérprete expresará jamás en todas las películas de su carrera.

HANNA

2011-09-09T23:09:00.006+02:00

Saoirse reparte caña

estados unidos, 2011.
título original: hanna. director: joe wright. producción: marty adelstein, leslie holleran, scott nemes. guion: seth lochhead, david farr. fotografía: alwin h kuchler. música: the chemical brothers. montaje: paul tothill. intérpretes: saoirse ronan, eric bana, cate blanchett, tom hollander, olivia williams, jason flemyng, jessica barden, john macmillan, vicky krieps, tim beckman, jamie beamish, aldo malan, michelle dockery, mohamed majd, sebastian hülk, gudrun ritter, martin wuttke.

La esperada nueva película de Joe Wright es una rareza dentro de las superproducciones revienta-taquillas. Normalmente este tipo de producciones suelen ser más sencillas, o tener un argumento que, dentro de una posible complejidad, es relativamente fácil de seguir y de comprender. Y aunque Hanna no es tan complicada en este aspecto, lo cierto es que es una cinta distinta, diferente.

Mezcla del cine de espías más reciente (la saga Bourne es su referente más claro), con una especie de cuento de hadas, Hanna cuenta la historia de una adolescente de dieciséis años, a la que su padre (Erik, un ex-agente de la CIA) ha criado en solitario en las frías estepas del norte de Europa, alejados de toda la civilización, y preparándola desde niña para convertirla en la asesina perfecta. Hasta que un día Erik se da cuenta de que ya no puede retener más a su hija, y la joven se embarca en la misión para la que siempre ha estado destinada. Pero antes de que pueda reunirse con su padre en Berlín, como tenían previsto, es capturada por un grupo dirigido por la despiadada agente Marissa Wiegler, que en el pasado tuvo algo que ver con Erik. Hanna consigue escapar, pero se encuentra sola, en un mundo que desconoce y en el que debe aprender rápidamente a desenvolverse.

Hanna tiene un ritmo frenético, numerosas escenas de acción (algunas verdaderamente brillantes, como toda la secuencia de la huida de la protagonista), conducidas con las melodías que para ella han creado The Chemical Brothers, músicas que se amoldan como un guante a sus imágenes; y tiene un tour de force entre dos protagonistas fantásticas (Cate Blanchett y una sobrenatural Saoirse Ronan, que ya trabajó con el director en Expiación y que volverán a coincidir en una nueva versión de Anna Karenina que ya se está preparando).

En su contra, la película es muy fría, y en ningún momento logras meterte del todo en ella, ni identificarte con ningún personaje. Tiene momentos aburridos y otros directamente inverosímiles (¿cómo creer que una chica que jamás ha visto la electricidad y que se sorprende y asusta con una simple lámpara y un televisor, poco después hace un barrido en Internet para encontrar a quien busca?), sin contar con que utiliza algunos simbolismos demasiado obvios (y no entremos en esa escena que transcurre en España, donde se explotan los tópicos más manidos de nuestro folclore).

Cierto que lo que Wright busca aquí es una película lúdica (aparentemente, al menos así todo tendría algún sentido), pero algunos personajes son risibles (ese 'malo' que persigue a la chica, esa niña insoportablemente charlatana que decide hacerse su amiga...), y muchas situaciones ni son creíbles ni concuerdan con lo que hasta entonces se nos ha explicado. Podría haber tenido un resultado mucho mejor, pero no alcanza las pretensiones con las que parte.

X MEN: PRIMERA GENERACIÓN

2011-09-09T22:47:00.000+02:00

Mutante, y a mucha honra

estados unidos, 2011
título original: x-men: first class. director: matthew vaughn. producción: gregory goodman, simon kinberg, lauren shuler donner, bryan singer. guion: ashley miller, zack stentz, jane goldman, matthew vaughn. fotografía: john mathieson. música: henry jackman. montaje: eddie hamilton, lee smith. intérpretes: james mcavoy, michael fassbender, kevin bacon, rose byrne, jennifer lawrence, january jones, oliver platt, álex gonzález, jason flemming, zoë kravitz, nicholas hoult, caleb landry jones, edi gathegi, lucas till, glenn morshower, matt craven, rade serbedzija, ray wise.

De las tres películas basadas en cómics que se estrenan este año, ésta (la segunda en llegar a las pantallas), era quizás la que menos revuelo había levantado a priori, la que llegaba con menos expectativas y sin apenas montar alharacas. Esa es su gran baza, su gran ventaja. La cuarta entrega de la saga X-Men, tras el fiasco de la tercera, se puede convertir en un triunfo en las salas este verano, gracias a su guion sólido, a sus buenas interpretaciones y a sus muchas virtudes, a pesar de que también adolezca de algún que otro defecto.

La acción se sitúa en los años sesenta, en los inicios de la era espacial, y también el punto álgido de la Guerra Fría, con la cada vez más creciente tensión entre las dos grandes potencias, y el conflicto de los misiles de Cuba en el horizonte. Es en esa circunstancia cuando el mundo descubrió la existencia de los mutantes. Charles Xavier es un joven que prepara una tesis sobre la evolución y mutación de los humanos cuando conoce a Erik Kehnsherr. Son dos jóvenes con secretos, con poderes que deben ocultar al resto de los humanos, ya que no los comprenderían. Los dos se ven involucrados en un proyecto oficial y secreto del gobierno, y deben luchar para detener la evolución de las hostilidades que llevarán a un conflicto nuclear que acabaría con todo.

Gracias a esta cinta descubrimos los orígenes de los protagonistas de las aventuras que ya vimos en las anteriores entregas: cómo se conocieron Charles Xavier y Magneto; el origen de sus apodos, de su enemistad; por qué Xavier está en silla de ruedas, etc... El trabajo de guion es fantástico, y la trama no se centra exclusivamente en los mutantes, sino que la parte política, y la social toman el mando en más de una ocasión, con la fuerza y el acierto oportuno.

Y no es el único punto favorable de la película. El trabajo actoral es fantástico, sobresaliendo por encima de todos la 'pareja' protagonista: McAvoy y (sobre todo) un gran Michael Fassbender, que es el gran descubrimiento de la cinta. Además, Rose Byrne, una cara que hemos visto en multitud de filmes pero cuyo nombre sigue siendo desconocido, en el lado 'humano', y Jennifer Lawrence, que este año ya ha estrenado Winter's bone y El castor, como una joven Mística.

El trabajo del diseño de época es, asimismo, enorme y es otro gran acierto de la película. Incluso los efectos especiales, y (con matices) las escenas de batallas (el ataque a las oficinas de la CIA es brillante, la batalla final se alarga en exceso) están bien. Y no se toma a si misma demasiado en serio, teniendo en muchos momentos altas dosis de un sano sentido del humor.

¿Qué es lo que falla, entonces? Pues que es una película lúdica, para pasar un rato agradable, divertido, y poco más. Rescata una saga que había caído bastante desde su buen comienzo, y lo eleva de nuevo, salva la honra de los mutantes (“y a mucha honra” como dice varias veces uno de los protagonistas), pero no es una cinta que vaya a hacer historia.

EL CASTOR

2011-09-09T19:02:00.002+02:00

En las manos de un muñeco

estados unidos, 2011
título original: the beaver. directora: jodie foster. producción: steve golin, keith redmon, ann ruark. guion: kyle killen. fotografía: hagen bogdanski. música: marcelo zarvos. montaje: lynzee klingman. intérpretes: mel gibson, jodie foster, cherry jones, anton yelchin, jennifer lawrence, riley thomas stewart, zachary booth, kelly coffield park.

Llevábamos bastante tiempo sin tener noticias de Jodie Foster, que años atrás era una razón más que suficiente para ir al cine cada vez que se estrenaba una de sus películas, y ahora nos llega por partida doble con una sola película, en su faceta de intérprete y en la de directora, después de dieciséis años sin ponerse detrás de las cámaras.

El castor comienza como un drama que deriva pronto hacia terrenos extraños, casi surrealistas, con más aciertos que errores y magníficamente interpretada por un elenco de personajes que tienen (y muestran) varios aspectos de sus caracteres. Lo cual es ya algo de agradecer en un momento en el que los papeles lineales y sin evolución brillan por su permanente presencia en casi todo lo que nos llega.

La cinta nos cuenta la historia de Walter Black, un empresario juguetero que, acosado por sus propios fantasmas, vive en una profunda depresión de la que, haga lo que haga, es incapaz de salir. Su familia termina por abandonarle, y él piensa en el suicidio, hasta que una marioneta con forma de castor aparece en su vida, y Walter comienza una nueva relación con el mundo, actuando a través de la marioneta como si fuese otra persona.

Jodie Foster demuestra la solvencia tras las cámaras a la que ya nos tenía acostumbrados en sus anteriores filmes (El pequeño Tate o A casa por vacaciones), pero el punto fuerte es el buen trabajo de Mel Gibson (que en lo personal no parece estar atravesando su mejor momento). Gibson y Foster, que vuelven a coincidir dieciséis años después de Maverick, están bien, pero la historia podría haber dado bastante más de sí.

Lo mejor sin duda de El Castor es su primera parte, cómo se muestra el proceso depresivo en el que está inmerso el protagonista, su incapacidad (también su falta de ganas) para salir de él, y cómo consigue hacerlo a través de un muñeco de trapo que hace las veces de su alter ego, que toma la palabra por él y que expresa lo que él no se atrevería a decir por sí mismo. También los nuevos acercamientos a su familia, y el retorno (glorioso) al trabajo. Pero a partir de la mitad del metraje, el drama se hace casi divertidos sin pretenderlo. Precisamente el proceso de acercamiento con momentos que deberían ser casi dramáticos, resultan algo risibles sin quererlo por la presencia del muñeco, y (además) la historia va virando paulatinamente hacia el tópico narrativo, hacia un final que roza el ridículo, pero que es el habitual en una película americana, para que el público salga contento de la sala.

UNA MUJER, UNA PISTOLA Y UNA TIENDA DE FIDEOS CHINOS

2011-09-09T18:44:00.003+02:00

Versión bizarra de un clásico

china, 2009.
título original: san qiangpai an jing qi. director: zhang yimou. producción: william kong, weiping zhang. guion: jianquan shi, jing shang, basado en la película sangre fácil de los hermanos coen. fotografía: xiaoding zhao. música: zhao lin. montaje: meng peicong. intérpretes: honglei sun, xiao shen-yang, ni yan, dahong ni, ye cheng, mao mao, benshan zhao, julien gaudfroy.

Dejando de lado el título, ya hemos dicho más de una vez que (en ocasiones) la 'traducción' española deja bastante que desear, lo último que nos llega de uno de los directores de culto de los últimos años, el chino Zhang Yimou, es una libérrima adaptación de otro clásico, el Sangre fácil de los hermanos Coen. ¿Era necesario? Posiblemente no. Pero el director chino se escuda en el homenaje a una cinta que admira para embarcarse en un proyecto que, por uno u otro motivo, resulta fallido.

La versión de Yimou es radicalmente opuesta a la original. El ejercicio de estilo de cine negro que crearon los Coen se transmuta en una desquiciada y delirante aberración que traslada la historia a la China feudal. El escenario se reduce, y los personajes también. Son lineales, apenas hay cambios, apenas evolución.

Wang es el viejo dueño de un bar de tallarines de un remoto y desértico paraje de China. Es pesimista y avaricioso. Su joven mujer tiene una aventura con Li, uno de sus trabajadores. Cuando Wang lo descubre, contrata a Zhang, un agente de policía corrupto, para matar a la pareja. Pero Zhang tiene otros planes.

A ratos, Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos parece un homenaje, pero otras veces se asemeja más a una burla, a una caricatura. La cinta comienza como comedia (aunque parece que sin quererlo), aunque pronto pasa al suspense (aunque siga provocando risas en algunos momentos). Quizás por el doblaje (no todo lo bueno a lo que nos tienen acostumbrados nuestros profesionales), la historia parece una bufonada, y no llega a convencer en ningún momento.

Yimou hace un buen trabajo en el apartado visual, y cuando el silencio aparece y los diálogos no están presentes, la historia mejora (y mucho), pero en el global tanto histerismo, tanto histrionismo cansa, aburre y no divierte. La película se hace cansina, uno no termina de comprender las motivaciones de Zhang. Y aunque hay un par de secuencias que visualmente son grandes logros (la escena de la creación de los tallarines es el principal ejemplo), es demasiado bizarra (aunque pueda parecer contradictorio unir ambos términos). Puede entretener, y hasta puede gustar a algunos, pero en ningún modo convence. Por muy libre que sea la adaptación, y por muy de Zhang Yimou que sea.

MEDIANOCHE EN PARÍS

2011-09-09T18:16:00.008+02:00

Por amor al arte

españa-estados unidos, 2011.
título original: midnight in paris. escrita y dirigida por: woody allen. producción: letty aronson, jaume roures, stephen tenembaum. fotografía: darius khondji. montaje: alisa lepselter. intérpretes: owen wilson, rachel mcadams, mimi kennedy, corey stoll, tom hiddleston, marion cotillard, michael sheen, alison pill, kathy bates, léa seydoux, adrien brody, kurt fuller, carla bruni, marcial di fonzo bo.

Nunca he ocultado que soy seguidor incondicional de Woody Allen, al que considero un verdadero maestro. Ello no implica que, de vez en cuando, me sienta decepcionado por alguna de sus obras. Es lógico. Al ritmo de una película al año que lleva desde hace décadas, es normal que tenga altibajos en su trayectoria, y que ocasionalmente presente cintas más flojas. Aunque también hay veces en las que el maestro crea joyas, auténticas maravillas, como la que nos trae este año, esta Midnight in Paris, que dejan bien claro que aquellos que declaran que el autor neoyorquino ya está acabado están equivocados.

Con esta película, el director sigue en Europa tras las cuatro cintas rodadas en Londres y la que filmó en Barcelona. Y vuelve a París, una ciudad que ama, y que ya visitó (brevemente) hace quince años, con Todos dicen I love you. Aunque en esta ocasión, el homenaje es total, es el regalo a una gran ciudad, que dan ganas de visitar sólo con ver los primeros tres minutos del metraje.

El comienzo es un compendio de los lugares más conocidos y hermosos de la capital francesa, unidos a la música de jazz tan común en el director. De hecho, se podría decir que esta cinta es a París lo mismo que Manhattan fue a Nueva York. La película es puro Allen, y tiene referencias a algunas de sus cintas más conocidas. La más clara, por la confrontación de realidades, por el deseo de vivir en un lugar mejor, por los personajes que se ven inmersos en realidades a la que no pertenecen, a esa maravilla que es La rosa púrpura del Cairo, pero también a Zelig y Desmontando a Harry.

Midnight in Paris cuenta la historia de una joven pareja, a punto de casarse que viaja a París con los ricos padres de ella. Él es un popular guionista de Hollywood que quiere empezar su carrera como novelista, y para ello quiere mudarse a la ciudad de la luz, un lugar en el que inspirarse. Pero ella quiere vivir en las costas de Malibú. Casualmente, aparece un pedante profesor, conocido de la chica, al que ella, inexplicablemente, escucha con admiración. Poco más se puede contar del argumento sin desvelar la principal sorpresa del filme.

Allen recurre a sus temas de (casi) siempre, pero lo hace con frescura, como si fuese la primera vez. El protagonista se encuentra con un dilema vital, el conflicto de la historia, si vuelve a Malibú tiene el futuro asegurado, pero haciendo algo que no le gusta, y a su novia le interesa poco sus problemas; frente a ello, París le ofrece un mundo de posibilidades, de sueños, aunque ni él sabe muy bien lo que quiere.

Midnight in Paris es una película que funciona, sin estridencias, avanza casi sin que te des cuenta, una película en la que todo encaja, con grandes interpretaciones (Owen Wilson está magnífico), con un puñado de gags magistrales (el chiste sobre El ángel exterminador de Luis Buñuel es, sencillamente, brillante), múltiples referencias culturales que Allen utiliza para homenajear y bromear con ellas, y que es, pese al pesimismo alegre que se vislumbra en toda su obra, una celebración de vida, del amor y del arte. Y, sobre todo, la demostración empírica de que no cualquier pasado fue mejor. Y cuando vean la película (vayan, vayan, no se la pierdan) ya me dirán.

ROMPECABEZAS

2011-09-09T17:17:00.005+02:00

Una historia sencilla

argentina, 2009. (88')
título original: puzzle. escrita y dirigida por: natalia smirnoff. producción: caroline dhainaut, gabriel pastore, luis a. sartor, natalia smirnoff. fotografía: bárbara álvarez. música: alejandro franov. montaje: natacha valerga. intérpretes: maría onetto, gabriel goity, arturo goetz, henny trailes, felipe villanueva, julián doregger, nora zinsky, marcela guerty, mirta wons, mercedes fraile, denise groesman, jimena ruiz echazu, pacho guerty.

Uno de los placeres que disfrutamos (cierto que muy de vez en cuando) los que frecuentamos las salas de cine es encontrarnos con esas curiosidades, esas películas pequeñas, casi desconocidas, que vienen sin grandes nombres, sin premios, y que llegan con un par de años (si no más) de retraso. Películas que ni siquiera tienen una trama espectacular, sino que son (utilizando el título de aquella cinta de Carlos Sorín) historias mínimas, protagonizadas por humanos (más que por personajes), y que te llegan dentro, que parece que no son importantes, pero que resulta difícil sacártelas de la cabeza.

La última de ellas en llegar a nuestras salas es esta curiosidad argentina, que cuenta una historia sencilla, aunque el tratamiento visual que le da la directora no está dentro de lo que es habitual. Y ya lo vemos desde el principio, con esa secuencia inicial en la que vemos a la protagonista deambular por su casa, ocupada a fondo en preparar un cumpleaños, servir a todos los invitados, y siendo invisible para todos ellos. Poco después, se descubre que la fiesta es en su honor, aunque nadie la felicita, nadie la mira, ni le hace el más mínimo caso. Natalia Smirnoff huye del clasicismo, por ejemplo, del plano-contraplano en los diálogos. La cámara se mueve nerviosa, al igual que los intérpretes.

El papel principal lo ejecuta una gran María Onetto, capaz de expresar todo sin decir siquiera una palabra. Ella es una mujer cercana a los cincuenta, que un buen día descubre su don: es sorprendentemente rápida haciendo puzzles. Y progresivamente va descubriendo cómo es ella, va evolucionando, se va atreviendo a hacer lo que antes no era capaz, a vivir por sí misma, a pensar en ella. Con su nueva habilidad se embarca en el desafío que supone enfrentarse al certamen nacional de puzzles junto a un millonario que conoce por casualidad.

Además de la puesta en escena y de la portentosa Onetto, el otro punto fuerte de la película es la sensacional banda sonora de Alejandro Franov, una composición que roza lo experimental, y que acompaña a esta sencilla historia del descubrimiento de una mujer. Y su final, inesperado y abierto, que abre todo un mundo de posibilidades.

THOR

2011-05-04T17:53:00.002+02:00

Otra más de Marvel

estados unidos, 2011.
título original: thor. director: kenneth brannagh. producción: kevin feige. guion: ashley miller, zack stentz, don payne, basado en los comics de stan lee, larry lieber y jack kirby. fotografía: haris zambarloukos. música: patrick doyle. montaje: paul rubell. intérpretes: chris hemsworth, natalie portman, tom hiddleston, anthony hopkins, stellan skarsgard, kat dennings, clark gregg, idris elba, colm feore, ray stevenson, tadanobu asano, josh dallas, jaimie alexander, rene russo

Acabamos de finalizar el cuarto mes del año y esta es ya la cuarta película que se estrena este 2011 protagonizada por la reciente ganadora del Oscar, Natalie Portman. En esta ocasión, estamos ante un filme llamado a ser un taquillazo, uno de esos blockbusters millonarios del que todo el mundo hablará. La penúltima adaptación de uno de los comics de la Marvel (la próxima volverá a ser la penúltima...), reconvertida ya en productora cinematográfica, nos trae la fundición de las aventuras de Thor (casi cincuenta años y cientos de números editados, pasan a ser una película de poco menos de dos horas), el mítico dios del trueno escandinavo, hijo de Odín, que es desterrado a la tierra y despojado de sus poderes.

Los imprudentes actos de Thor, un guerrero poderoso y arrogante, ponen en peligro el reino de Asgard, y su padre le envía al destierro a Midgard (nuestro planeta) sin sus poderes, obligado a vivir entre los humanos. Cuando un peligroso villano de su mundo envíe a las fuerzas más oscuras de Asgard para aniquilarlo todo, Thor deberá aprender lo que verdaderamente se necesita para ser un héroe.

Dirigida (es una de las sorpresas que se llevará cualquier cinéfilo que se acerque a la cinta sin conocer su origen) por Kenneth Brannagh, al que estábamos acostumbrados a ver en películas de otro calibre, Thor tiene, no obstante, cierto carácter del teatro shakesperiano que el director ya había reflejado en su anterior filmografía, pero el tono es radicalmente distinto. Es sin duda su película más arriesgada, ya que pretende mantener su visión autoral del cine, pero está 'obligado' a crear una cinta que sea una bomba para la taquilla. Y eso no es nada fácil.

Si bien el aspecto visual está bastante bien logrado, aunque a un mismo tiempo pueda resultar algo recargado, en el apartado de la trama, los interesantes conflictos entre razas de los reinos de Asgard y el Jotuheim no tienen su continuidad en los fragmentos que se desarrollan en nuestra tierra, bastante más aburridos y menos intensos.

El reparto está repleto de nombres y caras conocidas (desde el matrimonio compuesto por Anthony Hopkins y René Russo, hasta los terrícolas Stellan Skarsgard y Natalie Portman), aunque el protagonista casi exclusivo es un cachas Chris Helmsworth, más conocido por aquí por ser el marido de Elsa Pataky que por su carrera como actor.

Branagh consigue una película interesante, moderadamente entretenida, con un malo que deja bastante que desear, bien realizada, con buenos (a veces exagerados) efectos, pero que no pasa de ser una cinta para pasar un rato agradable, y poco o nada más. Habrá que esperar a las próximas cintas de la Marvel (sobre todo a la esperada Los vengadores) para ver si nos encontramos con algo que nos llene más.

SEMANA SANTA EN EL CINE

2011-04-28T16:42:00.001+02:00

Sevilla es un plató para la Semana Santa

Desde que el cinematógrafo llegó a Sevilla, con la primera proyección el 17 de septiembre de 1896 en el salón El Suizo, en plena calle Sierpes (en lo que después sería el Teatro Imperial y actualmente una gran librería), han sido numerosos los directores, autores, y cineastas en general, los que han elegido nuestra ciudad como escenario para sus historias. Y es que desde aquellos entonces hasta la fecha, el número de rodajes que han visto nuestras calles ronda los mil. Eso sí, teniendo en cuenta no solo los largometrajes, sino también los cortometrajes, documentales y publicidad.

Y como es lógico, no sólo sus calles y sus gentes se han visto reflejadas en las filmaciones. Sus costumbres, sus fiestas, sus tradiciones, también han tenido cabida en las historias. Las procesiones de la Semana Santa son uno de los ejemplos más claros. Las imágenes de vírgenes, cristos, nazarenos, la música que los acompaña, las saetas, han aparecido y han sido parte de numerosas películas, aunque no tantas como muchos podrían pensar.

Y no es algo relativamente nuevo. En 1898, el camarógrafo Alexandre Promio, que trabajaba para los hermanos Lumière, grabó imágenes de varias procesiones, entre ellas las de Nuestro Padre Jesús de las Penas de Triana. Aunque hay quien dice que Promio no fue el primero, y que dos años antes, en 1896, el camarógrafo Henry Wiliam Short ya estuvo en Sevilla captando imágenes de nuestra Semana Santa. Sea como fuere, lo cierto es que dichas imágenes no se conservan.

INCIENSO Y FOTOGRAMAS

La mayor parte de las producciones que incluyen imágenes de las procesiones de nuestra ciudad son documentales, turísticos casi en su totalidad, de todas las partes del mundo. Pero entre ellos cabría destacar Semana Santa, la película que dirigió Manuel Gutiérrez Aragón en 1992, dedicada por completo a esta semana grande, con nombres tan importantes como los de Antón García Abril en la música y José Luis Alcaine en la fotografía. Un fastuoso espectáculo audiovisual y en su tiempo supuso todo un hito.

Otros documentales dedicados a estas fechas, pero bastante menos conocidos, son Vía Dolorosa (1947), un curioso recorrido por la historia de las cofradías de la ciudad, que llega a ser bastante aburrido, y los cortometrajes que Pilar Távora rodó en sus comienzos (Sevilla, Viernes Santo, Madrugada, Andalucía, entre el incienso y el sudor o Costaleros.

El caso de los largometrajes es distinto. No son tantos como se cabría esperar en un principio. Y además, la Semana Santa suele ser un mero acompañante, un breve momento en una historia en la que, en la mayoría de ocasiones, apenas tiene importancia más allá de la escena en la que está presente.
En la filmografía española podríamos destacar Currito de la Cruz. Esta película tiene cuatro versiones distintas (lo de los remakes no es tan moderno como algunos podrían pensar...). La primera es de 1926, dirigida por Alejandro Pérez Lugín. Fernano Delgado hizo una nueva adaptación en 1936; en 1949 Luis Lucia dirigió la más conocida de todas, y en 1965 Rafael Gil realizó una cuarta versión de la historia. El tema del argumento se centraba en el mundo de los toros, pero la Semana Santa aparece, ya casi al final de la historia, cuando la chica de la historia (en la versión de Lucia era una jovencita Nati Mistral) canta una saeta al Gran Poder, lo que provoca el reencuentro con su padre y el posterior final feliz de la historia.

En 1999 Mateo Gil dirigió Nadie conoce a nadie, película que sí dedicaba mayor tiempo a la temática referida y que creó cierta polémica (algunos sectores se sintieron muy ofendidos), sobre todo con aquella secuencia final con Jordi Mollá saliendo de dentro de la Virgen en plena procesión de la Madrugá.

LA MIRADA DEL EXTRANJERO

También han sido bastantes las producciones foráneas que han grabado y usado imágenes de la Semana Santa sevillana, aunque en la mayoría de los casos, no es más que un asunto accesorio, un momento más en el argumento que (normalmente) poco tiene que ver con la trama principal.

Por ejemplo, el prestigioso director italiano Francesco Rossi, que en 1965 vino a Andalucía a rodar El momento de la verdad (Il momento de la veritá), película fallida protagonizada por el diestro Miguel Mateo 'Miguelín', donde se cuenta la historia de un campesino que llega a ser torero. La cinta comienza con unas tomas de la Semana Santa hispalense, de gran belleza estética y plástica, concretamente de la salida de la Hermandad de San Esteban.

O la coproducción europea, dirigida por el alemán Pepe Danquart, Angel of death (en nuestro país se llamó Semana Santa), en el que Mira Sorvino era una detective venida de Madrid para investigar una serie de asesinatos rituales cometidos en plenas fiestas en nuestra ciudad. La película (como la mayoría de las que aquí tratamos) era bastante floja, fallida y pasó sin pena ni gloria por las pantallas.

Y, ¿cómo olvidar el deleznable espectáculo que supuso aquel producto perpetrado por John Woo, que fue Misión Imposible 2?, ¿cómo olvidar aquella Semana Santa sevillana con mujeres vestidas de falleras, hombres con el traje típico de San Fermín, y quemando las imágenes al final de la procesión? La película era mala de solemnidad, y las escenas de las procesiones bastante alejadas de la realidad.

Aunque quizás el ejemplo más curioso sea el de la cinta alemana Bin ich schön? (¿Soy guapa?), un filme de 1998 dirigido por Doris Dorrie, que sigue inédito en nuestro país, y en el que se puede ver a la conocida actriz Franka Potente, cantando una saeta (¡en alemán!) a un falso palio delante de la parroquia de San Bernardo.

EL AMOR Y OTRAS COSAS IMPOSIBLES

2011-04-28T06:53:00.002+02:00

Una historia anodina
estados unidos, 2009.
título original: love and other impossible pursuits. director: don ross. producción: carol cuddy, marc platt. guion: don ross basado en la novela de ayelet waldman. fotografía: steve yedlin. música: john swihart. montaje: david codron. intérpretes: natalie portman, scott cohen, lisa kudrow, lauren ambrose, anthony rapp, charlie tahan, debra monk, michael cristofer, mona lerche

Aprovechando el reciente Oscar a Natalie Portman, se estrena esta cinta rodada hace ya dos años y que en su momento quedó guardada en un cajón a la espera de fecha de estreno, y que, a saber por qué motivo, aún seguía allí. Al menos, eso podría parecer en un principio, ya que la cinta está plagada de nombres populares y rostros conocidos (de esos que, al verlos, sabes que has visto en varias películas, aunque ni recuerdas cuáles ni sabes el nombre del intérprete en cuestión). Pero lo cierto es que, una vez vista, empiezas a comprender por qué se quedó guardada en un cajón, por qué no se estrenó en su momento, y por qué ha sido ahora, aprovechando el tirón del premio recibido por Portman, cuando se ha recuperado del olvido.

Aunque está rodada con solvencia, aunque no hay errores claros que se le puedan achacar, aunque la puesta en escena sea más que correcta, esté bien iluminada y (en la mayoría de momentos) bien interpretada, la cinta tiene un tufillo permanente a telefilme que tira de espaldas. Tanto en su temática, como en el modo de abordarla, como en su resolución.

El argumento gira en torno a la joven abogada Emilia Greenleaf, casada con su jefe (que estaba casado cuando se conocieron), que acaba de perder a su hija, fallecida a los tres días de nacer. A pesar de su dolor, se esfuerza por conectar con su hijastro William. Pero lo que más le cuesta es lidiar con las constantes intromisiones de la celosa y furiosa ex-mujer de su marido.

La película quiere ser una comedia con tintes románticos y dramáticos, pero es un drama romántico con algún toque cómico. Los personajes evolucionan todos del mismo modo: empiezan cayéndonos mal (desde el niño, hasta su madre, el padre de la protagonista, su marido...) y al final son todos buenos... Y con Natalie Portman ocurre casi lo contrario, y a medida que va pasando el tiempo uno le va cogiendo más tirria.

Es la típica película independiente rodada en Nueva York, un drama con temática dura (la muerte súbita de un bebé), bien interpretada, pero adolece de una monotonía que aburre. Mantiene siempre el mismo ritmo, la misma intensidad, la historia no evoluciona, es lineal y no hay la más mínima sorpresa. Una historia anodina para fans de Natalie, pero poco más.

CAPERUCITA ROJA

2011-04-28T06:44:00.001+02:00

Un cuento para adolescentes
estados unidos, 2011.
título original: red riding hood. directora: catherine hardwicke. producción: leonardo dicaprio, jennifer davisson killoran, alex mace, julie yorn. guion: david johnson. fotografía: mandy walker. música: alex heffes, brian reitzell. montaje: nancy richardson, julia wong. intérpretes: amanda seyfreid, gary oldman, billy burke, shiloh fernandez, max irons, virginia madsen, lukas haas, julie christie, shauna kain.

Enésima versión del clásico cuento infantil que se lleva a imagen real, no sólo en largometrajes, y no todas ellas dirigidas al público infantil, ni protagonizadas por niñas (recuerdo, por ejemplo a Emmanuelle Beart, Christina Ricci, Estella Warren..., y ¿qué decir de En compañía de lobos de Neil Jordan?) En esta ocasión la historia cuenta con una protagonista pseudo-adolescente (Amanda Seyfreid es algo mayor que el público al que se dirige la película), y la cinta trata desesperada e indudablemente de aprovechar el tirón de taquilla conseguido por la saga Crepúsculo, y llenar las salas de quinceañeras saturadas de hormonas, sustituyendo al lobo de la historia original por un licántropo, un hombre lobo que tiene aterrorizado al pueblo desde hace años.

La acción se desarrolla en un medievo cursi (sólo las creencias, los miedos, permaneces; todo lo demás, el aspecto físico, visual, es demasiado kitsch). Los habitantes de Daggerhorn, un poblado perdido en medio de un bosque, llevan generaciones viviendo con pánico ante la presencia de un hombre lobo que habita oculto entre los frondosos árboles. Tienen un pacto no escrito, y cada luna llena le ofrecen un animal como sacrificio para saciar su hambre. A cambio, él se mantiene alejado de ellos. Pero un día ataca y mata a la hermana mayor de Valerie, evitando sus planes de huir con Peter, un joven leñador del que está enamorada, ya que acaba de descubrir que sus padres planean casarla con Henry, el hijo de la familia más rica del pueblo. Sedientos de venganza, el pueblo decide llamar al padre Solomon, famoso cazador de hombres-lobo, que provoca aún más miedo entre todos al confirmarles que durante el día, la bestia adquiere su forma humana, y que podría ser cualquiera de ellos.

Resulta curioso que la directora del filme (por cierto, encargada también de la primera entrega de la saga Crepúsculo de la que esta cinta es indudable deudora) diga que hemos conocido una versión light del cuento, y que en realidad es una historia mucho más oscura, cuando su película es completamente light, muy limpia, parece que va a esbozar temas siniestros, oscuros, pero no termina de meterse en ellos. Al contrario, cada vez que amenaza con meterse en algún tema siniestro acaba desviándose hacia algo más dulce, hacia un romance almibarado. Así, la cinta parece que va a introducir dosis de erotismo (sobre todo en esa fiesta orgiástica para celebrar la (falsa) muerte de la bestia) pero el sensual baile acaba en una danza típica del medievo), o roza el incesto (pero también se desvía a última hora)...

Ni siquiera el reparto, plagado de nombres conocidos, levanta una película que era innecesaria (¿de verdad necesitábamos una nueva versión de este cuento clásico?). Quizás Julie Christie salve un poco los papeles, pero el resto... (¿qué le ha pasado a Gary Oldman, qué ha sido del actor de talento al que admirábamos?) En definitiva, una película convencional, con un excesivo en innecesario abuso de movimientos de grúa para una cámara que no para quieta un momento, y que aúna una historia de amor de lo más convencional, con un thriller (el whodunit, 'quién lo hizo', clásico) que tampoco aporta nada: lanza pistas falsas, apuntando hacia varios posibles candidatos para al final descubrir que el culpable es... quien menos se espera. O sea, lo de siempre.

HAPPYTHANKYOUMOREPLEASE

2011-04-28T06:35:00.001+02:00

La nueva comedia romántica
estados unidos, 2010.
título original: happythankyoumoreplease. escrita y dirigida por: josh radnor. producción: jesse hara, benji kohn, chris papavasiliou, austin stark. fotografía: seamus tierney. música: jaymay. montaje: michael r. miller. intérpretes: josh radnor, malin akerman, kate mara, michael algieri, tony hale, zoe kazan, pablo schreiber, bram barouh, marna kohn, peter scanavino.

Cuando una película se alza con los premios otorgados por el público en festivales tan poco dados a la comercialidad como Sundance o San Sebastián, es bueno tenerla en cuenta. Y cuando esa película está escrita, dirigida y protagonizada por el actor principal de esa serie de culto en que se ha convertido Cómo conocí a vuestra madre, las expectativas sobre la cinta aumentan. Aunque la historia en cuestión no sea más que una comedia romántica, con todo lo que ello conlleva (y ya sabemos que no es un género precisamente que nos regale grandes obras, aunque el público acuda en masa a ver una tras otra de las historias que se producen en Hollywood.

HappyThankYouMorePlease, cinta de título largo y difícil traducción (con sentido) no es (después de todo) una excepción. Cierto que mejora la media de comedias románticas que continuamente nos llegan desde cualquier país (ya no sólo, Estados Unidos, sino de cualquier sitio, utilizando casi siempre los mismos patrones), pero ni es la única que lo ha hecho, ni es la que mejor lo ha hecho (lo de uno adultos empeñados en ser adolescentes, negándose a tomar las decisiones que su condición de adulto le exige, ya hace bastantes años que la disfrutamos (aquí sí, de verdad) con aquella fantástica Beautiful girls, por ejemplo).

La película nos cuenta la historia de Sam, un escritor que trata de vender su primera novela, y que se encuentra con un niño perdido de camino a una importante entrevista de trabajo. Poco después conoce a Mississippi, una bella camarera cantante a la que tratará de conquistar.

Radnor basa el argumento en cuatro historias fundamentales (o tres, según se mire): la de Sam con el niño perdido, la del mismo Sam con la chica de la que se ha enamorado, la de una pareja de amigos (Charlie y Mary Catherine) que se ven metidos sin querer en una crisis, y la de una amiga enferma (fantástica Malin Akerman) con un compañero de trabajo enamorado de ella, pero que la chica no puede ni ver. Las que protagoniza el propio Radnor ofrecen una de cal y una de arena, si bien su aventura con el crío resulta bastante interesante, y aporta un punto novedoso en lo visto hasta ahora en el género, además de estar muy bien tratado y presentado, su historia de amor con la chica, que era (presumiblemente) donde el director se iba a alejar de los tópicos cae de lleno en ellos, y es la historia de su amiga con su compañero la que destaca.

La cinta tiene buenas intenciones, algunos momentos de diálogos de gran calidad, y algún atisbo de talento, que nos hacen ver un futuro luminoso en la trayectoria de Radnor, pero no llega a ser lo que promete y lo que parecía que iba a ser en un principio. En el fondo es una comedia romántica más, por encima de la media eso sí, pero que repite esquemas y que acaba llegando al mismo puerto de siempre, una película que a algunos incluso llegará a recordarle al modo en que trata las relaciones (en alguna de sus numerosas películas) el maestro Woody Allen.

¿PARA QUÉ SIRVE UN OSO?

2011-04-28T06:24:00.001+02:00

Buenas intenciones, malos resultados
españa, 2011.
escrita y dirigida por: tom fernández. producción: jaume roures, enrique gonzález macho. fotografía: arnau vall colomer. música: mauricio villavecchia. montaje: ángel hernández zoido. intérpretes: javier cámara, gonzalo de castro, jesse johnson, oona chaplin, emma suárez, geraldine chaplin, sira garcía .

Tras haber trabajado juntos en La torre de Suso, los actores Javier Cámara y Gonzalo de Castro, dos de los cómicos más populares de nuestro país, gracias a la televisión, vuelven a coincidir con el director de aquella cinta, Tom Fernández, en esta ¿Para qué sirve un oso?, que inauguró la decimocuarta edición del Festival de Cine Español de Málaga.

No nos engañemos: la película logrará su objetivo de atraer a un público numeroso a las salas, porque es una historia sencilla, accesible, una comedia que sus dos protagonistas venden muy bien, y que además pretende (y puede) llegar a todos los públicos (ni hay truculencias, ni violencia -más allá de algunos golpes cómicos-, ni nada que se pueda acercar a una intención sexual, en ningún momento). Pero esa es también, aunque parezca mentira, su principal handicap. Es una historia muy facilona, con buenas intenciones (el ecologismo, salvar al planeta, reciclar...) pero con malos resultados.

La película nos cuenta la vida de dos hermanos muy distintos. Guillermo es un biólogo de talento que, tras años en la Antártida, pierde la fe en lo que está haciendo y lo deja todo para volver a su pueblo; allí, la mujer que le crió (Josephine) le obliga a ir a buscar a su hermano, Alejandro, un zoologo que sólo tiene fe, que vive en un árbol en el medio del bosque y que, con la ayuda de un californiano recién diplomado pretende demostrar que hay osos en el bosque, para evitar la construcción de una urbanización.

Las intenciones, como decimos, del director son buenas, y las de sus protagonistas, también (de ellos son los mejores momentos de la cinta), pero el resultado no es el esperado, porque Fernández se pierde en el camino, se preocupa casi más por las tramas paralelas, la de las relaciones amorosas (o los intentos de lograrla) entre Alejandro y Natalia, la veterinaria del pueblo (una sorprendentemente sosa Emma Suárez), o las del joven investigador con la (también jovencita) profesora del colegio (Oona Chaplin, que se paseo la mañana del estreno por Málaga con unos altísimos tacones) y que no hay por donde cogerla; o la de la niña de la historia (en toda película que quiera llegar y educar a los pequeños tiene que haber una niña) que cada vez que aparece, relentiza todo, le quita ritmo, brillo...

¿Para qué sirve un oso? es una película de altibajos. Comienza mal, va mejorando poco a poco, pero después se pierde, por completo, parece que se recupera, pero es un espejismo y acaba completamente perdida, sin conseguir sus objetivos. Muy buenas intenciones, sí, pero pocos, casi ningún, logro. Además, se la ve venir desde muy lejos, y cualquiera puede adivinar cómo va a terminar la historia, para todos (y digo, todos) sus personajes, desde poco después de empezar.

LA MITAD DE ÓSCAR

2011-04-27T06:55:00.000+02:00

Lo que no se dice
españa, 2010.
director: manuel martín cuenca. producción: manuel martín cuenca, camilo vives, joan borrell. guion: manuel martín cuenca, alejandro hernández. fotografía: rafael de la uz. montaje: ángel hernández zoido. intérpretes: rodrigo sáenz de heredia, verónica echegui, denis eyrey, antonio de la torre, manuel martínez roca, salvador gavilán ramos, elena saganovska, eva almaya, alejandro vera.

A pesar de que ya se ha demostrado en multitud de ocasiones que no es correcto ni acertado, todavía hay quien generaliza, quien piensa (y está convencido de que tiene razón) que todo el cine español es igual, y que no importa quién dirija, quién interprete, quién produzca, todas las películas tendrán un mismo estilo, independientemente del género al que pertenezcan. Afortunadamente, sabemos que no es verdad, y que cintas como la que se estrenó la semana pasada arrasando en taquilla (y cuyo nombre no diremos para no darle una publicidad que no necesita) y esta que tratamos hoy representan modos muy diferentes de hacer y entender el cine.

La mitad de Óscar es una película hecha a base de silencios. Lo que no se dice, lo que se calla, es tan importante o incluso más que lo que sí se cuenta. La cinta no tiene una banda sonora instrumental, ni una sola nota musical (ni siquiera incidental, la música que suena en una televisión, o en la radio de un coche que pasa) se oye en todo el metraje. Sólo las voces de los protagonistas, lo que dicen y lo que callan, el viento, el silencio. Su director, Manuel Martín Cuenca (que debutó en 2003 con la muy interesante La flaqueza del bolchevique, debut también de María Valverde) nos muestran a un director competente, de talento, arriesgado y ambicioso, que ha creado una historia que sólo es simple en apariencia, construida con tres episodios y a base de elipsis.

Óscar trabaja de vigilante en una salina semi-abandonada. Su vida se basa en la rutina. A la hora del almuerzo, Miguel un antiguo compañero ya jubilado, acude a verle y a llevarle la comida. Después del trabajo va a visitar a su único familiar cercano, su abuelo enfermo de alzheimer, que está en una residencia. De noche, vuelve a casa, mira el buzón y el contestador. Nunca hay cartas ni llamadas. Y al día siguiente lo mismo. Y al siguiente. Y al otro. Un día, en la residencia, le dicen que su abuelo ha empeorado y le han llevado al hospital. Y que han avisado a María, su hermana. Óscar lleva dos años sin noticias de ella, ni siquiera sabía que tenían su número en la residencia. María llega poco después, acompañada de su novio Jean, un francés del que Óscar jamás había oído hablar. Entre los hermanos la relación es tensa, algo parece que ocurrió en el pasado. Y es evidente que ella quiere pasar página, aunque él no esté demasiado de acuerdo.

La cinta tiene muy buenos momentos y una secuencia final casi sublime. Es una historia contada con sencillez, e interpretada con talento por su pareja protagonista, un desconocido Rodrigo Sáenz de Heredia, y una magnífica Verónica Echegui, cada vez más alejada del papel que le dio la fama en Yo soy la Juani. Es la demostración de que en el cine español no todo es igual, y de que con un poco de valor, y de saber hacer, se pueden lograr grandes películas como esta.

INCENDIES

2011-04-27T06:37:00.000+02:00

Indagar en el pasado

canadá, 2010.
título original: incendies. director: denis villeneuve. producción: luc déry, kim mccraw. guion: denis villeneuve, basado en la novela de wajdi mouawad. fotografía: andré turoin. música: grégoire hetzel. montaje: monique dartonne. intérpretes: lubna azabal, mélissa désormeaux-poulin, maxim gaudette, rémy girard, abdelghafour elaaziz, allen altman.

En una semana en la que prácticamente la mitad de las pantallas del país están tomadas por la misma película (no creo que sea necesario decir de cuál estoy hablando), es normal que el resto de cintas que entran, que tienen la mala suerte de coincidir en la fecha de estreno con este filme que, según me cuenta un amigo y por poner sólo un ejemplo, ocupa cuatro pantallas de las seis que tiene una ciudad como Mérida, queden total y absolutamente eclipsadas. Y es una verdadera lástima, porque entre ellas se encuentran historias tan apasionantes, tan duras, tan fascinantes como esta Incendies, que estuvo nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa (y que no se lo llevó por muy poco), y que ya pasó con éxito por festivales como los de Toronto, Valladolid, Venecia, o la misma Mérida, donde tuve el placer de verla hace algo más de tres meses.

Basada en una afamada obra de teatro, aunque nadie lo diría viendo el trabajo que ha hecho Villeneuve con el lenguaje que utiliza para crear este filme, Incendies es una terrible historia, basada en cientos de historias reales, ocurridas en ese lugar tan complicado que es y siempre será Oriente Medio, concretamente entre Israel, Palestina y Líbano, narrando un drama familiar que podría exrapolarse a la imagen de un conflicto tan antiguo y con tantas raíces que resulta imposible de resolver.

Tras la muerte de Nawal Marwan, el notario Lebel les lee el testamento a sus hijos gemelos, Jeanne y Simon, que quedan atónitos al recibir la entrega de dos sobres, uno para su padre, que creían muerto, y otro para un hermano cuya existencia desconocían. Aunque Simon no es muy partidario de remover el pasado, el cariño que siente por su hermana, que ve en este enigmático legado la razón del mutismo de su madre, le hace acompañarla desde Canadá hasta sus raíces, para investigar, indagar en sus orígenes y cumplir los deseos de su madre, descubriendo que no conocían realmente a su madre, y se encontrarán con los horrores que tuvo que sufrir, y que la hicieron tan reservada como era.

Villeneuve utiliza dos tramas paralelas para contar la historia, la del pasado de la madre fallecida y la de la hija que investiga, reconstruyendo su desconocida historia. Y, aunque sepamos de antemano (intuyamos, más bien), que nos vamos a encontrar con el horror de cara, nada nos prepara para lo que finalmente descubrimos.

Incendies es una película muy dura, una experiencia difícil de olvidar, con imágenes poderosas que se clavan en la memoria y que no te dejan (la matanza del autobús es, quizás, uno de los ejemplos más claros, aunque no el único) y que demuestran cuán perjudicial puede ser el fanatismo religioso (de cualquier índole).

NUNCA ME ABANDONES

2011-04-27T06:21:00.000+02:00

El futuro está escrito

reino unido, 2010.
título original: never let me go. director: mark romanek. producción: alex garland, andrew macdonald, allon reich. guion: alex garland, basado en la novela de kazuo ishiguro. fotografía: adam kimmel. música: rachel portman. montaje: barney pilling. intérpretes: carey mulligan, andrew garfield, keira knightley, isobel meikle-small, charlie rowe, ella purnell, charlotte rampling, sally hawkins, kate bowes renna

Hay ocasiones en las que uno se pregunta cómo demonios es posible que una determinada película no haga más que ganar premios allá donde va. Ejemplos hay muchos más de los que nos gustaría. Y del mismo modo, hay cintas que, inexplicablemente, pasan sin pena ni gloria por los certámenes y las entregas de premios que cada año se celebran (y son muchas). Nunca me abandones forma parte de este segundo grupo. No me entiendan mal, la cinta ha recogido algún que otro galardón, pero menos, bastantes menos, de los que han recopilado algunas de sus rivales, y menos de los que merece. Ello se ha debido, sobre todo, a que ha tenido la mala fortuna de coincidir en el mismo año con otra película británica que le ha arrebatado todo: El discurso del rey.

Nunca me abandones, basada en el libro homónimo de Kazuo Ishiguro, llega con mucho retraso a nuestras pantallas (de hecho, estaba previsto para el próximo viernes, pero se ha vuelto a atrasar una semana más) se desarrolla en una realidad alternativa, en una Inglaterra de ficción. Los tres protagonistas (Kathy, Tommy y Ruth) pasan su infancia en un internado exclusivo. Son felices, pese al excesivo control al que son sometidos, hasta que un día todo les queda revelado, y les comunican que su futuro ya está escrito, que su destino ya está atado, y que irremediablemente tendrán que acatarlo una vez que se hagan adultos.

Romanek (que ya dirigió Retratos de una obsesión) despliega un estilo visual elegante y engañosamente simple, y va desgranando una historia dura, dolorosa y triste, con unos personajes que no tienen futuro, pero que siempre albergan esperanzas.

Bellamente fotografiada, Nunca me abandones es una película demoledora e inquietante, una mezcla de cine romántico (con un triángulo amoroso) con la ciencia ficción que estructura toda la trama, ya desde su propia concepción como universo distópico, en la que (contrariamente a lo que ocurre en muchas otras cintas del género) no se lucha contra un gobierno opresor, sino que, al contrario, los protagonistas fueron educados para abrigar un sentimiento de orgullo por el lugar que ocupan en la sociedad, y no intentan huir, porque, de todos modos,no hay donde escapar.

Nunca me abandones es una película que perdura en la memoria, gracias, entre otras cosas a la soberbia banda sonora de Rachel Portman y las grandes interpretaciones del trío protagonista: Keira Knightley, que está estructurando una sólida carrera, intercalando filmes taquilleros de Hollywood con las obras de calidad que rueda en su país; Andrew Garfield, que será el nuevo Spider-Man; pero sobre todo Carey Mulligan, una estupendísima actriz que ofrece toda una lección de tristeza contenida, en su mirada, en su voz.

SECUESTRADOS

2011-04-25T05:42:00.000+02:00

Una cinta poderosa
españa, 2010.
director: miguel ángel vivas. producción: vérane frédiani, emma lustres gómez, borja peña, franck ribiére. guion: miguel ángel vivas, javier garcía. fotografía: pedro j. márquez. música: sergio moure. montaje: josé manuel jiménez. intérpretes: fernando cayo, manuela vellés, ana wagener, dritan biba, guillermo barrientos, martijn kuiper, xoel yáñez

La segunda película de Miguel Ángel Vivas, que fue aclamada en el último Festival de Sitges, y que recibió varios premios en el Fantastic Film Festival de Austin, es una cinta que sorprende por la crudeza de su argumento y de sus imágenes (a veces con una violencia explícita que el espectador no se espera), y por la originalidad y valentía de su propuesta estética.

El referente que primero viene a la cabeza al ver Secuestrados es muy evidente, y es que el director bebe del Funny games de Michael Haneke sin que pueda negarlo en ningún momento. Aunque el resultado es claramente distinto. Resulta difícil de explicar, aunque podría resumirse diciendo que Secuestrados (sin llegar en ningún momento a ser una mala película, al contrario, tiene gran calidad), es la versión palomitera de la película del director austriaco.

El matrimonio compuesto por Jaime y Marta y su hija adolescente Isa se mudan a una lujosa casa en medio del campo. La primera noche, con todo lleno de cajas por desembalar, un grupo de albaneses entra a la fuerza en la casa y mientras mantiene retenidas a las mujeres, el jefe se va con el padre de familia. La idea es sacar el máximo dinero posible con las tarjetas de crédito de la familia lo más rápidamente posible. Pero en la casa no hay la calma que se preveía.

Vivas toma riesgos a la hora de contar la historia. Narra la odisea de la familia casi en tiempo real, sin apenas emplear elipsis, de modo realista e implacable, consiguiendo atacar los nervios del espectador. Y aún hay más: rueda cada secuencia en un solo plano, sin cortes, con el riesgo y el enorme trabajo que ello conlleva. Incluso llega a más en algunos momentos, sobresaliendo la larga secuencia final en la que divide la pantalla en dos, cada una un plano secuencia que terminan convergiendo en una única imagen.

El reparto es más que notable, destacando la joven Manuela Vellés, a la que casi todo el mundo recuerda por su debut en la muy floja Caótica Ana, pero que (inexplicablemente) muy pocos la recuerdan en su buen papel en Camino.

Secuestrados es una película intensa, que perturba por su gran realismo, con una tensión que va in crescendo, y que no deja respiro. Sorprende por su violencia, y nos presenta a un buen director de actores. Una cinta poderosa sobre los secuestros express, que puede ser la primera sorpresa española del año, una cinta que puede crecer por el boca a boca y convertirse en un éxito.

SIN RETORNO

2011-04-24T20:04:00.000+02:00

De remordimientos y venganzas

españa-argentina, 2010.
director: miguel cohan. producción: mariela besuievski, gerardo herrero, vanessa ragone. guion: miguel cohan, ana cohan. fotografía: hugo colace. música: lucio godoy. montaje: fernando pardo. intérpretes: leonardo sbaraglia, martín slipak, bárbara goenaga, luis machín, ana celentano, arturo goetz, federico luppi, antonia bengoechea, felipe villanueva, claudia cantero, manuel longueiras, rocío muñoz.

Historias de remordimientos y de venganzas, de miedos y de casualidades, y también de mentiras, y de cómo se puede construir una vida en torno a ellas, Sin retorno, debut en la dirección del hasta ahora ayudante de Marcelo Piñeyro, Miguel Tohan, fue la triunfadora (según cuentan los que estuvieron por allí, justa vencedora) del pasado Festival de Cine de Valladolid.

La cinta, coproducción hispano-argentina, aunque en el reparto la única cara patria sea la de Bárbara Goenaga, que además aparece demasiado poco, y hace de argentina (bastante creíble su acento, por cierto), narra la historia de dos familias entrecruzadamente.

Tras un accidente de tráfico, un joven muere atropellado. El culpable huye sin dejar rastros y sin pruebas que lo incriminen. Pero el padre del joven empieza la búsqueda del conductor. Un cúmulo de circunstancias y casualidades, y una justicia contaminada por la opinión pública y los medios de comunicación, llevan al hombre equivocado al banquillo de los acusados.

El director sabe narrar, de modo seco, austero, pero con paso firme, y acierta al no utilizar (casi en ningún momento) la música para acentuar las situaciones mostradas, con lo que son los simples hechos lo que vemos, nada más. Tras mostrar los actos que lo desencadenan todo, Cohan centra la primera mitad de la cinta en la tensión que provoca la culpabilidad en la familia del culpable, y en la mentira, y en como ésta va creciendo, hasta convertirse casi en un modo de vida. En la segunda parte, una vez que los acontecimientos se disparan de modo incontrolable, se centra en los oscuros recodos que puede tener la venganza.

Sin retorno, que cuenta con un excelente reparto, plagado de buenas interpretaciones, nos presenta a un director de futuro, un Miguel Cohan que narra con un ritmo incesante y un guión muy hábil, con varios giros bien pensados. Es interesante también la crítica a los medios, y sobre todo a la justicia, que se deja llevar, y que no investiga realmente, dejándose guiar por la presión de unos medios de comunicación que exigen encontrar al culpable ya.

WINTER'S BONE

2011-04-24T19:44:00.001+02:00

La joya escondida

estados unidos, 2010.
título original: winter's bone. directora: debra granik. producción: alix madigan, anne rossellini. guion: debra granik, anne rossellini, basado en la novela de daniel woodrell. fotografía: michael mcdonough. música: dickon hinchliffe. montaje: affonso gonçalves. intérpretes: jennifer lawrence, isaiah stone, ashlee thompson, valerie richards, shelley waggener, garrett dillahunt, william white, lauren sweetser, cody brown, cinnamon schult.

Todos los años surge una película pequeña, de esas que verdaderamente podría llamarse independiente, y que se convierte en la sorpresa del año, la que se cuela en todos los premios, en todas las listas de las mejores cintas de la temporada, y que puede llegar a dar la campanada en los premios gordos de Hollywood. En años recientes han sido películas amables, e incluso divertidas, como Juno o Pequeña Miss Sunshine. En esta ocasión, es una cinta más oscura, más adusta, y más dura, una cinta en la que es difícil entrar, pero que (una vez logrado el objetivo) acaba enamorando. Esa cinta es Winter's bone. Una película que, no nos engañemos, por mucho que digamos muy poca gente va a ir a ver, a no ser que contra pronóstico (como ocurrió con Crash hace unos años) acabe alzándose con el Oscar a la mejor película, cosa que (a priori) se presenta harto difícil.

Winter's bone es un retrato fiel y que huele a verosimilitud, de las entrañas de la America profunda, de una comunidad (en este caso en las montañas de Missouri) de cocineros de crack y que está hundida en la marginalidad, en la que Ree, una joven adolescente (la heroína de la historia, nuestra protagonista, una fantástica Jennifer Lawrence, que salta de los papeles secundarios en las series de televisión a este protagonista con sorprendente facilidad) debe luchar diariamente por sacar adelante a su familia, compuesta por su madre enferma y sus dos hermanos pequeños. Un día recibe la nefasta noticia de que su padre, desaparecido hace tiempo para ellos, dejó su pobre casa y el escaso terreno que poseen, como aval de una deuda que no ha satisfecho, con lo que en breve se quedarán en la calle.

Con un estilo cercano al thriller, al policíaco, al cine de investigación, Winter's bone es una historia dura de supervivencia en un territorio muy hostil, en una sociedad con reglas estrictas y que resulta extremadamente opresiva y asfixiante. Pero el aspecto delicado, bello y dulce de Ree esconde a una luchadora nata que no se rendirá jamás y que seguirá luchando por los suyos aunque todo y todos se le pongan en su contra.

Winter's bone es una de esas escasas películas que sigue viva y creciendo en la mente del espectador mucho tiempo después de haberla visto, de las que dejan poso. A ello ayuda el trabajo de Granik (hasta ahora, inédita en nuestro país), que sabe mostrar una historia dura preocupándose por sus personajes y sus problemas aunque sin caer en sentimentalismos. Una gran obra que, lamentablemente, no es una cinta de masas.

THE FIGHTER

2011-04-24T19:31:00.000+02:00

Hecha para gustar

estados unidos, 2010.
título original: the fighter. director: david o. russell. producción: dorothy aufiero, david hoberman, ryan kavanaugh, todd lieberman, paul tamasy, mark wahlberg. guion: scott silver, paul tamasy, eric johnson. fotografía: hoyte van hoytema. música: michael brook. montaje: pamela martin. intérpretes: mark wahlberg, christian bale, amy adams, melissa leo, mickey o´keefe, jack mcgee, bianca hunter, erica mcdermott, jill quigg, dendrie taylor, kate o'brien, jenna lamia, frank renzulli

El boxeo ha sido quizás uno de los deportes que más se ha visto reflejado en el cine, sino el que más. Ya desde los comienzos del cinematógrafo, en aquellos inicios de cámara estática, películas cortas, mudas y en blanco y negro, abundaban las grabaciones de combates reales de este deporte. Y en las últimas décadas, incluso directores importantes y conocidos por todos se han acercado al tema, desde Scorsese en su Toro salvaje a Eastwood en Million dollar baby, ambos (hay que decirlo) de modo brillante. El último en hacerlo, David O. Russell, con esta buena cinta que es The fighter, una de las sorpresas de la temporada y una de las películas que más reconocimientos y premios está recogiendo en los últimos meses.

No es una obra mala, jamás podría decir eso, nadie podría decirlo (y de hecho, si se pregunta a todos los que han visto la película, es extremadamente difícil encontrar a alguien que diga que no le ha gustado), pero lo cierto es que tampoco es tan buena como algunos quieren hacer ver. Está bien dirigida, las interpretaciones (sobre todo el cuarteto principal, Wahlberg, Leo, Adams y especialmente un demacrado Christian Bale), pero se ve a la legua que está construida para que guste, siguiendo unos patrones y unas pautas mil veces usadas, que saben que atrae al público, que emociona, sin ofrecer (en realidad demasiado), y que conocemos y podemos prever sin miedo a equivocarnos.

Y no me refiero aquí al hecho (hablo de la previsibilidad) de que esté basada en hechos reales. Es algo más. Es la estructura del filme, demasiado clásica, sin tomar ningún riesgo, ni en las formas, ni en los modos, ni en los contenidos. Es la misma historia que ya nos han contado montones de veces (la del boxeador con entorno familiar complejo y difícil, de bajo estrato social, que debe vencer todas las adversidades posibles, dejar de lado a los suyos (una madre opresiva y un hermano, otrora ídolo del protagonista, que ha devenido en un perdido adicto al crack), que se enamora de una chica que le apoya y con la que tiene problemas, pero al final triunfa el amor, el pundonor, el tesón, y la chica se queda, se reconcilia con la familia, y consigue el éxito deportivo)

The fighter es una película entretenida, está bien hecha, incluso hay momentos que emociona, pero se queda corta en los que elementos más crudos de la historia (las adicciones a las drogas de un inmenso Christian Bale (el Oscar está ya en sus manos) son el ejemplo más palpable de lo que digo, ya que el director es demasiado amable, demasiado indulgente, se nota que no quiere hacer sangre, y al final casi se convierte en un cliché, con los protagonistas reales de la historia apareciendo en los créditos finales, demostrando que se han redimido de su pasado, que todo marcha bien. Está hecha para gustar, y gusta, pero no tiene alma, no consigue ser más que un producto que dura lo que dura la proyección, y una vez que se encienden las luces, a otra cosa.

CISNE NEGRO

2011-04-24T19:13:00.000+02:00

Casi, casi perfecta

estados unidos, 2010.
título original: black swan. director: darren aronofsky. producción: scott franklin, mike medavoy, arnold messer, brian oliver. guion: mark heyman, andrés heinz, john j. mclaughlin. fotografía: matthew libatique. música: clint mansell. montaje: andrew weisblum. intérpretes: natalie portman, mila kunis, vincent cassel, barbara hershey, winona ryder, benjamin millepied, ksenia solo, kristina anapau, janet montgomery.

Cuentan (hay quien dice que sólo es leyenda, que nunca ocurrió) que el insigne Galileo, después de pasar una temporada en prisión, volvió a su trabajo como profesor, “reconociendo” que se equivocó, que el Sol giraba alrededor de la Tierra, mientras ésta permanecía estática en el centro del Universo, y terminando su discurso con el famoso “y sin embargo, se mueve”.

Algo parecido puede entenderse de esta fantástica, verdaderamente fantástica, Cisne negro. Vale, los personajes son demasiado arquetípicos, y se han visto en innumerables películas (la chica dulce -en este caso, bailarina-; la chica oscura, y rival de la primera; la madre opresiva y absorbente; la profesional en decadencia a la que sustituye (y sufre por ello) la protagonista; y el director conflictivo y pasional...). Además, la protagonista se enfrenta a su reverso oscuro, un doppelgänger que tampoco es una novedad. Y vale, la historia no es nueva. Y, como decía Galileo, sin embargo... tiene un algo que hace que sea hipnótica, que te atrapa desde el primer momento y no te suelta hasta el último plano, hasta que Natalie Portman, tras finalizar su actuación, con lágrimas en los ojos, y plena de felicidad dice “It was perfect”, y sí, tiene razón, fue perfecto (que todo el mundo se tranquilice, no estoy desvelando nada fundamental de la trama con esto).

Nina es una bailarina, que lucha por alcanzar la perfección. El director de la compañía la elige para sustituir a la mítica Beth MacIntyre en una nueva y reformada versión de El lago de los cisnes, pero ella siente que Lily, una chica que acaba de llegar de San Francisco, quiere quitarle el puesto. Nina también debe lidiar con una opresiva madre, que siempre está encima de ella, acosándola. La presión a la que se ve sometida hace que, poco a poco, empiece a perder la cabeza, a no distinguir entre lo que es real y lo que no.

Darren Aronofsky consigue que el espectador se inmiscuya de lleno en las neurosis de Nina, nos mete de lleno en ellas, y hace que nos sintamos incómodos con sus turbadoras visiones. La cinta está repleta de símbolos (algunos demasiado evidentes), pero el gran trabajo de Aronofsky está en que, a pesar de todo, uno no pueda dejar de mirar, no sea capaz de retirar sus ojos de la pantalla en ningún momento. Además, el tratamiento que se le da al sonido, permitiéndonos oír el crujido de los huesos, las ráfagas de viento que se producen al girar, los cambios en la piel... es inmejorable.

Aparte del poker de damas (Portman, Kunis, Hershey, Ryder), y el rey (Cassel), hay otros dos grandes personajes en la trama: los pies (a los que Aronofsky presta especial atención, con planos cortos que los persiguen mientras las chicas bailan), y los espejos y/o reflejos, que cobran gran importancia en la mayoría de ocasiones y que están presentes casi en cada plano.

Cisne negro es una mezcla (extraña e inesperada) de drama, thriller psicológico y algunos toques magistrales de cine de terror. Aronofsky da en el clavo al saber usar las cantidades apropiadas de cada uno de estos géneros, y hacerlo en el momento apropiado, y le da a Natalie Portman (ganadora del Globo de Oro, el premio del Sindicato de Actores y de otros muchos, y futuro Oscar a la mejor actriz) la oportunidad de demostrar lo buena que es. Ella es, sin duda y con mucha diferencia, la mejor en esta maravillosa película. Una auténtica (e inesperada) obra maestra.

MONSTERS

2011-04-24T18:25:00.000+02:00

Amor con monstruos al fondo

reino unido, 2010.
título original: monsters. director: gareth edwards. producción: allan niblo, james richardson. guion: gareth edwards. fotografía: gareth edwards. música: jon hopkins. montaje: colin goudie. intérpretes: whitney able, scott mcnairy.

Hace un par de años, una película pequeña, con un presupuesto reducido, daba la sorpresa y se convertía en todo un éxito, aclamada por gran parte de la crítica y del público que, por el boca a boca, fue acudiendo a las salas a ver aquello de lo que casi todo el mundo hablaba. Era Distrito 9, una cinta de ciencia ficción, con extraterrestres, aunque no eran ellos el tema principal de la historia. Ahora, siguiendo su estela, el especialista en efectos especiales Gareth Edwards debuta en la dirección con esta historia más pequeña aún, rodada casi completamente con dos intérpretes, con un presupuesto irrisorio para el tipo de filme que es (menos de un millón de dólares), una película de extraterrestres, donde los alienígenas apenas aparecen y sirven de excusa para contar otras cosas.

Monsters sorprende por su arriesgada mezcla de géneros que a priori no parecen que vayan a congeniar. Hay quien ha dicho (con acierto) que es una película romántica para chicos, o una película extraterrestres para chicas. Lo cierto es que los invasores (que no lo son tanto) son una excusa para contar un viaje en el que dos personas se van conociendo poco a poco, en el que una relación va surgiendo, es casi una cinta romántica, con rasgos de road-movie, y en la que (ocasionalmente) aparecen monstruosos seres. Pero lo que termina por fascinar y enamorar del todo es su final, que rompe todos los esquemas que uno se haya podido hacer hasta entonces, y se presenta con cierto toque lírico, casi alegórico, y totalmente poético.

La trama nos sitúa en México. Seis años atrás se descubrieron signos de vida en nuestro Sistema Solar, y se mando una sonda para recopilar muestras, pero al regresar a la Tierra hubo un fallo y la nave se estrelló en México. Poco después empezaron a desarrollarse nuevas formas de vida, y la mitad de la población del país fue puesta en cuarentena y gran parte del estado declarado 'zona infectada'. Hoy, los ejércitos mexicano y estadounidense siguen luchando contra las criaturas. En esta situación, un periodista se ve obligado a escoltar a una turista (hija de su jefe) para volver a casa, y un cúmulo de desventuras les lleva a tener que cruzar la 'zona infectada' hasta la frontera con los Estados Unidos.

Monsters es la prueba fehaciente de que no se necesitan grandes presupuestos para hacer buenas películas de ciencia ficción (con historias que, en teoría, sí piden grandes cantidades de dinero), ni grandes efectos especiales, ni alharacas, ni un reparto conocido para hacer que el público disfrute. Es una película pequeña, una mezcla de géneros que (en principio) no deberían estar juntos, una buena historia bien narrada, bien mostrada, con un aire indie que enamora. Monsters es una cinta de alienígenas sin alienígenas (o casi), los demás asuntos que toca (la militarización frente a una amenaza externa, la parábola sobre la inmigración), apenas le importan. Lo verdaderamente interesante es la relación entre los personajes. Es una historia de amor con aliens de fondo.

DE DIOSES Y HOMBRES

2011-04-24T18:04:00.004+02:00

Valentía y tolerancia

francia, 2010.

título original: des hommes et des dieux. director: xavier beauvois. producción: etienne comar, pascal caucheteux. guion: etienne comar, xavier beauvois. fotografía: caroline champetier. montaje: marie-julie maille. intérpretes: lambert wilson, michael lonsdale, olivier rabourdin, philippe laudenbach, jacques herlin, loïc pichon, xavier maly, jean-marie frin, abdelhafid metalsi, sabrina ouazani, abdellah moundy, olivier perrier.

Premiada en el pasado Cannes, y vista en numerosos festivales a lo largo y ancho de todo el mundo, incluido el de Sevilla, y (lo que es más extraño, no por la película en sí, sino por lo raro del hecho) aclamada unánimemente por la crítica (en una web como rottentomatoes, que recoge las diferentes opiniones de cientos de prestigiosos críticos de todo el planeta está con un 100% de opiniones favorables), se estrena la que es una de las mejores películas del pasado año.

Por su temática puede echar para atrás a muchos. De hecho, yo mismo no soy muy aficionado a las películas en las que los protagonistas (casi) exclusivos son sacerdotes, clérigos y demás. No es que tenga nada en contra del género, de hecho no es la primera vez que una cinta así me hace pasar un buen rato de cine. Pero, así de entrada, como que no me apetece demasiado. Aunque, una vez realizado el 'esfuerzo', el resultado merece la pena.

De dioses y hombres cuenta una historia real. La película nos sitúa en el norte de África, concretamente en un convento de Argelia, donde unos monjes franceses vivían con lo justo, en perfecta armonía y paz con los vecinos de aquella comunidad rural, por supuesto musulmanes, a los que ayudaban en todo lo que podían, sin intentar en ningún momento convertirlos, simplemente por solidaridad. Los clérigos de la historia fueron secuestrados en 1996 y, posteriormente, asesinados, sin que todavía haya sido esclarecida la autoridad de los crímenes.

La película, que (evidentemente) no está dirigida a la gran masa, a esa que ve una película (a la gran masa le da igual cuál sea el tema de la misma) engullendo palomitas, muestra el drama de estos monjes, cuyo final ya conocemos incluso antes de comenzar la narración, y que ellos mismos intuyen pronto. Lo interesante de la cinta es que resulta creíble, que nada está impostado, forzado. Los monjes no están presentados como héroes, ni mártires. Ellos no quieren serlo, y cuando empiezan a temer que pueden estar en peligro tienen miedo, quieren irse de allí. Saben que lo eligieron ellos, que están allí para ayudar, pero prefieren volver a Francia, aunque sienten que están traicionando a todo en lo que creen si se van.

El director nos muestra la dualidad de los sentimientos a los que se enfrentan los protagonistas, sus dudas en el momento crítico, sus temores terrenales frente a su espiritualidad. Y resulta creíble, y conmovedor. Cierto que a veces puede resultar algo morosa, y en ocasiones reitera demasiado las escenas de canto y rezo de los protagonistas, pero con todo, De dioses y hombres es una cinta que no deja indiferente, primorosamente interpretada por todo su elenco, y que tiene un claro mensaje contra el fundamentalismo, contra el odio ciego al otro que algunos profesan, en el nombre de su dios.

TAMBIÉN LA LLUVIA

2011-04-24T06:53:00.002+02:00

Cine dentro del cine

españa-francia-méxico, 2010.
directora: icíar bollaín. producción: juan gordon. guion: paul laverty. fotografía: álex catalán. música: alberto iglesias. montaje: ángel hernández zoido. intérpretes: luis tosar, gael garcía bernal, juan carlos aduviri, karra elejalde, carlos santos, raúl arévalo, cassandra ciangherotti.

La filmografía de la directora Icíar Bollaín siempre ha estado marcada por su marcado interés por la denuncia social. En Flores de otro mundo fue la inmigración, en Te doy mis ojos los malos tratos, y ahora, con esta gran También la lluvia, es el colonialismo español en Iberoamérica.

La película, que es la seleccionada por la Academia española para competir representando a nuestro país en los próximos premios Oscar, y que tiene posibilidades de (al menos) entrar en el quinteto finalista, es un juego de capas, una cinta que es como una muñeca rusa, que tiene dentro una historia, que guarda otra dentro de sí, y otra más en su interior.

Costa, un productor de cine, y Sebastián, un joven director, trabajan juntos en un ambicioso proyecto que van a filmar en Bolivia. La película que van a rodar trata sobre la llegada de los españoles y la brutalidad de los soldados con los indígenas, haciendo hincapié en el coraje de varios miembros de la iglesia que se enfrentaron con palabras a las espadas de sus propios compatriotas. Asistimos a las relaciones entre todo el equipo del rodaje con los habitantes del lugar, la mayoría de ellos contratados a precios irrisorios (como ocurría en la época que pretenden mostrar en la historia que ruedan). Y una tercera línea argumental, que son los enfrentamientos y protestas que se producen en Cochabamba comandadas por un indio (que es el que interpreta en la cinta que ruedan al líder indígena que se sublevó contra los españoles) como consecuencia de la concesión del sistema de aguas a una multinacional extranjera que pretende privatizar el servicio y multiplicar su precio, haciéndolo imposible para todos los indígenas.

Las tres historias se entrelazan con admirable brillantez; vemos el rodaje, una especie de documental tipo making-off del filme, y las relaciones entre las distintas culturas; los personajes evolucionan, y Bollaín, con la inestimable ayuda de Laverty en un guión bien hilado y muy logrado, logra que el espectador se involucre en la historia. Además, el reparto (casi masculino en su totalidad es fantástico, sobresaliendo por encima de todos un soberbio Karra Elejalde (además de, por supuesto,el gran Luis Tosar, que colabora de nuevo con la directora)

También la lluvia es una película inteligente, más compleja de lo que parece a primera vista, una cinta que se presta a discursos maniqueos pero que Icíar Bollaín sabe dirigir bien para no caer en ellos, y para demostrar que la historia, en realidad, no ha cambiado tanto, que la lucha sigue, y que los que estuvieron en el bando de los perdedores y explotados siguen estando en ese bando, y que la tragedia se repite día tras día.

THE TOURIST

2011-04-24T06:30:00.000+02:00

Otro remake innecesario

estados unidos-francia,2010.
director: florian henckel von donnersmarck. producción: gary barber, roger birnbaum, jonathan glickman, tim headington, graham King. guion: florian henckel von donnersmarck, christopher mcquarrie y julian fellowes, basado en la película el secreto de anthony zimmer). fotografía: john seale. música: james newton howard. montaje: joe hutshing, patricia rommel. intérpretes: angelina jolie, johnny depp, paul bettany, timothy dalton, steven berkoff, rufus sewell, christian de sica, alessio boni.

Ya hablábamos del asunto no hace demasiado tiempo, en la crítica de Chloe, y ahora el tema vuelve a ser el mismo. Un director de talento, procedente de fuera de los circuitos comerciales de Hollywood, con enorme éxito previo y numerosísimos premios recibidos (hablamos de Florian Henckel von Donnersmarck, director de la grandiosa La vida de los otros), es 'fichado' por uno de los grandes estudios para hacer un remake, con intérpretes revienta-taquillas, de una cinta de cierto éxito procedente de Europa qué, lógicamente, no se ha visto en su país. En esta ocasión el filme que se versiona (innecesariamente, dicho sea de paso) es El secreto de Anthony Zimmer. Pero aquí hay una gran diferencia respecto al anteriormente mencionado Chloe, es que ha sido el propio director el que, inexplicablemente, escribió el guión y lo presentó a la productora que aceptó el proyecto.

Es extraño que un director como el alemán haya dejado pasar proyectos de más entidad, textos originales, y se haya decantado por esta versión, absolutamente innecesaria, de una cinta que, aunque tenía cierto interés, no es ni mucho menos, lo que fue su anterior película. Pero, claro, quería entrar en Hollywood por la puerta grande, y (por desgracia) en la mayoría de los casos esto significa hacerlo con una cinta que arrase en la taquilla. Y The tourist tiene expectativas para hacerlo, al contar con una pareja protagonista, improbable en la vida real, pero potente (por separado) en la pantalla, como Johnny Depp y, sobre todo, Angelina Jolie. De hecho, la cinta es un vehículo para lucimiento de la actriz, y Depp es algo así como un secundario de lujo.

Frank es un profesor de matemáticas americano al que acaban de abandonar que viaja en un tren hasta Venecia cuando Elise, una atractiva mujer, se le acerca y empieza a flirtear con él. Lo que no sabe es que ella se le ha acercado deliberadamente, que sigue el plan de su pareja, el ladrón Alexander Pearce, perseguido por la policía y unos mafiosos a los que ha robado. La idea es que, sabiendo que Elise es su pareja, tomen al extraño por él. Cuando llegan a Venecia Frank se da cuenta de que algo pasa, se ve inmerso en un juego de engaños y persecuciones, pero es demasiado tarde y ya está enamorado de la chica y no piensa rendirse sin luchar.

La película tiene muy buena factura, está bien dirigida, y su acabado formal es más que correcto. Pero se la ve venir de lejos, y lo que es peor, esta bonita estética esconde pura vacuidad, no hay nada bajo ese aspecto. La cinta está hecha a la medida de la estrella de turno, una Angelina Jolie que aquí está más reposada, se mueve más pausadamente a como estamos acostumbrados (y en muchos momentos se la nota forzada, demasiado contenida, como deseando echar a correr o dar un par de puñetazos). Y esta lentitud también se nota alrededor de ella: las lanchas que circulan por los canales venecianos, incluso en plena persecución van extremadamente despacio, y se nota, y mucho.

Algunos toques de humor, muy leves, buena factura técnica, pero muy previsible, aunque no existiera la cinta original, es fácil adivinar cómo va a acabar todo, y desde muy pronto.

EL DISCURSO DEL REY

2011-04-24T06:10:00.001+02:00

El deber y la amistad

reino unido, 2010.
título original: the king's speech. director: tom hooper. producción: iain canning, emile sherman, gareth unwin. guion: david seidler. fotografía: danny cohen. música: alexandre desplat. montaje: tariq anwar. intérpretes: colin firth, geoffrey rush, helena bonham-carter, guy pearce, jennifer ehle, michael gambon, claire bloom, derek jacobi, timohy spall, freya wilson, ramona marquez, eve best.

Los hermanos Weinstein fueron durante años los reyes de Hollywood, y siempre estaban en primera fila en la ceremonia de los Oscar, y cosechando éxito tras éxito, taquillazo tras taquillazo, año tras año. Ejemplos hay muchos: El paciente inglés, Chicago, Chocolat, Cold Mountain, Las normas de la casa de la sidra... Y, o hay una enorme sorpresa y mucho cambian las cosas, o con esta película, mucho después de dejar la Miramax, con la que crearon todas las cintas anteriormente mencionadas, volverán a sentarse en primera fila de la entrega de los premios de la academia americana.

El discurso del rey en una cinta que continúa en la senda de las producciones más clásicas de la cinematografía británica y tiene todos los elementos para hacer que la película sea una de esas que recopilan premios allá donde vayan. Sobrio guión basado en hechos reales, buena dirección (aunque con algún plano mal elegido), y una pareja protagonista en estado de gracia, un tour de force entre un contenido Geoffrey Rush y un magnífico Colin Firth (que tiene todas las papeletas para ganar el Oscar, el Globo de Oro y el Bafta en los próximos meses).

En los albores de la Segunda Guerra Mundial, tras la muerte del rey británico Jorge V, y la polémica abdicación de Eduardo VIII, Jorge VI (padre de la actual reina Isabel II), que desde pequeño ha estado afectado por la imposibilidad de establecer un diálogo fluido y padece tartamudez, se ve obligado a dirigir su país en una época difícil, en la que debe erigirse como el líder en el que el pueblo pueda confiar. Tras haberlo intentado casi todo, su mujer acude a un logopeda australiano, recién llegado al país y que usa extraños métodos. Entre rey y doctor se establecerá una inaudita relación de amistad que durara de por vida.

La película no tiene grandes efectos especiales (no los necesita), no utiliza alharacas, ni estridencias, ni siquiera un argumento enrevesado y complejo, incluso el director se equivoca muchas veces en la elección del plano, haciendo un uso y abuso de los grandes angulares. Lo que El discurso del rey nos cuenta es una mera anécdota, un breve párrafo de los libros de historia (pese a la trascendencia que tuvo el hecho en su momento), narrado con elegancia pero con una narrativa leve, mezclando con sabiduría el drama de una difícil situación con la comedia de muchos diálogos (Colin Firth hace varias muestras de ello, pasando de una a otra en un par de segundos, con una maestría envidiable). Es cierto que no es una película que atraerá al gran público, y es una lástima, pero es una cinta que está construida (como venía siendo habitual en las producciones de los Weinstein) para todos los públicos, para los cinéfilos y para el espectador medio, como ya ocurrió con Shakespeare in love, por ejemplo.

El discurso del rey, una de las favoritas para alzarse con el premio honorífico de mejor película del año, es una montaña rusa emocional, es un reír hasta llorar, un llorar hasta reír; una película sobre el deber y la amistad, a veces divertida, otras dolorosa. Es una cinta excelente.

BALADA TRISTE DE TROMPETA

2011-04-23T21:13:00.005+02:00

La Bella y las Bestias

españa-francia, 2010.

escrita y dirigida por: álex de la iglesia. producción: vérane frédiani, gerardo herrero, franck ribière. fotografía: kiko de la rica. música: roque baños. montaje: alejandro lázaro. intérpretes: antonio de la torre, carlos areces, carolina bang, santiago segura, manuel tejada, fernando guillén cuervo, sancho gracia, fran perea, terele pávez, enrique villén, fofito, manuel tallafé, gracia olayo, luis varela.

Estamos ante el hito cinematográfico del año en lo que a la filmografía española se refiere. Siempre es un placer asistir a la creación de uno de nuestros genios, como es Alex de la Iglesia, que en todas sus películas ha mostrado un estilo propio, único e inclasificable, reconocible incluso aunque las cintas no estuviesen firmadas por él. Quizás la única excepción en su carrera sea la muy floja Los crímenes de Oxford. Pero incluso esta última, ha permitido al bilbaino llegar hasta aquí, pies todas sus películas no han sido más que parte del camino para llegar a esta Balada triste de trompeta.

Balada... es una película arriesgada, excesiva, brutal, desmadrada, radical, desgarrada, tremebunda, osada, imprevisible, apabullante, desconcertante, visceral y brillante. De la Iglesia no se corta un pelo, actúa y dirige sin tapujos, sin medias tintas, y ello hace que su cine, y en especial esta película, se pueda adorar u odiar, sin termino medio, pero consigue eso tan difícil que es no dejar indiferente a nadie.

La cinta, mezcla de comedia y tragedia, tiene imágenes poderosas, y es una clara pretensión del director de exorcizar sus obsesiones, presentes en todos sus filmes, pero que aquí toman control absoluto de la situación. Podría entenderse como una especie de recopilación de todo su cine anterior, bastante aumentando, como el enfrentamiento de dos payasos por una mujer, que era la base de Muertos de risa, y que aquí es una versión exacerbada de una bella y dos bestias salvajes, sanguinarias y enloquecidas, que lucharán por lograr su amor, de modo exacerbado, en una espiral de violencia imparable. Son dos posturas irreconciliables, metáfora de las dos Españas con la que comienza la película (a principios de la Guerra Civil, en una secuencia inaudita en la que un payaso acaba, machete en mano, con gran parte de un batallón golpista).

Pero es que no sólo la dirección es soberbia y el guion fantástico (pese a tener algún leve lastre), la música de Roque Baños y las interpretaciones del trío protagonista están a la altura, con un aterrador Antonio de la Torre (un payaso que adora a los niños pero que esconde una vena sádica que le hace confesar que se dedica a eso porque su otra opción era sera asesino), y los descubrimientos (para el cine) de Carlos Areces y la nueva musa del director (con la que ya había trabajado en su serie Plutón BRB Nero) y con la que aquí se recrea, la cámara la busca, nos enamora y nos hace creíble que los dos payasos pierdan la cabeza por ella.

Un festival de imágenes poderosas, una historia atravesada por la locura, con amores imposibles, violencia a raudales que sirve como catarsis, como elemento liberador de todo el sufrimiento que ha ido guardando y reprimiendo. Un volcán de imágenes, de ideas, repleto de talento, una apuesta extremadamente arriesgada, una tragedia y una comedia enfrentadas, como los dos payasos, en una historia en la que, como es de esperar cuando hay un enfrentamiento tan brutal, ninguno termina por tener lo que esperaba. Fantástica, soberbia, brillante, genial.

FRANKLYN

2011-04-23T20:02:00.000+02:00

El futuro es oscuro

francia-reino unido, 2008.
título original: franklyn. escrita y dirigida por: gerald mcmorrow. producción: jeremy thomas. fotografía: ben davis. música: joby talbot. montaje: peter christelis. intérpretes: eva green, ryan philippe, sam riley, bernard hill, richard coyle, susannah york, james faulkner, stephen walters, art malik.

Ha tardado dos años en llegar a nuestras pantallas, algo difícilmente explicable cuando se trata de una cinta que reúne los ingredientes necesarios para triunfar en taquilla simplemente con que se sepa vender y promocionar del modo adecuado. La estética que nos presenta Gerald McMorrow, afamado director de videoclips y publicidad, en su debut en la dirección de largos, bien podría compararse a la de filmes como Dark City o V de Vendetta, una ciudad tenebrosa y de oscuros intereses políticos.

La historia mezcla dos tiempos: el Londres del presente, y una ciudad futurista llamada Meanwhile. En la primera, Emilia es una artista con tendencias suicidas que utiliza para sus proyectos artísticos; Milo es un joven al que su novia acaba de abandonar y busca a su primer amor, al que no ve desde la infancia; y Peter Esser, un hombre que busca a su hijo entre los vagabundos de Londres. En la segunda, una sociedad distópica donde la religión es ley, cualquier religión (“se puede hacer una congregación siguiendo las normas de funcionamiento de una lavadora”), los clérigos son la policía y el ateísmo está penado con cárcel, Jonathan Preest es un prófugo que busca a su némesis, un líder conocido como El Individuo.

Las dos historias tienen más en común de lo que en un principio pueda parecer, y poco a poco los engranajes van encajando, las piezas se van uniendo y se van rellenando los huecos. El guión tiene fuerza, si bien es cierto que quedan algunos flecos sueltos, algunas lagunas en la trama argumental. Algunos pueden acusarla de que su historia es poco novedosa, que ya está vista, pero en lo que Franklyn destaca es en su concepción estética, en su audacia conceptual y en la imaginación visual, eso es lo que la distingue del resto de películas. Es un drama admirable, bien interpretado (sobre todos destaca el doble y casi opuesto papel de Eva Green), con pocos estereotipos (pese a lo que muchos piensen), y que es capaz de conciliar dos 'tradiciones' opuestas del cine británico, las del drama realista con personajes superados por el dolor, con la fantasía gótica, extravagante y excéntrica.

Es una película ambiciosa, bien narrada, cuesta meterse en su trama en su historia, y hay que tener paciencia para entrar en el juego. Si se consigue entrar, Franklyn te engancha y no te suelta, a pesar de que hay algún que otro error en el argumento, líneas que no terminan de encajar, pero la estética, la historia, las interpretaciones, son más que buenas.

BIUTIFUL

2011-04-23T19:42:00.002+02:00

Bostezos estéticos y Bardem

españa-méxico, 2010.
director: alejandro gonzález iñárritu. producción: fernando bovaira, alejandro gonzález iñárritu, jon kilik. guion: alejandro gonzález iñárritu, armando bo, nicolás giacobone. fotografía: rodrigo prieto. música: gustavo santaolalla. montaje: stephen mirrione. intérpretes: javier bardem, maricel álvarez, hanaa bouchaib, guillermo estrella, eduard fernández, cheikh ndiaye, diaryatou daff, cheng tai shen, luo jin, lang sofia lin, ana wagener, rubén ochandiano, karra elejalde.

Alejandro González Iñárritu es uno de los nombres más interesantes en el cine de los últimos años, y eso que únicamente tenía tres películas en su haber. Tras su portentoso debut en su país con Amores perros, vinieron otras dos cintas, igualmente brillantes, rodadas y auspiciadas por dinero estadounidense, como fueron 21 gramos y Babel, en las que incluso contaba con intérpretes de renombre (Sean Penn, Naomi Watts y Benicio del Toro en la primera, Cate Blanchett y Brad Pitt en la segunda). En todas ellas, el guión estaba escrito a cuatro manos. Las suyas y las de su compatriota Guillermo Arriaga. Para su nueva cinta, Iñárritu vuela solo. O mejor dicho, con otros compañeros, sin la participación de aquel que tantas victorias le proporcionó. Y la diferencia se nota.

Biutiful era una cinta esperada, de la que se ha hablado mucho antes de su estreno, y una vez vista, el resultado es, cuanto menos, decepcionante. La historia transcurre en Barcelona, pero no en la ciudad cosmopolita y moderna, sino en una ciudad marginal, en los bajos fondos, en la Barcelona marginal de los inmigrantes ilegales que trabajan veinte horas en locales inmundos, o que venden falsificaciones chinas en la calle. Allí, Uxbal es explotador y explotado, un padre que trata de sacar adelante lo mejor que puede a sus dos hijos y de lidiar con su ex-esposa, yonqui, puta y bipolar (ahí es nada)...

El problema de Biutiful es que quiere ser tan negra, pretende mostrar tanta truculencia, al protagonista le pasan tal cantidad de cosas, a cual peor, que termina por no conmover en absoluto. Y lo que es peor, no es para nada creíble.

Las imágenes siguen siendo bellas a pesar de la fealdad que lo rodea todo, la construcción formal y estética de los planos sigue siendo la misma que en ocasiones anteriores, en eso Iñárritu sigue siendo el mismo. Pero la historia no llega, no conmueve, y hasta aburre.

Donde sí que destaca la cinta es en Javier Bardem. El protagonista está sencillamente soberbio. Lástima que en este aspecto él sea el único (si exceptuamos a los dos niños). El resto están mal. Muy mal. Incluso Eduard Fernández, que en situación normal está bien, aquí no lo está. Biutiful es una cinta pretenciosa, preciosista en su fealdad, y cuyo argumento podría muy bien definirse como una mezcla entre la fantástica Mi vida sin mi y la sobrevalorada El sexto sentido. Una película con ínfulas de gran obra, pero cuya trama no convence, y que llega a provocar numerosos bostezos en su larguísimo metraje.

CHLOE

2011-04-23T19:23:00.000+02:00

Historia de una narradora

estados unidos-canadá-francia, 2009.
título original: chloe. director: atom egoyan. producción: jeffrey clifford, ivan reitman, jennifer weiss, simone urdl. guion: erin cressida wilson, basada en la película francesa nathalie. fotografía: paul sarossy. música: mychael danna. montaje: susan shipton. intérpretes: julianne moore, liam neesom, amanda seyfried, max thieriot, r.h. thompson, nina dobrev, julie khaner, laura decarteret, meghan heffern, natalie lisinska.

En épocas de crisis (económicas y de ideas) como esta que vivimos, hasta los autores de culto, cuyas películas, en circunstancias normales, son para un público minoritario, se apuntan al carro de los remakes. El último en sumarse a tales actos, impúdicos la mayoría de las veces, más notables las menos, ha sido el afincado en Canadá, aunque nacido en Egipto, Atom Egoyan, del que para muchos será la primera vez que oyen su nombre, a pesar de que tiene en su haber títulos tan destacables como Ararat, Exótica, El dulce porvenir o El viaje de Felicia. La película en cuestión es Chloe, versión de la francesa Nathalie.

Pero, como ocurre en otros muchos casos, la excusa que siempre dan los estudios norteamericanos para cometer semejantes tropelías es que, de otro modo, el público estadounidense (chovinista donde los haya) jamás conocería estas buenas historias y estas buenas cintas si ellos no hiciesen una versión propia. Lo que no dicen es que de los millones de personas que acudan a ver la versión yanqui de una determinada película, un porcentaje ínfimo (inexistente muchas veces) acude después a ver el original. Con lo cual, el desconocimiento sigue siendo el mismo.

Chloe es la película de Egoyan que menos se parece a una película de Egoyan. El motivo es más que evidente: no está basada en un guión propio. El director cuenta la historia de modo lineal, cuando nos tiene acostumbrados a numerosos saltos temporales, obligando al espectador a recomponer el argumento. Lo que sí permanece es su gusto por las historias dentro de las historias, que van entretejiendo un complejo entramado, que aquí tiene a la palabra (en otras ocasiones, Egoyan había dedicado más tiempo y espacio a las imágenes).

Catherine es una ginecóloga de éxito que empieza a sospechar que su marido, David, un profesor universitario, le es infiel. Casualmente conoce a Chloe, una bella y joven prostituta de lujo, y la contrata para que le seduzca y poner así a prueba su fidelidad. Pero con lo que no contaba Catherine era con que los relatos de Chloe sobre sus encuentros con David no sólo prendieran la mecha de los celos, sino que despertaran en ella deseos que la desconciertan.

Las interpretaciones del trío protagonista son más que solventes, pero sobre todo es la pareja femenina la que destaca y la que lleva la voz cantante en la historia, dejando al marido el papel, nada agradable, de objeto de las narraciones. Chloe es un thriller con tintes eróticos, que, a pesar de estar bien dirigida (aunque no está entre las mejores obras de Egoyan), notablemente interpretada, y poseer una excelente factura técnica, es ciertamente previsible, y su final no sorprende.

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE (I)

2011-04-23T18:50:00.002+02:00

La antesala del clímax

estados unidos-reino unido, 2010.
título original: harry potter and the deathly hallows (part i). director: david yates. producción: david barron, david heyman. guion: steve kloves, basado en la novela de j.k. rowling. fotografía: eduardo serra. música: alexandre desplat. montaje: mark day. intérpretes: daniel radcliffe, emma watson, rupert grint, helena bonham carter, bill nighy, richard griffiths, julie walters, bonnie wright, fiona shaw, alan rickman, carolyn pickles, ralph fiennes, helen mccrory, jason isaacs, tom felton, timothy spall, peter mullan, michael gambon, robbie coltrane, brendan gleeson, clémence poésy, natalia tena, david twelis, john hurt, evanna lynch, rhys ifans, imelda staunton, sophie thompson.

Y, por fin, tras casi una década desde el estreno de la primera entrega de la saga que más dinero ha dado en mucho tiempo (y casi la que más), la historia llega a su fin. O mejor dicho, al principio del fin. Porque para esta última entrega, los responsables del producto han decidido hacerlo en dos partes, estrenando ahora la primera (que aguantará hasta las Navidades y será una de las cintas que más recaude en esas fiestas), y dejando la segunda para el próximo verano. Esto es bueno para sus arcas, muy bueno, para qué nos vamos a engañar. Pero malo para el espectador, ya que esta Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (Parte I), no es más que una larguísima antesala del espectáculo que se prevé que sea la segunda y desenlace final de la historia de niños mago.

La saga se vuelve aquí, y ya iba siendo hora, más oscura y tenebrosa, y también, y ahí está el problema, mucho más aburrida. La película comienza muy bien, con una de las más emotivas secuencias de la saga, en la que Hermione conjura un hechizo a sus padres, para hacerse desaparecer a sí misma de sus vidas y sus recuerdos, para protegerlos ante la guerra que se aproxima. Poco después, la primera (y casi única) escena de lucha de la película. Y después, nada más. Durante dos horas y media, apenas avanza la historia, y se podría resumir la trama en la búsqueda y destrucción de un horrocrux (sólo uno, y teniendo en cuenta que son siete, pueden imaginar lo lento que va todo), dejando el resto para la segunda parte, que se prevé, eso sí, mucho más emocionante.

Además, las reliquias nombradas en el título, no son ni siquiera nombradas hasta pasada la hora y media de metraje, siendo todo lo anterior una lenta y aburrida historia, con la tripleta protagonista en solitario, en una tienda de campaña, perdidos en un frío páramo. Los personajes secundarios de lujo, tan presentes en las entregas anteriores, aquí apenas se les ve.

El principal problema no es, pese a todo, su casi carencia de dinamismo, sobre todo porque el original de J.K. Rowling es así, más contemplativo, se recrea más en el mundo interior, en los sentimientos de los protagonistas, que ya han dejado de ser niños y ya han llegado (unos más que otros) a la madurez. El problema es que eso es sólo una parte del libro, y aquí toda la película es igual. Esta primera parte es un remanso de paz, la tranquilidad que precede a la guerra, es la antesala del clímax que será la segunda parte. Se ha dejado toda la traca, toda la artillería (es de suponer) para la próxima entrega. Los fans de la saga lo agradecerán. Pero lo cierto es que, en el fondo, esto de dividir en dos la última entrega, más que ser una necesidad ineludible del texto, es sobre todo y fundamentalmente una estrategia comercial, una argucia para multiplicar los beneficios. Ni más ni menos. Ahí si que funciona.

TAMARA DREWE

2011-04-23T18:11:00.000+02:00

Dulce vuelta a casa

reino unido, 2010.
título original: tamara drewe. director: stephen frears. producción: alison owen. guion: moira buffini, basado en la novela gráfica de possy simmonds. fotografía: ben davis. música: alexandre desplat. montaje: mick ausdley. intérpretes: gemma artenton, roger allam, bill camp, dominic cooper, luke evans, tamsin greig, jessica barden, charlotte christie, john bett, josie taylor, bronagh gallagher, pippa haywood, zahra ahmadi.

El pasado viernes se inauguró una nueva edición del Sevilla Festival de Cine Europeo, y la película que sirvió como inauguración fue la última creación del británico Stephen Frears, que recibió un premio por su carrera en este certamen. Frears, que ya hace años que se creó un nombre en el mercado norteamericano, con títulos como Las amistades peligrosas, Mary Reilly o Alta fidelidad. En esta ocasión es un filme completamente británico, sin grandes estrellas, y se ha basado en la novela gráfica de Possy Simmonds, a su vez basada en Lejos del mundanal ruido de Thomas Hardy.

Tamara Drewe es una periodista del corazón que regresa después de muchos años a su pueblo rural de Dorset para vender la vieja casa de la familia, y su regreso causa una conmoción entre los habitantes del lugar. Cuando se fue, Tamara era una adolescente poco agraciada, y ahora es una mujer despampanante que desata una tormenta de envidias, deseos y cotilleos allá por donde va.

La cinta, ni mucho menos lo mejor de Frears, es una comedia con mucho sentido del humor, con diálogos rápidos y chispeantes, y que, en ocasiones, demuestra tintes negros. Una comedia muy británica.

Tiene varios momentos verdaderamente divertidos, sobre todo los ocasionados por esos dos personajes que vertebran toda la historia, las dos adolescentes que provocan casi todos los problemas que tienen todos los demás. Pero también tiene varios personajes muy simples, muy lineales, apenas esquematizados (el más claro es la estrella de rock), y al finalizar la proyección se tiene la sensación de que las diversas tramas están encajadas a la fuerza, que no concuerdan mucho. Pero el principal problema es que no queda en absoluto claro cuáles son las motivaciones que mueven a la protagonista, a Tamara, por qué hace lo que hace, por qué se comporta de ese modo.

Resumiendo, una comedia divertida, que no termina de encajar en su totalidad, y que deja claro algo que ya sabíamos, que Gemma Artenton, a pesar de haber nacido con un dedo más en cada mano, y de tener unas orejas extraordinariamente enormes (sólo una, según ella misma confiesa) aparece en pantalla como una de las actrices más bellas del momento.

SEVILLA FESTIVAL DE CINE EUROPEO

2011-04-22T22:59:00.000+02:00

Mr Nice
reino unido-españa, 2009
título original: mr nice. director: bernard rose. productor: luc roeg. guion: b. rose, basado en el libro de howard marks. fotografía: b. rose. música: philip glass. montaje: b. rose, teresa font. intérpretes: rhys ifans, chloë sevigny, david thewlis, luis tosar, elsa pataky, crispin glover, omid djalili, jamie harris, christian mckay, jack huston, andrew tiernan, ania sowinski

La realidad supera a la ficción. La vida de Howard Marks es un ejemplo. Nacido en un pequeño pueblo de Gales, llegó a Oxford donde se inmiscuyó tan de lleno en la venta de drogas que llegó a convertirse en un traficante internacional, mientras colaboraba con el IRA y era espía para el MI6.

La película que ha abierto el concurso del Festival de Cine Europeo nos cuenta su vida en primera persona. Y cumple las expectativas. Parecía que iba a ser un alegato en defensa de un traficante y es justo eso, un larguísimo (dos horas, que para lo que se estila ahora hasta es poco, que se hacen eternas) alegato en defensa de un mentiroso y manipulador traficante.

Mr Nice tiene puntos en común con la olvidable Blow, no sólo en el argumento. Aquí también hay dos intérpretes españoles, Elsa Pataky (aparece pronto y desaparece antes), y Luis Tosar. Sin contar que también es olvidable. Su comienzo despierta cierto interés, pero a medida que avanza la historia se hace repetitiva, aludiendo una y otra vez a un colocado Marks (los planos en que aparece sin cigarrillo en los labios son contados), y llega a resultar interminable. En un hombre motivado por la búsqueda de dinero y de emociones, es irónico que la película sobre su vida se acerque más al bostezo.

El personaje siente como si todo fuese una farsa, pero en ningún momento la historia es divertida o, al menos, efectiva como para que el filme tenga éxito a ese nivel. Tampoco es suficientemente contundente como para que se vea como una exploración seria sobre el tráfico de drogas.

Chicas
francia, 2010
título original: chicas. directora: yasmina reza. productor: said ben saïd. guión: y. reza. música: gipsy kings. montaje: monica coleman. fotografía: antoine héberlé. intérpretes: carmen maura, andré dussollier, emmanuelle seigner, valérie dréville, bouli lanners, christelle tual, philippe uchan, antonio gil martinez, stephen frears.

La afamada dramaturga, novelista y actriz francesa Yasmina Reza debuta como directora con esta película basada en una obra propia (La comedia española) y rodada en parte en español, pese a ser una producción completamente francesa.

Chicas nos cuenta la vida de Pilar, una viuda española (interpretada, con la solvencia a la que nos tiene acostumbrados, por Carmen Maura) que vive en París y que un día invita a sus tres hijas para presentarles al hombre del que se ha enamorado. Pero lo que se antojaba como una alegre reunión desemboca en conflictos, salen a relucir trapos sucios, secretos ocultos y se producen diversos enfrentamientos entre ellas.

Yasmina Reza demuestra que sabe escribir y que su trayectoria en el teatro es merecidamente reconocida, y en la cinta nos ofrece numerosos buenos momentos, diálogos frescos, ingeniosos, ágiles, que provocan la sonrisa en varios momentos.

Pero después nos topamos con la cruda y dura realidad, que es que el teatro no es lo mismo que el cine. Y esto, que para la mayoría es una verdad de perogrullo, un hecho que no es necesario confirmar, parece que todavía hay quien no lo tiene demasiado claro. La construcción del guión es demasiado endeble. El argumento parece más estar construido por una sucesión de escenas independientes con los mismos personajes (algunas secuencias están totalmente fuera de lugar, o no están situadas en el momento adecuado), que formar parte de una única línea argumental.

Pero el principal problema está en la realización, en la planificación y, en cierta medida, en el montaje final. El tempo de la historia no termina de convencer, a veces la acción se ralentiza en exceso, no pasa nada, y de pronto se acelera y hay cosas que no se cuentan porque no hay tiempo, La escena en la que el novio de la madre (André Dussollier) habla con una de las hijas (Emmanuelle Seigner, a la que unas horas antes habíamos visto brevemente en el estreno de Essential killing) en el dormitorio es de primero de básica: un plano-contraplano estático (y me refiero no sólo a la cámara, sino a los personajes, que no se mueven un ápice durante toda la conversación), y que más que clásico está ya, directamente, anticuado, y que le da a la situación un tratamiento excesivamente teatral, muestra del mundo artístico del que proviene Reza. Pero, como decíamos, esto no es teatro sino cine, y se requiere movimiento.

Chicas tiene varios momentos divertidos, sin llegar a ser comedia, y otros tantos casi traumáticos, sin llegar tampoco a la entidad del drama. Es un trozo de la vida de una madre con sus tres hijas, de las penurias y las alegrías de todas ellas, cosas que nos podrían pasar a cualquiera de nosotros, pero rodado quizás de modo demasiado teatral. Reza es buena dramaturga, no lo negamos, pero como realizadora de cine todavía le queda camino por recorrer.

La mujer con la nariz rota
alemania-serbia, 2010
título original: zena sa slomjenin nosem. director: srdan Koljevic. productor: alexander ris, jelena mitrovic, srdan golubovic. guion: s. koljevic. fotografía: goran volarevic. música: mario schneider. montaje: marko glušac. intérpretes: nebojša glogovac, branka katic, anica dobra, nada sargin, jasna zalica, vuk kostic, nikola rakocevic, stipe erce

Como si de una demostración de la suavizada vigencia de la teoría del caos se tratase, La mujer con la nariz rota nos presenta cómo un hecho concreto conecta la vida de varias personas y las cambia por completo.

Una joven con un bebé y la nariz recientemente rota (la que da título a la película) baja de un taxi atrapado en un atasco en el mayor puente de Belgrado, en medio de una insistente lluvia y se tira al río, dejando al pequeño en el taxi. El accidente es presenciado por tres testigos: Gavrilo, el taxista, un refugiado bosnio que no sabe qué hacer con el bebé y lo lleva a la única mujer que conoce, Jadranka, una prostituta y también serbia refugiada; Anica, una profesora que recuerda el trauma que le causó la muerte de su hijo en un accidente automovilístico; y Biljana, una farmaceútica a la que el hecho le hace darse cuenta de que no quiere casarse con su prometido y huye del coche, parando a Anica y pidiéndole que le lleve.

La película, segunda en la filmografía del director serbio, cuya primera cinta ya paso por el festival hispalense hace seis años, viene de arrasar en el Festival de Novi Sad, donde ha acaparado cinco premios.

Contada a modo de mosaico de vidas cruzadas, la cinta tiene numerosos rasgos de humor, incluso dentro de la tragedia que hay detrás, se percibe que los protagonistas, a pesar de todo lo que les ocurre, nunca pierden la esperanza de que todo vaya mejor.

Es interesante precisar en la variedad de los personajes: son distintas clases sociales las que se entremezclan (y todas tienen los mismos problemas): el taxista refugiado, que malvive en una pequeña y pobre casa en un barrio humilde, la profesora de clase alta, que vive en un gran piso en la zona acomodada de la ciudad; y la farmaceútica. Además, como personajes secundarios, también estarían el clérigo y la futura estrella de rock (ambos con problemas de amor).

El argumento, aunque nace de un intento de suicidio, se estructura en torno al cierre de una emisora de radio, cuya cuenta atrás vertebra la historia, y sirve como contrapunto musical en toda la película (con una banda sonora compuesta por los éxitos del rock yugoslavo de los años 70 y 80), con temas con letras algo inocentes, que se contraponen al ritmo actual de la ciudad. Aunque (punto a favor), la emisora cierra y la película continúa.

Bien interpretada, con unos actores de talento y conocidos de sobra en su país, La mujer con la nariz rota es una película con toques divertidos, aunque no esperen una comedia disparatada, y que también alberga buenos sentimientos. Y lo mejor, su factura es más correcta.

La aviadora de Kazbek
holanda-bélgica-dinamarca-georgia-alemania, 2010
título original: de vliegeniester van kazbek. directora: ineke smits. producción: els vandevorst, san fu maltha, ellen de waele. guión: arthur japin. fotografía: piotr kukla. montaje: katarina türler. intérpretes: madelief blanken, zurab jgenti, kakha kintsurashvili, dato roinishvili, peter lohmeyer, sylvia poorta, rick paul van mulligen, anamaria marinca.

El cine holandés, que normalmente suele causar buena impresión (el ejemplo más reciente fue la mejor película del concurso del pasado año, Nothing personal), no tiene aquí su mejor ejemplo. No es una mala película, pero con los precedentes que hemos tenido, esta sale perdiendo.

La acción se desarrolla en la pequeña isla totalmente llana de Texel (Holanda), al final de la II Guerra Mundial. Allí Marie, la hija de unos granjeros, sueña con las montañas. Quiere ser independiente y le gusta bailar, pero debe guardar las formas. Un día llega a la ciudad un contingente de soldados georgianos, antiguos prisioneros nazis que se han unido al ejército alemán, y que perturban la existencia de la chica. Entre ellos está Goga, que hace muy buenas migas con Marie. Pero los isleños la acusan de colaboracionista.

El filme está narrado desde el punto de vista de la protagonista y del uso de su imaginación, lo que hace que la imagen adquiera un mayor protagonismo, algunas son realmente atrevidas y originales.

La historia es interesante, con un argumento que, a priori, tenía potencial, pero el trabajo realizado en los dos primeros tercios (incluyendo las visiones repletas de fantasía de la protagonista) se ven perjudicados por la parte final, desde la secuencia de la batalla (pocas se recuerdan tan torpes y tan mal rodadas) hasta la resolución final, demasiado acaramelada (canción y mariposas incluidas).

El regreso
españa, 2009
director: nonio parejo. productor: pepe álvarez. guión: nonio parejo. fotografía: federico ribes, nonio parejo. montaje: fouad morad, juan josé mulero.

Esta es una de esas cosas que pasan en este festival nuestro y que no tienen mucho sentido. Y es que no tiene una explicación lógica que en la sección oficial a concurso de un certamen cinematográfica participe una cinta documental (mucho más cuando existe una sección específica para este género) que además ha sido creada para televisión, no para cine. Pero, de todos modos, intentemos hablar de esta El regreso que ha dirigido Nonio Parejo.

El regreso se centra en la figura de Juan Goytisolo, en su vuelta a Almería cincuenta años después de la publicación de sus obras sobre la provincia, en sus recuerdos de entonces y en cómo ve los cambios que ha experimentado el paisaje desde entonces.

La parte de ficción chirría en exceso, sobran escenas, sobra la voz en off con los textos de sus obras (son excesivos), y (más que ser un reconocimiento al autor) resulta una exacerbadamente reverencial. E incluso puede resultar algo demagoga.

Tender Son – The Frankenstein Project
hungría-alemania-austria, 2010
título original: szelíd teremtés - a frankenstein terv. director: kornél mundruczó. productor: viktória petrányi, susanne marian, philippe bober, gabriele kranzelbinder, gábor kovács. guión: k. mundruczó, yvette bíró. fotografía: mátyás erdély. música: philipp e. kümpel, andreas moisa, györgy kurtág, péter zombola. montaje: dávid jancsó. intérpretes: rudolf frecska, k. mundruczó, lili monori, kitty csíkos, miklós székely, diana kiss, natasa stork, kata weber, sandor terhes.

Esta es la tercera vez que el húngaro Kornél Mundruczó participa en la sección oficial de este certamen, y hasta ahora no ha tenido suerte, ya que ni Johanna hace cinco años, ni Delta hace dos tuvieron buena acogida (aunque esta segunda fue la favorita del año del que suscribe). Y todo parece indicar que con Tender son (A Frankenstein project) no se va a cumplir la máxima de 'a la tercera va la vencida', ya que el recibimiento por el grueso de la crítica tampoco ha sido demasiado halagüeño.

Libérrima adaptación de la obra cumbre de Mary Shelley que aparece en el título, la historia se centra en Rudi, un joven de diecisiete años que vuelve a casa después de pasar casi toda su vida en una casa de acogida, esperando encontrar el amor de su familia, pero solo recibe rechazo; accidentalmente acaba en un casting, y el director cree encontrar en él la inocencia que busca, pero un terrible suceso le convierte en asesino, y escapa. La única posibilidad de redención está en su padre perdido mucho tiempo atrás.

Mundruczó nos muestra una vez más su estilo austero, parco en palabras y en alharacas, tan seco que es difícil entrar en sus historias, en sus planteamientos. Pero, no obstante, puede resultar hipnótico en algunos momentos. La novedad es que en este filme es (ligeramente) más accesible que en anteriores ocasiones.

Mundruczó, que también participa como intérprete, realiza aquí una cinta más narrativa que su obra anterior, la fascinante Delta, en la que trazaba un complejo entramado, que tenía asimismo su metáfora visual en el laberinto de canales e islas en el que se perdían los personajes, y resulta más fácil comprender el argumento. La historia es más sencilla, y eso quizás haya hecho bajar el nivel respecto a la anterior, aunque su estética contenida y su estilo visual, de planos cerrados, cercanos a los personajes, que también se cierran en sí mismos y apenas dejan entrever sus sentimientos, se mantiene. Quizás lo más complejo de la cinta sea comprender dónde está la adaptación del Frankenstein de Shelley, y ahí debemos recurrir no al argumento de la obra, sino a las segundas intenciones, al mensaje oculto: la relación entre el creador y su creación (que aquí no sería director y película, sino padre e hijo), y a la reflexión sobre la responsabilidad que tiene el autor sobre su obra.

Son of Babylon
irak-reino unido-holanda-francia-emiratos árabes-egipto-palestina, 2010
director: mohamed al-daradji. productor: isabelle stead, atia al-daradji, m. al-daradji. guión: jennifer norridge, m. al-daradji, mithal ghazi. fotografía: m. al-daradji, duraid al-munajim. montaje: pascale chavance, mohamed jbara. intérpretes: yasser taleeb, shehzad hussen, bashir al-majid

Después de pasearse por numerosos festivales a lo largo y ancho de todo el mundo, y haber sido preseleccionada por Irak para competir por el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, Son of Babylon recala en Sevilla, un certamen en el que (a primera vista, al menos) no tendría cabida por su procedencia, ya que, aunque parte del capital es europeo (francés, holandés y británico) a nadie se le escapa que la película no es de de este continente, ya que ni la temática, ni el tratamiento, ni los paisajes, ni la dirección lo son. Así, resulta curioso que una de las mejores cintas proyectadas a concurso hasta ahora en este festival de cine europeo, y una de las que tiene mayores posibilidades de alzarse con un premio (de momento) no sea (del todo) europea.

La cinta nos sitúa al norte Irak, poco después de la caída de Saddam, y nos cuenta las peripecias de Ahmed, un pequeño kurdo que sigue a regañadientes a su obstinada abuela en un peregrinaje a pie, cruzando el país en búsqueda del hijo de ésta, padre de aquel, que partió doce años atrás a la guerra y del que no han vuelto a tener noticias. En el camino desde las montañas al desierto de Babilonia viajan con desconocidos y se cruzan con otras personas que peregrinan como ellos.

Son of Babylon es un filme muy cercano a una road movie (no busquen lo que los americanos entienden como película de carretera), que no pierde la sonrisa y ofrece toques de comedia incluso dentro del drama y del dolor de una búsqueda que se sabe difícil pero en la que no se pierde la esperanza, y que el director sabe reflejar en cada momento.

Una delicia de película que se ve con facilidad, que se disfruta de principio a fin, muy fresca, completamente interpretada por actores amateurs (¡y qué diferencia con las actuaciones no profesionales de El regreso, que vimos ayer!) Sobra una secuencia de la imposible búsqueda, y hay datos que no terminan de cuadrar (la edad del niño, por ejemplo), pero hasta el momento es lo mejor que ha pasado por el concurso.

Naufragio

españa, 2010
director: pedro aguilera. productor: josé maría lara. guión: pedro aguilera. fotografía: arnau valls colotier. música: walkerland. montaje: julia juániz. intérpretes: solo touré, kándido uranga, iñake irastorza, alex merino, julio perillán, ruth armas, ramón barea, carlos bravo, jakob dembele.

Esta es la edición del festival que ha tenido mayor presencia española, y a falta de que se proyecte Flamenco, Flamenco, que no participará en el concurso, esta es la última cinta nacional que veremos. Y la sensación que nos queda es realmente pobre. Aunque en este caso, no lo podemos negar, las intenciones son buenas. Pero, claro, eso no lo es todo.

Naufragio nos cuenta la historia de Robinson, un subsahariano que tras naufragar llega a las costas de Almería. Pero él no es uno más, oye voces y un espíritu le guía marcándole una misión: debe matar a un hombre.

Pedro Aguilera dirige su segunda película, después de que la primera despertara gran interés e incluso llegase a proyectarse en el Festival de Cannes. En esta ocasión, el director parece haberse dejado llevar más por la forma que por el fondo. Las imágenes de las visiones o trances de Robinson son recurrentes, pero aún más lo son las de éste invocando a unos espíritus que le van marcando el camino a seguir. Este aspecto sí es interesante, el protagonista tiene una única obsesión, una única meta, y no quiere distracciones que le desvíen del camino, por ello trata de evitar en lo posible lo que para él resulta accesorio: dinero, trabajo, sexo…

En el apartado estético, Aguilera realiza una planificación (digamos) diferente. No inventa nada, pero utiliza largas tomas estáticas de primeros planos que no conducen a nada ni dan a entender nada, y (lo que más llama la atención) numerosos planos inclinados sin otra finalidad concebible que la de epatar. Pero la historia no termina de enganchar, de convencer, y resulta sintomático que, al final, no termine de quedar claro quién era su objetivo y por qué.Tiene buenas intenciones, pero no logra llegar a su objetivo.

The Poll diaries
alemania-austria-estonia, 2010
director: chris kraus. productor: alexandra kordes, meike kordes. guión: c. kraus. fotografía: daniela knapp. montaje: uta schmidt. intérpretes: paula beer, edgar selge, tambet tuisk, jeanette hain, richy müller,

Basada en una historia real (como tantas otras de las cintas que suelen participar en el certamen hispalense), The Poll diaries narra (a grandes rasgos) las memorias de la autora alemana, prácticamente desconocida, Oda Schaeffer.

La acción se sitúa en Estonia, a finales de la I Guerra Mundial. La pequeña Oda regresa a casa de su padre, que vive con su nueva mujer, llevando consigo el cadáver de su madre. Son tiempos en los que la tensión va creciendo entre los rebeldes estonios y los lituanos, que quieren liberar su tierra, los alemanes que temen perder el poder que ostentan en la zona desde hace años, y los rusos, que ansían dominar el territorio. Oda conocerá accidentalmente a un rebelde que se oculta de sus perseguidores, y ocultándolo a todos comenzará una amistad con él.

Que nadie piense aquí que estamos ante la típica historia de amor imposible. Nada de eso. Son dos almas casi gemelas que ansían lo mismo, escapar, huir. Pero no pueden hacerlo por separado, y mucho menos juntos.

Chris Kraus, que ya estuvo en Sevilla hace cuatro años con la interesante Cuatro minutos, logra recrear la tensión existente en la época, sin necesidad de recurrir a batallas, enfrentamientos y demás, simplemente con las miradas, con las palabras, y muestra cómo la tensión se extiende a la propia familia y sus allegados, problemas que son los que empujan a Oda a buscar lo que encuentra en los suyos en los otros (no digamos más, para no desvelar demasiado).

La cinta de Kraus, recientemente premiada en el Festival de Roma con el Premio Especial del Jurado, consigue crear atmósferas envolventes y suaves, logra sin ningún problema que empalicemos con la protagonista (aunque ahí le ayuda el soberbio trabajo de la joven Paula Beer, un nombre a tener en cuenta en un futuro).

En un mundo mejor
dinamarca 2010
título original: haevnen. director: susanne bier. productor: sisse graum jørgensen. guión: s. bier, anders thomas jensen. fotografía: morten søborg. montaje: morten egholm, pernille bech christensen. intérpretes: mikael persbrandt, trine dyrholm, ulrich thomsen, markus rygaard, william jøhnk nielsen, bodil jorgensen, elsebeth steentoft, martin buch, anette stovebaek, kim bosnia.

Se esperaba mucho de la nueva cinta de la danesa Susanne Bier, directora que ya nos ha hecho pasar otros buenos ratos en una sala de cine, y la espera ha valido la pena. Tras su breve paso por la industria americana, donde rodó, Cosas que perdimos en el fuego, regresa a Europa con En un mundo mejor, una película fascinante, compleja y muy interesante que explora y contrapone dos sociedades tan distintas como las del norte de la rica Europa y la de la África más pobre y deprimida.

Anton es un médico danés que trabaja en un campo de refugiados de un país en guerra de África. En Dinamarca, su mujer pasa mucho tiempo sola con el hijo de ambos, Elia, que sufre el acoso escolar de varios compañeros. Entonces llega Christian, un niño que acaba de perder a su madre víctima de cáncer, y que traduce todo su dolor en violencia. Elia se siente atraído por la fuerte personalidad del chico. La amistad entre ambos se convierte en un peligroso juego de venganzas, que hace tambalear la vida de las dos familias.

La dirección de Bier es soberbia, plasmando a la perfección la frialdad de las emociones en la elección de planos, ambientaciones, localizaciones. Los personajes están magníficos, y el guión, con algún breve bajón de intensidad en un par de momentos, mantiene en tensión al espectador en todo momento.

Uno de los mayores aciertos de Susanne Bier (y no es la primera vez que lo hace) es que se limita a plantear preguntas, sin dar las respuestas, y es el espectador el que debe sacar sus propias conclusiones. Y lo hace enfrentando dos mundos casi antagónicos: ¿es nuestra avanzada sociedad occidental (ejemplificada en ese pequeño pueblo de Dinamarca en el que viven los protagonistas) el modelo para un mundo mejor?, ¿o bajo la superficie de nuestra civilización se esconde el mismo caos que se produce en un país en guerra donde no hay ley?

Si todas las películas fuesen así, este sería un mundo un poquito mejor.

Black Field
grecia, 2010
director: vardis marinakis. productor: george lykiardopoulos. guión: v. marinakis. fotografía: marcus waterloo. montaje: yiannis halkiadakis. intérpretes: sofia georgovassili, christos passalis, despoina bebedeli, maria panourgia, despoina kourti, vaggelio andreadaki, hakan boyav.

Una película más de amores imposibles. De esas de chico conoce a chica y se enamoran. Son de mundos opuestos, y deben luchar por su amor. Una de esas que Hollywood nos ha obligado a tragarnos en innumerables ocasiones, pero hecha en Grecia, transcurre hace cuatrocientos años, y las intenciones del director son más líricas, más poéticas. Aunque también, ahí está la pega, más vacías.

La acción transcurre en el año 1654. Grecia está bajo el yugo del Imperio Otomano. Un jenízaro (un cristiano que era capturado siendo niño y obligado a combatir en el ejército turco) llega gravemente herido, después de desertar, a un convento perdido donde habitan un grupo de monjas. La joven Anthi, que ha hecho voto de silencio, le cuida. Se enamoran y escapan. Pero ella guarda un terrible secreto (por eso calla). En realidad, es un hombre, que ha crecido escondido en el convento para evitar ser capturado por los jenízaros.

La película se pierde en imágenes de paisajes, pretendidamente bellas, pero que no aportan nada a la historia (una vez que se ha situado el escenario en las montañas, y se han mostrado planos generales de las mismas, deja de tener sentido repetirlos una y otra vez), además de tener varios momentos sin sentido y difíciles de explicar.

Director y actriz debutan en el cine con esta película. Y se nota. Aún así, la aburrida Black field ha ganado los premios a las mejores fotografía y dirección artística de la academia griega, y ha sido la elegida por el país heleno para representarlos en los Oscar. Lo cual indica lo malo que ha debido de ser el año para su filmografía.

Joy
holanda, 2010
directora: mijke de jong. productor: frans van gestel. guión: helena van der meulen. fotografía: ton peters. música: rini dobbelaar. montaje: dorith vinken. intérpretes: samira maas, coosje smid, dragan bakema, sharon schouten, elisabeth hesemans, lisette livingstone.

Este es un festival de repetidores. No es algo que sea novedad este año, pero en esta edición se ha acentuado, ya que de las catorce películas a concurso, tres son de directores que repiten en el certamen. Mijke de Jong, directora de esta película, es la tercera en entrar en competición. Y aunque en su anterior participación triunfó con La hermana de Katia (ganó el Giraldillo de Plata hace dos años), en esta ocasión todo parece indicar que no va a repetir premio.

Joy es una joven que se ha criado en diferentes orfanatos. El único recuerdo que guarda de su madre biológica es el nombre que ésta le puso antes de abandonarla. Ahora, sea porque su mejor amiga está embarazada o porque la familia de su novio serbio va a celebrar una boda, aunque éste hace lo posible por ayudarla, en la mente de Joy sólo hay una idea: únicamente será feliz cuando se reúna con la mujer que le dio la vida.

La directora toma dos referentes clave (muy buenas películas las dos) y, ya se sabe, si copias algo bueno tienes que hacerlo muy bien para no caer. Éstos son Rosetta, de los hermanos Dardenne y, en menor medida, Fish tank, de Andrea Arnold, que vimos en el SEFF el año pasado.

La cámara persigue nerviosa en incansablemente a la protagonista (como pasaba en la primera de las cintas nombradas) en su deambular por las calles de Ámsterdam. De hecho, Joy (el personaje) tiene mucho de Rosetta, es grosera, egoísta, malencarada, aunque (aquí la principal diferencia) mucho más sexual que la chica que nos mostraron los Dardenne.

Se esperaba mucho de esta cinta, tras el precedente de la anterior, pero el resultado defrauda

Flamenco, flamenco
españa, 2010
director: carlos saura. productor: juan jesús caballero y javier sánchez garcía. guión: c. saura. fotografía: vittorio storaro. director musical: isidro muñoz. montaje: vanessa l. marimbert.

Hace catorce años el director oscense Carlos Saura dirigió la película Flamenco, que fue un hito en la historia de la cinematografía española. Ahora, gracias a la mediación de una productora sevillana ha podido llevar a buen puerto la película que llevaba más de una década queriendo hacer. Para ello ha contado con gran parte del equipo de la primera, y con la ayuda inestimable del supervisor musical Isidro Muñoz (hermano de Manolo Sanlúcar, que también participa en la cinta) y del maestro Vittorio Storaro en la dirección de fotografía.

Y en esos apartados la calidad es incuestionable. Storaro es uno de los grandes, y las imágenes por él creadas para esta película son fascinantes y de gran belleza. Todas ellas. Saura ha planteado todos los números, al igual que en la cinta previa, en una nave (que aquí es el Pabellón de los Descubrimientos de la Expo'92) y como hilo conductor diversas pinturas que recrean temas andaluces.

El director e Isidro Muñoz han seleccionado a un grupo que aúna a las nuevas voces del flamenco, jóvenes talentos que están aportando aire fresco, nuevas visiones y aportando fusiones al flamenco más ortodoxo, tanto al cante como al baile (Manuel Poveda, Israel Galván, Eva “Yerbabuena”, Rocío Molina...), así como los grandes clásicos (Paco de Lucía, Manolo Sanlúcar, José Mercé...)

Pero, no nos engañemos, esto es lo que es. No es un musical, no es ficción, no es un documental. Simplemente es una sucesión de cuadros flamencos, con los mejores artistas, bellamente fotografiados por Storaro, y unida por una serie de pinturas. Nada más. Y eso no es una novedad, es exactamente lo mismo que ya vimos en la primera cinta de la serie.

Era lo que se esperaba. Ni más ni menos. Ninguna novedad.

The happy housewife
holanda, 2010
director: antoinette beumer. producción: hans de weers, reinout oerlemans, sim van veen. guión: marnie blok, karen van holst pellekaan, basada en la novela de heleen van royen. fotografía: bert pot. montaje: annelien van wijnbergen. intérpretes: carice van houten, waldemar torenstra, rené van 't hof, matthijs van nieuwkerk, jaap spijkers, rik launspach, marcel hensema, eric van der donk, lotje van lunteren.

En una edición en la que el país invitado era Holanda y había tres cintas holandesas en la sección oficial fue una película de esta nacionalidad la que cerró el concurso. Las dos anteriores habían decepcionado, y de esta se esperaba algo más. Pero no termina de funcionar.

La protagonista, a la que se refiere el título, es Lea, una azafata que trabaja en una línea aérea y que vive feliz una vida de lujos con Harry, su marido. Harry quiere un hijo, pero Lea, que no piensa renunciar a su estado actual, sin compromisos, no lo tiene nada claro. Pero se queda embarazada, y tras un parto traumático, Harry se centra en el cuidado del pequeño, y ella se sumerge en una depresión que la aleja de la realidad. Su objetivo desde entonces es volver a su vida anterior, una vida en la que sólo están ella y su marido.

Carice van Outen, protagonista absoluta de la historia, hace un gran trabajo, aunque, como la película, en ocasiones se pierde. El guión, basado en una novela que, a su vez, está basado en un hecho real, tiene altibajos, y da muestra de un gran sentido del humor, incluso en los momentos más dramáticos dentro de la institución psiquiátrica.

Hay una frase, ya en la segunda mitad de la película, en la que la madre de la protagonista, habla con su nieto (recién nacido) de su hija, y madre del mismo: “saluda a tu madre, se perdió, pero ha encontrado el camino de vuelta”. La frase define a la perfección a la película en sí misma: empieza de modo brillante, su primera media hora (algo más) es potente, de gran intensidad, con un comienzo divertido que evoluciona hacia el drama. Después se pierde, divaga y deambula sin saber dónde quiere ir a parar. Pero recupera el camino perdido y vuelve a la buena senda. El problema es que acaba por perderse de nuevo y definitivamente.

Silent Souls
rusia, 2010
director: aleksei fedorchenko. producción: igor mishin, mary nazari. guion: denis osokin, basado en la novela 'ovsyanki', de aist sergeyev. fotografía: mikhail krichman. música: andrei karasyov. montaje: sergei ivanov. intérpretes: yuliya aug, igor sergeyev, ivan tushin, yuriy tsurilo

La experiencia que teníamos de anteriores años con las películas rusas nos hacía temer lo peor ante la proyección de Silent souls. Y como temíamos, el resultado es malo. Bastante.

Miron acaba de perder a su joven mujer, Tanya, y le pide a su amigo Aist que le ayude a despedirse de ella según la tradición de la cultura merja, a la que ambos pertenecen. Para ello recorren miles de kilómetros a través de inmensos paisajes. Durante el camino, como es costumbre en los merja, Miron comparte secretos íntimos de su vida conyugal. Cuando llegan al destino, Miron se da cuenta de que no era el único que quería a Tanya.

La película, narrada (como es costumbre en las cintas rusas que llegan al festival) con un tono pausado, monocorde, relajado hasta el extremo, se parece más a un documental sobre la tribu merja (asimilada por los rusos hace tres siglos, pero que sigue manteniendo parte de sus costumbres) que a otra cosa y tiene secuencias metidas a la fuerza en el guión (la 'obligación' de llevarse los pájaros al viaje, o el encuentro con las prostitutas, por ejemplo), y un final que no se cree nadie.

Muy floja. Aunque eso ya lo esperábamos.

LOS OJOS DE JULIA

2011-04-20T22:16:00.000+02:00

Quedarse a oscuras

españa, 2010.

director: guillem morales. producción: joaquín pardo, mar targarona, guillermo del toro, mercedes gamero, reyes matabuena. guión: guillem morales, oriol paulo. fotografía: oscar faura. música: fernando velázquez. montaje: joan manel vilaseca. intérpretes: belén rueda, lluis homar, pablo derqui, francesc orella, joan dalmau, boris ruiz, daniel grao, clara segura, andrea hermosa, julia gutiérrez caba.

La oscuridad ha sido desde siempre uno de los mayores temores de la humanidad. De ahí la importancia que supuso para nuestros antepasados de las cavernas descubrir el fuego. Más allá de servir de defensa, fuente de calor y asar los animales que cazaban, les evitaba quedarse a oscuras cuando el sol se ocultaba cada día. Y cuando el cine empezó a hacer películas de terror, este era también uno de los temas recurrentes, una de las fuentes del mal. Y los malvados siempre se ocultaban en la oscuridad, y era ahí donde ocurrían todas las masacres, etc, etc.

Guilem Morales, en esta su segunda película, recurre una vez más al tema. Además de modo redundante, ya que añade al hecho de que los sucesos más (digamos) terroríficos (aunque esta no sea una cinta de terror al uso, sino más bien un thriller... o mejor dicho, pretende ser) sucedan de noche, incluso sin luz, que la protagonista se esté quedando ciega, se esté quedando a oscuras.

La historia es sencilla de contar: una mujer (la Julia del título) investiga por su cuenta la reciente muerte de su hermana Sara, ya que, aunque todo apunta al suicidio, a ella no le convencen diversos indicios que va encontrando. Julia se ve acechada por una presencia que nadie, ni la policía ni su marido, parece percibir, cree que eso fue lo que mató a su hermana. Mientras, al igual que ocurriera con Sara, una enfermedad congénita la va dejando ciega.

La película bebe de numerosas fuentes, toma como referentes a varias películas, aunque las más evidentes son Sola en la oscuridad (e incluso, aunque menos, la posterior Jennifer 8) y El fotógrafo del pánico. Quizás también se aprecien elementos de Hitchcock, y a muchos les recordará a las también españolas Los otros y El orfanato. Y ya se sabe lo que pasa con quien quiere abarcar mucho...

Los ojos de Julia es una película repleta de tópicos, construida a base de clichés ya desde el primer plano. Una casa grande, es de noche, llueve, mucho, hay truenos, una mujer (ciega) está intentando escapar de algo que la persigue, se va la luz (tampoco hacía falta, si ella era ciega, pero el cliché es el cliché)... A partir de ahí, uno tras otro se van sumando para hacer una película tópica, previsible al máximo, y que cuenta con uno de los recursos más burdamente utilizados en mucho tiempo (si quieren ver la película, no sigan leyendo, si lo hacen después no digan que no les avisé): ¿por qué se oculta la cara del 'malo' de modo tan descarado y durante tantísimo tiempo, cortando el plano, captándole de espaldas, tapando su cara con sombras, un libro, un mochila, un colchón... si hasta ese momento no lo hemos visto y, por lo tanto, no lo conocemos?, ¿es que no se dan cuenta de que en el mismo instante en que se concatenan cuatro planos ocultando la cara de un personaje concreto hasta el más inepto se da cuenta de que algo pasa, y de que ese es el 'malo' de la historia? Y, por cierto, tampoco hay que ser demasiado lumbrera para saber quién es en realidad. Pero bueno, el mal ya está hecho, y con está cinta, director y guionistas no han visto la luz precisamente, y se han quedado a oscuras.

STONE

2010-10-26T16:01:00.004+02:00

¿Qué ha sido de de Niro?

estados unidos, 2010

título original: stone. director: john curran. producción: david mimran, jordan schur, holly wiersma. guión: angus maclachlan. fotografía: maryse alberti. montaje: alexandre de franceschi. intérpretes: robert de niro, edward norton, milla jovovich, frances conroy, sarab kamoo, enver gjokaj, pepper binkley, sandra love aldridge, rachel loiselle.

Hace unos años, cuando llegaba a las pantallas una película protagonizada por Robert de Niro uno sabía que, al menos, aunque la historia fuese floja, iba a asistir a un recital interpretativo de primer nivel. Desafortunadamente, eso hace ya tiempo que pasó, y ahora no hace más que encadenar películas malas, papeles sin sustancia y personajes sin entidad. Y lo peor es que ya casi estamos acostumbrados a ello (prácticamente desde que hizo Showtime con Eddie Murphy, e incluso antes, no ha vuelto a tener un papel potable), y algunos hasta están olvidando Toro salvaje, El padrino, Casino, Taxi driver, etc.

La historia de Stone no es nueva. Más bien al contrario. Jack Mabry es un policía, oficial de libertad condicional, un hombre de profundas creencias religiosas, que está a pocos días de jubilarse. Pero antes quiere cerrar los casos que tiene pendientes (¿cuántas veces hemos visto algo así?). Uno de ellos es Gerald 'Stone' Creeson, encarcelado por encubrir el asesinato de sus abuelos con un incendio. Ante la posibilidad de recibir la libertad, Stone debe convencer a Jack de que se ha rehabilitado, pero sus intentos no resultan. Lucetta, la mujer de Stone, está dispuesta a lo que sea por sacar a su marido de prisión, y se decide a actuar, presentándose ante Jack.

La puesta en escena del personaje, en la primera secuencia del filme, nos lo presenta como un hombre religioso hasta la médula pero cruel, más preocupado por el golf que por su familia. Pero al terminar la historia, acaba pareciendo un pobre tipo, un incauto que sólo oye la biblia en la radio (algo que, está bien para caracterizar al personaje, un par de veces, pero que llega a resultar cargante por la reiteración con que aparece) y que se deja engañar por la sexy, embaucadora, perturbadora, promiscua, mentirosa y atea (en un momento determinado le espeta al protagonista “Dios no existe”) mujer del protagonista, una bellísima Milla Jovovich, que enfrentado al 'pobrecito' de Jack y (posiblemente sería así) para los miembros del programa de radio que escucha, sería el diablo encarnado en humano, y que se une al dúo masculino en el hecho de tener interpretaciones flojas, bastante más de lo que en ellos es habitual.

De hecho, tanto la historia (repleta de tópicos, de reiteraciones, de momentos mil veces vistos), como la realización (torpe, aburrida, previsible, con la inclusión de planos con movimientos circulares alrededor de los intérpretes que no tienen sentido alguno), como las flojas actuaciones de la tripleta protagonista (sólo Frances Conroy salva los papeles en este apartado) se unen para dar como resultado una película muy floja, que no aporta nada, y que aburre a las piedras.

LA RED SOCIAL

2010-10-26T15:28:00.003+02:00

Historia de un inadaptado vengativo

estados unidos, 2010

título original: the social network. director: david fincher. producción: dana brunetti, ceán chaffin, michael de luca, scott rudin. guión: aaron sorkin, basado en el libro de ben mezrich. fotografía: jeff cronenweth. música: trent teznor, atticus ross. montaje: kirk baxter, angus wall. intérpretes: jesse eisenberg, rooney mara, bryan barter, brenda song, dustin fitzsimons, armie hammer, joseph mazzello, max minghella, andrew garfield, john getz, justin timberlake.

Hemos visto en numerosas ocasiones un acuerdo casi global entre la crítica internacional en casos concretos, pero siempre cuando la película es mala. Es fácil y casi todos los años tenemos ejemplos conocidos. Más extraño es, sin embargo, que haya tal unanimidad en sentido favorable, esto es a favor de la calidad de una determinada cinta. Y ese caso se ha dado con La red social, la nueva y esperadísima película de David Fincher, con una coincidencia casi total en la critica que ve en ella la obra fantástica que es, pese a lo que podria parecer en un principio.

La película se basa en varias fuentes, y se traslada desde las aulas de Harvard (donde estudia un rechazado Zuckerberg, que por venganza crea Facemash, una web que le granjea muchos enemigos y por la que se le acusa de vulnerar la seguridad informática de la universidad y de misoginia, pero que sería el germen del futuro Facebook ) a los cubículos de Palo Alto. En el epicentro de toda la historia se encuentran el propio Zuckerberg, alumno brillante de informática; Eduardo Saverin, su único amigo, quien aportó el capital inicial para la empresa; Sean Parker, fundador de Napster, y que facilitó la llegada de nuevos y más poderosos inversores, llevando Facebook a Silicon Valley; y los hermanos Winklevoss, compañeros de Harvard, que aseguraban que Zuckerberg les había robado la idea y que le demandaron la titularidad.

A priori, el interés de la historia de la creación de una web, por muy famosa y popular que se haya hecho en todo el mundo dicho site, parecía escaso. Pero si detrás del proyecto están un director como David Fincher (que, hasta en su cinta que más detractores ha cosechado -Zodiac-, consiguió un gran resultado) y un guionista como Aaron Sorkin, la cosa cambia.

La red social es un arriesgadísimo y complejo estudio de un personaje, Mark Zuckerberg, un ser antisocial, con una inmensa e innata capacidad para la interacción social, que se convirtió en el multimillonario más joven del planeta al crear la web que sirve, precisamente, como instrumento para la interacción social. O al menos esa es la sensación (falsa) que da desde fuera.

La cinta mantiene, desde el primer momento y durante todo el metraje, un ritmo vertiginoso, con un grandísimo trabajo de montaje, alternando dos momentos temporales diferentes que van convergiendo poco a poco, y una tensión inesperada por la temática.

Esta es una de esas pocas veces en las que nada falla. Ni dirección, ni guión, ni montaje, ni interpretación, ni música, todo aporta para que el resultado sea una película casi perfecta. Tenemos aquí una historia que puede llamarse contradictoria. Tiene elementos que atrae a casi cualquier humano, pero en el fondo nos importa poco. Es decir: a pesar de todas las traiciones, de todas las causas judiciales, seamos honestos, en realidad a nadie le interesa cómo se fundó facebook; pero en manos de David Fincher y Aaron Sorkin, La red social se convierte en una especia de obra maestra. E incluso llegamos a sentir simpatía por un ser vengativo, resentido y hostil, como el que interpreta magistralmente Jesse Eisenberg. Ahora, lo único que nos queda por saber es cómo responderá a esta afrenta Michael Zuckerberg.

GRU. MI VILLANO FAVORITO

2010-10-26T15:19:00.004+02:00

El maligno es el banco

estados unidos, 2010.

título original: despicable me. director: chris renaud, pierre coffin. producción: chris meledandri, john cohen, janet healy, yarrow cheney. guión: cinco paul, ken daurio. música: heitor pereira, pharrell williams. montaje: gregory perler, pam ziegenhagen. intérpretes: dibujos animados.

Si hay un género que resulta rentable para los estudios de cine, en especial desde hace unos años donde ya no hay nada seguro, y las grandes estrellas que antes eran garantía de éxito ya no lo son, o las películas que antes atraían a las masas ya no lo hacen, es sin duda las cintas de animación infantil en 3D. Estas son las únicas que aseguran avalanchas de público infantil, que además van acompañados de sus respectivos padres, para los que las productoras siempre se guardan un par de gags en cada película.

Y aunque los dueños absolutos en el sector son Pixar y Disney, estan 'surgiendo' otras grandes productoras en el ámbito de la animación (grandes estudios que están abriendo divisiones animadas) que también quieren parte del pastel. Una de las últimas en unirse al grupo ha sido la Universal, cuyo primer trabajo es esta Gru, mi villano favorito, una cinta que desmitifica el papel clásico del villano.

Gru es un malvado, tiene porte y aires de villano y se comporta como tal. Vive en una urbanización alegre de cuidados jardines, pero su casa es negra y el césped amarillento. Los vecinos ignoran que debajo de la vivienda hay un enorme escondite secreto, con multitud de armas y un ejércitos de lacayos (a medio camino entre los muñequitos verdes de Toy Story y los curris de Los Fraguel), donde Gru prepara su gran golpe, el que le hará ser el mayor malvado de todos los tiempos: el robo de la Luna. Hasta que se topa con tres testarudas huérfanas que, incomprensiblemente, ven en él a un padre en potencia.

Aunque Gru es una cinta infantil, cuya trama principal está llena de buenos sentimientos y es ciertamente previsible, lo que sorprende es una de las tramas secundarias, dirigidas clarísimamente al público adulto (los americanos lo disfrutarán más incluso), en la que Gru, para poder llevar a cabo su plan, debe ir ¡¡a pedir un préstamo a un banco!!, que se presenta así como el verdadero maligno de nuestros tiempos, y que además, aparece como sucursal financiada por Lehmann Brothers.

La cinta está construida de modo brillante, tiene grandes logros e ideas visualmente divertidas (las camas bomba o la vivienda de Vector, el rival de Gru), y tiene momentos muy divertidos, pero su final es demasiado candoroso, demasiado dulce, incluso para estar dirigida a un público infantil.

ENTERRADO

2010-10-04T23:54:00.002+02:00

Claustrofobia

españa, 2010.

título original: buried. director: rodrigo cortés. producción: adrián guerra, peter safran. guión: chris sparling. fotografía: eduard grau. música: víctor reyes. montaje: rodrigo cortés. intéreprete: ryan reynolds, ivana miño.

El cine español, y ni hablemos de las series españolas, no son muy dadas a enfrascarse en aventuras de altos riesgos, y aunque siempre hay honrosas y escasas excepciones, se suelen decantar por géneros y argumentos ya probados y que saben a ciencia cierta que funcionan. Por eso, el caso de Rodrigo Cortés es tan extraño en nuestra industria. Tras dirigir Concursante hace tres años, una cinta más interesante de lo que en un principio pudiera parecer, en esta su segunda película, el gallego va más allá y se mete de lleno en un proyecto arriesgadísimo, con un único escenario (algo que ya habían hecho otros, por ejemplo el maestro Hitchcock en Naufragos, aunque quizas la referencia más clara para Cortés sea el fragmento de Kill Bill 2 donde Uma Thurman es enterrada) y, lo que supone una novedad, un único personaje en pantalla.

Paul Conroy despierta herido y a oscuras. Encuentra un encendedor junto a él que le permiten descubrir que está en un ataud. Enterrado. Es un transportista civil que trabajaba en Irak, su convoy sufrió una emboscada y él perdió el conocimiento en el ataque. Despertó sepultado vivo, sin saber quién lo había puesto allí, ni por qué. Un móvil que le han dejado al lado es su único vínculo con el exterior, con sus captores y con la posible ayuda. Pero tiene poco tiempo, hasta que se agote el oxígeno o se acabe la batería del móvil.

Cortés demuestra tener los redaños suficientes para lanzarse al vacío sin red en una producción dificilísima, al desarrollar toda la trama, toda la historia, hora y media de metraje, en el reducido espacio que supone un ataud, por el que la cámara se mueve, recorre en innumerables ocasiones, y sirve a su único protagonista para demostrar un talento que muchos no pensaban que tenía, sin que el interés. El guión apenas tiene fisuras (si es que las tiene), y mantiene la tensión en todo momento, sin necesidad de trucos baratos, de recurrir a flash-backs o a la temible (destruye más películas de las que salva) voz en off del protagonista contando sus opiniones, sus sentimientos. Además, se permite el lujo de contar con algún que otro leve toque de humor corrosivo. La única imagen del mundo exterior que tenemos en todo el metraje, es el vídeo que sus captores le mandan a Conroy con la imagen de una compañera, también secuestrada.

Enterrado es una película de terror claustrofóbico, una propuesta complicada, un thriller agotador que te deja sin aliento, con un muy buen trabajo de edición y un gran trabajo de cámara (sólo un par de planos imposibles, de travellings que se alejan del protagonista, el primero lateral, con más simbolismo que otra cosa, y el segundo hacia arriba que señalan la profundidad a la que está enterrado el protagonista). Cortés ha construido una cinta magnífica que, aunque no es cine político, no escatima más de una bofetada a las grandes corporaciones, compañías de seguros y algunos gobiernos.